CIZAÑA ESTÉTICA

EL RENACIMIENTO: A MODO DE RESUMEN

2011-06-11T23:33:00.002-12:00

El Renacimiento: a modo de Resumen.

Una frase que constante e invariablemente se repite como una aporía oximorónica es aquella que se escucha en la boca de casi todo artista moderno, o sea, de los activos hoy en día. Dice así: “El Arte del Renacimiento está superado”. Bien dice Gombrich que “no hay Arte sino artistas”, al principio de su Historia del Arte, imprescindible, se lea lo que se lea. Pues bien, dicha proposición no nos lo parece. En el Arte no hay superación alguna. No es una carrera de fondo, donde el último en llegar gana la misma. Pero detrás de la frasecita se esconde todo un mundo de oscuras intenciones, de ahí su popularidad entre los artistas. Es enfrentarse de pleno con el período más fructífero de la línea temporal en la que se revuelve todo historiador de Arte. Los argumentos para sustentar la misma expresión son de lo más variopintos e ineluctables a oídos de los mismos que la frecuentan a cada discurso de barra de bar. Los logros del Renacimiento, Italiano o de los Países Bajos, han sido analizados a conciencia por las mentes más privilegiadas de entre los historiadores del Arte, y algo tendrá el agua cuando la bendicen, aunque en este caso sea el océano. Casi todos los grandes genios del Renacimiento Italiano o aledaño, hubieran pasado a la Historia del Arte con tan sólo una de sus obras. Ejemplo: Miguel Ángel y su Piedad o su Moisés, o su Esclavo Moribundo, o la Sixtina, cualquiera de ellas, sin las otras le hubieran otorgado el lugar que ocupa. Pero esto mismo se puede aplicar a Leonardo, o a Rafael o a Benvenuto Cellini, con su Perseo, éste ya manierista. Es evidente lo que esto supone para quien se pasa la vida repitiendo una fórmula pictórica(Tapies), hasta la nausea, aburriendo a las mismísimas ovejas de Damien Hirst, aunque estuviera tumbado en la cama de Traecy Emin toda la vida, de tener la falta de escrúpulos para hacerlo. No es que crean que el Renacimiento está superado es que ellos no pueden hacerlo. Las excusas son ostensibles si comparamos sus obras con las del período más excelso del que hablamos.
Hay una admonición vasariana por su contundencia monótona que viene a decir que a partir de Los Impresionistas la experimentación en el arte comenzaría, dando lugar a la gran explosión de las Vanguardias Históricas. Nada más lejos de la realidad, si alguien experimentó, fueron los artistas del Renacimiento, quienes no se conformaron con repetir fórmulas ni modos, ni técnicas ni vieron el pasado como una herencia a respetar. La recuperación de la Antigüedad fue una aspiración, pero fueron más allá. El primer retrato moderno fue la Mona Lisa, que parecía respirar y estar en un ambiente real. Picasso, lo intentaría repetidas veces en el género del retrato, pero a su modo, un talante que sólo es comprensible por sus manías pictóricas y su insistencia en ser diferente, Que lo consiguiera o no es tema de expertos, pero no vemos en ojos discontinuos realidades palpables, únicamente trazos de pincel. Se puede argumentar que era eso precisamente lo que buscaba, pero el resultado para el espectador sigue siendo el mismo, la Mona Lisa, nos parece mirar cada vez de un modo diferente y su sonreír, es el milagro sin explicar, después de muchas disquisiciones. Gombrich, decía sobre el Renacimiento que fue la “conquista de la realidad”, pero uno no puede comparar aquella realidad, convulsa especialmente en la Italia de los siglos XV y XVI, con la actual. ¿ Acaso aquella realidad era tan diferente de la nuestra? Manifestaciones sobre el carácter social del arte son necesarias, pero no aclaran ni mucho menos los cambios en el decurso del mismo, el omnipresente subterfugio del arte por el arte, es decir, libertad de hacer lo que nos venga en gana, no hace sino afianzar la grandeza de los artistas renacentistas, que sí hicieron dentro de sus medios sociales, obras que perduraran en la memoria de quien sólo las ha visto una vez.
Los artistas del Renacimiento, son los padres de todo, y sus abuelos, el mundo grecolatino, también, pero el ojo moderno se ha acostumbrado a ver en la nada, el todo de la nimiedad.
Saludos, anónimo y sensible Lector.

EL LIBRE ALBEDRIO Y LOS ARTISTAS.

2011-06-11T09:06:00.000-12:00

El libre albedrio y los artistas. Cuando Dios, en su inmensa sapiencia nos legó el libre albedrío no sabía lo que hacía, desde la manzana todo ha ido de mal en peor. Para empezar el asesinato de Abel, nada despreciable si tenemos en cuenta lo inmediato en el relato bíblico, y así hasta nuestros días de guerras justas o injustas. Pero no es tan sencilla la cuestión. Las causas conllevan efectos. Las consecuencia de estos y por tanto su raíz está lejos de poder despreciarse, como para creer que todos actuamos según nuestra propia voluntad. Podemos hacerlo y creer en un universo donde la Física sólo es un escenario. Pero sus leyes nos gobiernan a todos y la manzana siempre cae sobre nuestras cabezas, para recordarnos que al final siempre comeremos pastel de manzana. O elegir hacerla compota, pero de manzana, luego nuestra capacidad de decisión está previamente condicionada por el alimento en sí. Determinista o no, la cuestión relacionada con la libertad para hacer con la manzana lo que deseemos sólo es cuestión de nuestras preferencias sobre la misma, podemos incluso no comerla, y dejar la responsabilidad a otro, con lo que alteramos la esencia de la libertad, decidir por uno mismo. Sólo somos los esclavos de un universo dictaminando nuestra posición respecto al Sol dependiendo de la masa de nuestra Tierra y los cautivos de un cerebro que nos rige sin explicaciones convincentes, por muchas huellas biológicas que persigamos es su descripción. Esto nos lleva a pensar en la física cuántica que parece negarlo todo, pero por fortuna la misma no afecta a nuestras decisiones vulgares de cada día.
Los artistas creen, sin decirlo, en la libertad y por supuesto en el libre albedrío, hacen lo que hacen por una necesidad imperiosa de expresarse a través de su arte. Nunca son capaces del análisis objetivo que conllevaría a explicar porque la elección de tabla o lienzo, cuando es muy sencilla. Creeen hacer en cada momento lo que su mente les exige para llevar a cabo su poética, aunque esta cambie cada año según las modas del mercado. Siempre aludirán a la búsqueda de nuevos caminos o experiencias. Siempre encontraran vocabulario para definir un cambio de rumbo en su obra o simplemente en la elección de sus materiales. La Historia del Arte demuestra muchas veces la capacidad o la inhabilidad de realizar esta o tal obra, sólo sea por haberse perdido la técnica o la capacidad para hacerla, un ejemplo de ello sería la resolución de una estatua de bulto redondo, entre las antiguas y las de Donatello, por citar sólo un ejemplo pasaron siglos de erial herido. Los afamados cambios de las Vanguardias no habrían sido nada si Dada hubiese ganado la batalla. Se puede decir que el artista tiene libertad para hacerlo mejor o diferente, pero conseguirlo es otra cosa muy distinta. En suma y por no alargar esta entrada que daría para una tesis doctoral, los artistas hacen lo que pueden o lo que saben, ni más ni menos. Es triste así dicho pero eso es lo que uno ve por doquier. Dios reparte sus dones como reparte los pecados a los que nos vemos abocados.
Saludos, anónimo y paciente Lector

LA CRITICA Y SUS VARIANTES, SEGUNDA PARTE.

2011-06-11T08:50:00.001-12:00

« La crítica nunca gusta y a menudo está poco informada. Por ello no es difícil simpatizar con el artista que pone su confianza en la posteridad, y cuanto más lo hace menos comprendido se considera. (…)Desde este punto de vista el rechazo del presente es casi la garantía de la fama futura, ya que, quiere la leyenda, todos los grandes artistas, todos los grandes genios en realidad, son siempre vituperados por sus contemporáneos.»

Estos juicios pertenecen a la conferencia titulada Experimento y Experiencia en las Artes, pronunciada por vez primera en la Royal Institution, en 1980, bajo el patrocinio del Richard Bradford Trust, la última de un ciclo de siete que versaban sobre la influencia de las Artes y el Pensamiento Científico sobre el Progreso Humano. Nosotros las recogemos de un libro: E. H. Gombrich. LA IMAGEN Y EL OJO. Alianza Forma, Nº 65. Alianza Editorial. Madrid 1987. Pág.226. Invocando a John Constable en las palabras pronunciada en el mismo lugar y que decían así: « La Pintura es una ciencia(…) Y su ejercicio debería ser una indagación de las Leyes de la Naturaleza.¿ Por qué entonces no considerar al paisajismo una rama de la filosofía natural, de la que los cuadros no son sino experimentos. »Pág. 203

En este mes de Diciembre de 2006, hemos rescatado del anaquel de nuestra memoria, este texto, llevados, más, por el ánimo de reconocer de dónde salen nuestras ideas, que el de la simple cita erudita. A todos nos gusta pensar que somos originales, especialmente a la hora de emitir enunciados, pero La Cizaña Estética, tiene mucho de autoexploración, de odisea mental, y el texto de esta conferencia encierra precisamente el germen de muchas de las reflexiones, que equivocadas o no, se han ido desmigando a lo largo de muchas de las entradas de este espacio. Reconociendo la falta de autoridad académica que pudiera avalarlas, sólo nos queda apelar al buen sentido del lector. Intentar resumir la conferencia mencionada rebasaría con creces el espacio destinado a una entrada, pero es imprescindible mencionar algo que está en el centro de la cuestión que nos brindan las palabras de Gombrich. Debe tenerse en cuenta que la conferencia exploraba un témenos tan sagrado como profanado, por la especulación moderna en torno a la teoría artística, y que en el memorándum entregado a los conferenciantes decía así: « contrastar la teoría de que existe una íntima analogía entre los procesos que intervienen en el desarrollo de una hipótesis científica y de una creación artística.» Pág. 203 Pero el maestro Gombrich, enseguida aclara cómo la noción de experimento puede ser abordada como una paráfrasis de lo que se ha dado en llamar «realimentación negativa», y se pregunta si realmente la evolución de las artes puede o no verificarse por el principio de realimentación, o simplemente es parangonable al del método científico de verificación o falsación de la ciencia, como más adelante mencionaba dicho memorándum. Donde además puede leerse que la comprobación de lo anterior consistía en que « la obra de arte sea aceptada o rechazada por la gran mayoría de aquellos a quienes se dirige.» Pág. 204 Un siglo, el XX, de ciencia, no cabe duda, de progreso científico sin precedentes en el terreno de la tecnología aplicada como el de los principios teóricos de nuestro universo.

Por tanto, la especulación entre la historia de las artes y las ciencias es de por sí tan sugerente, como lábilmente fangosa. Si seguimos a Darwin, como hace Gombrich, coincide de manera cautelosa, «hemos de estar de acuerdo en que las imágenes adoptadas por una cultura particular han debido evolucionar en función de una presión selectiva. Determinadas cualidades parecieron más atractivas o intuitivamente más acordes con los objetivos propuestos, que otras, y quedaron codificadas como convenciones. »Pág. 205 ¿ Quién no encontraría en estas palabras referencias a la historia artística del siglo XX, preguntas y demandas al sentir verdadero por la cuestión de cómo trascurrió el arte del siglo de la ciencia, y en qué medida se pueden interrelacionar ambos? Sucintamente el inicio de la Crítica, tal y como la entendemos, si seguimos leyendo, se encuentra en el origen de nuestra cultura occidental, es decir en Grecia, y la retroalimentación se convierte en la detección de errores, «Criticar es hacer distinciones, y el crítico es el buscador profesional de faltas.»Pág. 206. Y aquí, es necesario mencionar como hace Gombrich, citando a Burckhrdt, la pasión que sentían los griegos por la competición, y si era pública, más aún. Después de ilustrar el espíritu de competencia a través de los ejemplos de pintores de vasos y en las pocas muestras que nos queda de la pintura antigua en las copias pompeyanas, llega el autor a reflexionar sobre un aspecto no menos conspicuo, el del tan trillado como insoluble, al menos en apariencia, entre la distinción del juicio del público y el del experto, que perdura hasta hoy mismo. «Lo distintivo del Renacimiento Italiano fue la forma en que se invocó la ayuda de la ciencia para obtener el parecido con la realidad.» Pág. 211

De nuevo, El Renacimiento. El conocimiento imprescindible de las leyes de la óptica, basado en Euclides, o sea la perspectiva y por supuesto el estudio, pormenorizado y minucioso de la Anatomía, no sólo humana, ( nótese el interés por la propia del caballo), es decir desde Brunelleschi hasta Leonardo, fueron el inicio y el anuncio preñado de futuro, de que las leyes que gobiernan la naturaleza venían por fin en auxilio de los artistas, comenzando su andadura en el mundo del arte en la Florencia del siglo XV. El propio Leonardo, como recuerda Gombrich, anota en sus dibujos « sperimentato» y «nonn isperimentato», y es el origen de los “Estudios” modernos, y así es posible preguntarse, sin notar la naturaleza de lo nuevo del método: «¿ Cómo se justifica que un artista ponga algo en un papel sólo para rechazarlo?» Pág.214No debemos rumiar demasiado, Vasari, de la mano del autor, nos aclara en su vida de Tiziano, refiriéndose a Giorgione, la incomprensión del veneciano a usar dibujos sobre papel, «no comprendía que a cualquiera que desee llegar a una buena composición y ajustar sus invenciones le es necesario dibujarlas primero en papel de diferentes formas par ver como casa el conjunto.» Pág. 214. Pero tal vez, la realimentación negativa del autor de La Tempestad estaba en sus mismos pentimentti, y volviendo a la cita literal, «Encontramos aquí la idea de la experimentación, de realimentación negativa aplica al artista mismo. El es su propia cobaya, que somete las invenciones de su mente a juicio crítico de sus ojos» Pág. 214 y le sigue una declaración que parece ser el lema de muchos artistas, pero que desgraciadamente es la defensa de muchas de las obras que no han pasado el auténtico filtro de los ojos propios y aún menos los ajenos, sean estos de expertos o del vulgo. Dice Gombrich: «Cuanto más se adentra un artista en lo desconocido, abandonando los métodos probados de la tradición, más probable es que este procedimiento resulte imprescindible.» Pág. 214.El final de este párrafo, casi programático de las vanguardias termina así: «Puede decirse incluso que esta disciplina de la autocrítica se ha convertido en la herencia más preciosa del arte occidental.» Pág. 214.

No acaba aquí la conferencia… pero dejemos reposar el té. Si hemos leído bien, nos damos cuenta de la deuda que la Cizaña Estética tiene con E. H. Gombrich, y con otros muchos, ya mencionados a lo largo de este espacio, y no nos avergüenza reconocerlo, bebemos de las fuentes que antaño manaban de una forma de pensamiento, que no se queda en el mero “historicismo” que denunciaba K. Popper, y que por suerte, estas aguas se han estancado en las páginas de esos preciados tesoros que son los libros. De su fermento y su hedor, nauseabundo por veraz, se nutre, la fertilidad de la pregunta constante y de la contradicción misma. Las narices de los finos olfatos de los expertos, se cubren con pañuelos almidonados de rúbricas y esencias más armónicas a la naturaleza de sus propios intereses. Pero nos queda por ahora, una pregunta frente a la pantalla, ¿El siglo de la bomba atómica y de Auswicht, donde la ciencia se utilizó de la manera más eficaz en el exterminio de nuestros semejantes, que no enemigos, de un modo como nunca antes la raza humana había conocido; este siglo, que nos ha dejado como herencia el genoma y la posibilidad de llevar un teléfono pegado a la oreja, y una red que nos aísla, para fingirnos unidos, qué arte nos legó? Desde que el experimento se trocaría en obra, siempre alguien acabará siendo una víctima, que muere…sólo sea, si cabe, la inocencia de un niño que dice: “…pero si no lleva nada encima” Pero esta es la historia de la siguiente entrada.
Esto es una reedición, quede claro.

Saludos , anónimo como amable y paciente Lector.

LA CRITICA Y SUS VARIANTES.

2011-06-11T08:48:00.000-12:00

La crítica y sus variantes.
Entre la crítica y su diferentes variantes, que no su hermenéutica, se encuentran las variables más inverosímiles que el género literario puede dar. Todas tienen en común una cierta aspiración, la de ser definitiva y especialmente heterogéneas, esto va por autores y épocas, pero las domeña, un tufillo a sabelotodo respecto del autor u obra que delata el intento de originalidad por parte de sus autores. Por ello vamos a dar una lista de las posibles críticas más frecuentes que un lector de suplementos, libros, manuales y catálogos, sólo por citar unos ejemplos pueden encontrase.
La Crítica Descriptiva. La Crítica Especulativa. La Crítica Imaginativa. La Crítica Inexpugnable. La Crítica Aristocrática. La Crítica Contributiva. La Crítica Reflexiva. La Crítica Asfixiante. La Crítica Anabolizante. La Crítica Historicista. La Crítica Constructivista. La Crítica Deconstructivista. La Crítica Caprichosa. La Crítica Formativa. La Crítica Idealista. La Crítica Formalista. La Crítica Instructiva. La Crítica Glorificadora. La Crítica Institucional. La Crítica Restrictiva. La Crítica Filológica, La Crítica Filosófica. La Crítica Exegética. La Crítica Hermenéutica. La Crítica Hagiográfica. La Crítica Nacionalista. La Crítica Centrípeta. La Crítica Centrífuga. La Crítica Obsoleta. Y así hasta la nausea semántica,
Personalmente prefiero La Crítica Inglesa o Anglosajona en general, los motivos son exclusivamente personales o mi deriva bibliográfica.
Saludos Anónimo e inestimable Lector.

15-M- UN SIMPLE NO

2011-06-11T08:47:00.000-12:00

El arte de la política, con mayúsculas o sin ellas, es el arte de decir no. No a la esclavitud, no a la pobreza, no a la injusticia, no a la desigualdad, no a la guerra, justas o injustas, no a la corrupción. No a la desigualdad y no a la diferencia de derechos, por poner sólo unos ejemplos. Hubo un tiempo en que un grupo de personas como usted y como yo decidieron decir “No” a estas y otra serie de males que afectaban desde los tiempos del ojo por ojo a la Humanidad. Fueron tiempos de la creación de los Derechos Humanos por citar el caso más reciente de diligencia política en torno a las cosas de las que adolecía este valle de lágrimas. El caso es que en este bendito país, por fin la gente normal, como usted y como yo, ha decidido decir no, ya saben a qué me refiero.
Movimiento que ha sobrecogido por sorpresa a la partitocracia de este país y a sus feligreses, llamado del 15-M. La gente, ese nombre común para designar a la nada social, se ha concentrado, acampado, dormido al raso y sin violencia, ni siquiera verbal. Se han plantado frente al denominado estatus quo, indolente ante sus propios problemas de campaña, Para exigir con respeto algo tan sencillo como un No, un No al sinsentido en que este lar de baronías y señoríos politicastreros nos han arrostrado con su soberbia a la situación en que nos encontramos algunos. Porque otros están como siempre, la crisis famosa sólo ha golpeado a los de siempre, aunque no haya dejado de arrastrar consigo a ingenuos, que vivían de slóganes y quincalla televisiva, pero no por ellos son culpables, son unas víctimas más de una perpleja cadena de errores malintencionados y manipuladores oficios que tanto han hecho por hacernos creer que vivíamos en el mejor de los mundos posibles. Pues resulta que No. No y No. Y hay gente que se ha plantado, con o sin convicciones reveladoras de zarzas ardiendo, tan sólo con la intención, de hacerse escuchar. Que lo consigan o no, dependerá del tiempo, que no juega a su favor precisamente. Y los susodichos políticos han optado, primero por intentar desalojar la emblemática plaza de Cataluña, por supuestas medidas de seguridad impuestas por el todopoderoso futbol, y segundo por hacer como si nada pasara. Pero pasa. Si los cinco millones de parados se hubiesen organizado como partido político otro gallo hubiera cantado en las últimas elecciones municipales y autonómicas.

Para mí ya es tarde para decir no. Pero desde aquí vaya toda mi admiración a quien lo ha hecho. Llámese cobardía o la vida simplemente, que no estaba en pos de ello. Por no tener, hasta la vergüenza me abandona en estos momentos. Sólo me queda pedir perdón por no estar donde tal vez debí estar, pero ya estoy mayor para ciertas cosas, incluso para decir NO.
Saludos, anónimo e inestimable Lector.

SABATO IN MEMORIAM.

2011-06-11T08:45:00.000-12:00

Uno creía en su ignorancia, que Sabato viviría siempre. Pues siempre habitará en mi corazón. No sea esto un panegírico de quien no lo necesita, pues sólo el hecho de haber descrito la historia de amor más bella, entendiendo por esta palabra todo lo que de certeza sobre el ser humano encierra, de Martín y Alejandra, serviría para pasar, como ya lo ha hecho, a los anales de la más grande literatura. Sabato no era un santo, viene esto a colación de mi entrada anterior, pero era algo más que eso, pues su conocimiento del alma humana rebasa con creces las prédicas de quien cree tener siempre de su lado la verdad apostillada por dioses de toda calaña, pues hay gustos para todos ellos. Su furia contenida contra la maldad era un camino, que aun no aspirando a la perfección era sin lugar a duda un epicentro moral de los que ya tan pocos reconocen, aunque se presenten como tales. Se ha ido, sin alharacas, ciego y sin pompa. Pero Sabato sirvió al género humano como pocos, demostrando que tras la realidad, los fantasmas de nuestras miserias son más terribles que toda nuestra indulgencia para con ellas. Se ha ido el cuerpo, pero nos lega su obra, que como pocas perduraran, a poco que no sea sensible a lo mejor del gremio, una obra inmensa por su brevedad y sin embargo henchida de lo más secreto que puede revelarse, el alma desnuda de quien siempre miró el mundo con la desconfianza de que nada nos salva, tan sólo el arte, y a veces ni eso.
Descanse, si no en paz, descanse de su tormento, al menos hasta el día del juicio.

Saludos anónimo e inestimable Lector

COCA-COLA Y LA FELICIDAD.

2011-06-11T08:36:00.000-12:00

Por cada arma que se vende en el mundo...

20.000 personas comparten una Coca Cola,

Hay razones para creer en un mundo mejor. Dice un anuncio de Coca Cola.

Siempre hemos considerado que existe una Estética Ética y especialmente Moral. Pero los ejecutivos de Caca Cola no deben tener conocimiento de ello. En uno de sus últimos anuncios, terminan con la frase que puede leerse supra, hay razones para creer en un mundo mejor.

Imaginemos la siguiente escena: Un condenado a muerte en el estado de Texas, decide, según una leyenda urbana aún por demostrar, pedir como última cena, una Hamburguesa doble con Queso y una Coca Cola. Y después imaginemos que el postrer anuncio que ven sus ojos es el citado anteriormente de la marca omnipresente, y tantas veces disfrazada, con sede en Atlanta, y con ramificación parecida al del sistema de nervios periférico humano, llegan hasta la frontera del aire. Según la información de la Wikipedia, la company llegó a China, por citar un ejemplo revelador en 1928 y después de darle muchas vueltas optaron por llamarla, y cito, "koo-koou-koo-la”, que significa o se traduce como "deliciosa felicidad". De donde suponemos, han “bebido” tantas campañas de promoción de la citada marca.

La cuestión evidente para quien no esté anestesiado por la globalización de la hermenéutica barata y falacias encubiertas, llegará inmediatamente a una conclusión. Coca Cola no tiene en cuenta si los Derechos Humanos se respetan en los países donde vende sus productos, ergo, el anuncio es simplemente una vuelta de tuerca para mejorar su idea de que nos venden felicidad en forma de bebida carbonatada. En los años sesenta y primeros setenta, se difundió un slogan que decía:

Cita:“que durante la Guerra de Vietnam, los carteles decían: “cada botella de Coca-Cola es una bala que se les obsequia a las tropas estadounidenses en Vietnam”

(Steinbach,Palazzini,,Fiora,1994:38),www.isdfundacion.org/.../04_N3_PrismaSocial_marialuisa_carmenllorente. pdf.

Ahora ya no parece que detrás de Coca Cola exista nada relacionado con las diferentes campañas bélicas que sostiene todavía la supuesta primera potencia del mundo libre. Su esfuerzo les ha costado. Pero detrás de todo ello está la incapacidad del espectador de usar algo tan simple como el sentido común.

Dejar de beber el refresco más famoso no va a cambiar el mundo, pero no dejarse convencer de que beberlo es ir hacia un mundo mejor sí. Por la sencilla razón de que no es cierto. Da igual lo que nos vendan, sólo desean nuestro dinero y apelar al optimismo antropológico, es pueril y nada inocente, no se trata de beber o no beber, se trata una vez más de pensar en lo que nos venden y en cómo nos lo venden. Ahora decida usted si cada vez que elige Coca Cola, ese condenado a muerte se sentirá más feliz.

Saludos, anónimo y amable Lector.

HOMENAJE A TEO, MI AMIGO.

2011-06-11T08:33:00.000-12:00

Homenaje a Teo:
Este es un país de talentos desaprovechados y de desagradecidos. Teo pertenece al gremio de los servicios que tanto hacen por hacer de nuestras vidas un lugar más agradable a pesar de nuestra congénita mala educación.Como yo mismo. Con ello queda todo dicho a que se dedica. Sin embargo, como tantas otras personas a las que sólo apreciamos en la medida en que desarrollan una actividad a nuestro antojo, siempre establecido por la imperiosa necesidad de ser satisfechos en todo cuanto se nos antoje, pasa por ser a ojos de muchos lo que semeja, que no es, uno más.
Sin embargo Teo tiene un don. El regalo incesante del descubrimiento de la belleza. Un raro don, que se da entre la modestia más imperceptible, por manifestarse a través de quien precisamente viene. Sus conocimientos musicales van más allá de toda descripción, si bien circunscritos por sus gustos, estos son inmensos. Y sin embargo podría parecer uno más. Pero no lo es. Tiene el gusto necesario para separar el trigo de la paja, y realizando tan profesionalmente su trabajo, por el que le pagan, regala cada tarde todo un despliegue de recursos inscritos entre la finura de la elección de la música que dispone para todos sus oyentes y el obsequio de su sabiduría. No es un DJ. No se equivoque el lector. Si su vida hubiera sido la que merecería, ahora mismo trabajaría de crítico musical en Radio Tres o alguna de parecido corte, no una Cadena Dial cualquiera. Pues ya lo he dicho, su saber se manifiesta en la simple mención de una fecha o la trayectoria completa de un bajista a lo largo de toda su carrera, o el título de un L.P. de vete tú a saber cuando se publicó. Pero lo hace con la sutileza de quien no se cree mejor que los demás por saber lo que sabe. Pecado este muy común entre la grey hispánica.
Estoy convencido de que no le gustará esta entrada, ni la mención de su persona en este blog, pero él a su manera pertenece a lo mejor de nuestra tierra, ese grupo de personas, que a pesar de no tener la fortuna de trabajar en lo que le gusta, no amarga a los demás por ello. Al contrario, es capaz de compartir lo mejor de si mismo, ese amor desmesurado por la buena música. Un día le pregunté por una recomendación. King Crimson, en su L.P. ISLAND, de 1971, especial mención al primer tema, Formentera Lady y al último el, precisamente titulado Island. Indague el lector avisado si se equivoca. Lo dudo mucho.
Teo, es, en fin un talento tan desaprovechado que al hablar con él uno se da cuenta de todos los males que aquejan a este país, que en medio de esta crisis, que lo disfraza todo, siempre asciende al mediocre por encima del apto, al torpe por delante del bueno, y al trepa, por encima del bien educado.
Teo, merecería tener el reconocimiento debido, pero la vida, nos dicen, es como es. A pesar de todo, no crea el lector que es una persona atormentada, muy al contario, es moderadamente feliz, no me atrevo a sugerir que lo sea totalmente, pues nadie lo es. Pero sonríe para si mismo, escuchando, muchas veces ante la indiferencia de los demás, la música que ha elegido para sí mismo y que sólo unos pocos podrán apreciar en toda su valía, como lo que es, un regalo continuado de algo que hace por amor al arte.
Dejo pues constancia, de Teo, una persona nada corriente, en un país donde la excelencia se viste con trajes pagados o regalados a políticos de dudosa, por lo sospechado, moralidad.
Saludos, anónimo y esta vez espero, que musicólogo lector.

CELEBRITIES.

2011-06-11T08:29:00.001-12:00

1- La Población mundial supera los 6.ooo millones de personas y lo que más nos afecta es la Soledad.

2-El Planeta genera suficientes alimentos para cubrir las necesidades básicas de la Población. Aún se mueren de hambre millones de niños por desnutrición.

3-Hemos lanzado sondas espaciales para investigar el cosmos y hemos colocaado un hombre en la Luna, pero nadie es capaz de abrir un "Abre Fácil"

4-Las teteras de Magefesa recibieron el premio al peor diseño de la historia, aún hoy en día se siguen fabricando.

5- El mundo desarrollado tira a la basura millones de productos farmacéuticos, Mientras otros tantos millones de niños mueren cada día por enfermedades subsanables con un simple antibiótico.

6-Los Gobiernos invocan la Justicia, la Igualdad y la Democracia, mientras tanto las Mujeres siguen siendo ciudadanas de segunda clase en el noventa y nueve por ciento de los paises, por no decir de tercera, etc.

7-La Salud Pública sólo interesa a las farmacéuticas, con la complicidad de los gobiernos que cobran y recaudan a través de impuestos de de las "supuestas" sustancias tóxicas.

8-La Longevidad crece y aumenta, para acabar en los asilos.

9- La Justicia Internacional no hace justicia a ninguno de sus términos.

10-Es más rentable ser crónico que padecer un catarro, ver investigación médica.

11-Las Religiones invocan, cada una a su Dios. Éste sólo se manifiesta por boca de simples hombres. Y cada uno interpreta la voz de Dios según su criterio y libre albedrío.

12-El Socialismo ha muerto. El proletariado no, y no es porque no tenga ganas.

13-El Capitalismo sobrevive gracias al rescate de su sistema finanaciero, que puso en práctica su llamada contabilidad creativa y bagatelas por el estilo.

14-Los inmigrantes son recibidos en cualquier parte según el monto de su billetera.

15-El lenguaje no nos vale. La traducción tampoco.

16-Cuando en un país existen más armas que ciudadanos, la explicación es siempre una famosa enmienda, que nadie es capaz de enmendar.

17- Los países que proporcionan lo nombres de los más ricos de entre los ricos, pertenecen a aquellos que más pobres tienen en sus estadísticas.

18-La Red supuestamente une a las personas, pero enfrente siempre está una máquina.

19- Buscamos la Felicidad en lo ilegal. Ello refrenda el dicho de "que lo que no mata engorda" . En este caso engorda o al Estado a o ceba a los del otro lado del Estado.

20-Democracia: Palabra generalmente usada para contrarrestar toda crítica la sistema susodicho.

21-Multinacional: Conjunto de entes invisibles, sólo perceptibles por sus marcas, que como los fantasmas nos persiguen, sin que lleguemos a creer del todo en ellos.

22-La postmodernidad llegó, pero nadie sabe si ha acabado o si ya ha huido del todo.

23-¿El Pensamiento Fuerte?

24-Buscamos en la exobiología la explicación de nuestros misterios, como si realmente nos interesaran.

25-Talento moderno: Aprenderse de memoria la historia de las diferentes alineaciones de la diversas ligas del mundo y desconocer el Teorema de Pitágoras.

26-Sin pobres, ni necesitados o inmigrantes, por ejemplo, las O.N.G. tendrían que inventárselos.

27-Adopción de Niñas Chinas: Reafirmación del pensamiento de que las niñas valen menos que los niños.

28-Tecnificación: Otra forma disimulada de perder el Tiempo.

29-Felicidad: Término que llena las páginas de los libros de Autoayuda y llena los bolsillos de sus autores.

30-Sobrevivir a base de Deporte. Una nueva Religión que proporciona cadáveres hermosos y exquisitos.

31-Cirugía Estética: La Cara es el Espejo del Alma.

32-Amor: Química cerebral que nos empeñamos en prolongar más allá de lo necesario o justificable

33-La Ética es hoy una bayeta que solemos usar para limpiar nuestras conciencias.

34-La Moral: Sólo afecta a nuestros congéneres en la medida de nuestras insuficiencias.

35-Pena De Muerte: El Estado nos absuelve.

36- No hay suficientes Santos para cada uno de los muchos cerdos que nos rodean. San Martín no da para tanto. Luego no existe la Justicia poética.

37-La Filosofía nos hace olvidar como el alcohol qe la vida sigue su curso irremediablemente incongruente.

38-Liberalismo: Embudo toponímico y topográfico.

39- La Política es el arte de convencer a los demás de que hagan lo que uno quiere.

40-Monarquías Parlamentarias: Figuras de la Baraja que no siempre proporcionan el triunfo.

41-Automóvil: Artefacto imprescindible que nos lleva a donde casi nunca queremos ir.

42-Verdad y Verdades: Primas hermanas, siempre mal avenidas y en riña continua.

43-Turismo: Pérdida de tiempo en lugares distintos del habitual.

44-Mala Educación: Forma moderna de proclamar la libertad individual.

45-Tumbas: Lugares que de no ser a perpetuidad no te dejan descansar en ellas en paz, ni por la Gracia de Dios.

46-Desgracias ajenas son aquellas destinadas a ser sufridas por quienes no siendo nosotros, algo habrán hecho para merecerlas.

47-Crueldad Gratuita, pecado capital invisible y consentido por ley.

48-Consumismo: Ejercicio practicado por las masas, con la esperanza puesta en la resurrección eterna mediante la renovación de la compra sin fin.

49-Legalidad: Armazón destinado a sostener la Ilusión del Orden.

50-Libertad: Conjunto de letras que unidas llenan miles de páginas y discursos, pero que unida y sola suele quedarse en NADA.

Saludos, anónimo e inestimable Lector.

DE TABACO Y NIMIEDADES-

2011-06-11T08:28:00.000-12:00

Me molesta la injusticia y la pobreza, pues la una es la madre de la otra, más que el humo del Tabaco, pero no puedo hacer nada, mi Gobierno no hará nada al respecto.
Saludos, anónimo e inestimable Lector.

EL TIEMPO DETENIDO Y A SU ESPERA.

2011-06-11T08:27:00.001-12:00

El tiempo detenido
Nos parece que todo pasa al mismo tiempo que pasa, a nuestro lado el atardecer prometedor de un mañana venidero pero nada sucede por qué si. La vida siempre al acecho de lo incontestable nos sorprenderá un día más con las cosas que creemos sucederán, pues imaginamos el futuro. Creemos en el libre albedrío, pues nos resulta necesario para seguir viviendo en un mundo donde el orden sólo quedará roto por los de siempre, los otros. Creemos que nosotros no participamos en el futuro de manera decisiva, y quienes los creen no lo hacen o los hacen Santos. Pero la libertad del creernos libres nos permite transitar por el mundo de manera aséptica, sólo infringimos pequeñas normas a cada paso de nuestra inconclusa idea de que al fin y al cabo pertenecemos a una corriente general que nos arrastra a todos por igual. No es cierto.

La Historia está llena de visionarios que en su megalomanía han creído cambiar el mundo y en su sueños han llenado las estadísticas de cifras abrumadoras de crueldades sin cuento. Dentro de poco Juan Pablo II será proclamado, primero Beato y después, Santo, si nadie lo remedia. La Iglesia está en su perfecto derecho a llevarlo a cabo, cada club elige sus honores y a sus miembros. Pero curar por intercesión es como poco, sospechoso, de ser considerado una superstición como cualquier otra. No se necesita gran cosa para ser Santo. Especialmente cuando has dedicado todo tu mandato pontifical a viajar hasta Tombuctú y aledaños con mensajes de rigor harto más que discutibles. Pero es lo que tiene el marketing eclesiástico que reinventó el futuro beato.

No es que no merezca ser Santo, es que ya no hay santos, ni con minúsculas ni con comillas. Ya sabemos de las regiones remotas que ocupa el alma humana y las oscuras motivaciones que se esconden detrás de ellas para hacer lo que hacemos. Espero que el Abogado del diablo de la causa en curso analice tanto despliegue mediático en un mundo donde las palabras no sirven gran cosa, sólo su simulacro característico, de un mundo donde la línea que divide el slogan de la majadería no es tan raro.

Nos vienen más santos a los que celebrar y orar pero pocas tumbas que visitar con la emoción que procede de la visión de una gran obra de arte. Ya sabemos de la supuesta sencillez del futuro santo, pero necesita algo más digno de su supuesta santidad. Un artista que sea capaz de convencernos a través de su obra de que nos encontramos ante el real milagro de ser excepcional más allá de la muerte, Búsquelo la Iglesia.

Saludos, anónimo e inestimable Lector.

LA HONRADEZ EN EL ARTE, APROXIMACIÓN BANAL

2011-06-11T07:56:00.002-12:00

Quisiera comenzar este año nuevo con un tema poco usual en estos tiempos, o por lo menos eso nos parece. Se trata de la Honradez. Sí, la honradez en el Arte. Para ello que mejor que comenzar con una anécdota literaria. Charles Dickens, a través de uno de sus personajes en Oliver Twist, el dedicado al personaje de Sr. Brownlow y su ama de llaves, hacíale a ésta, decir sin mencionarla, a propósito de la fotografía que ese nuevo invento no tendría ningún éxito, pues tendiendo los pintores a pintar a las mujeres más bellas de lo que eran, el nuevo sistema proporcionaba o mostraba “demasiada honradez, tanta que la gente no la soportaría”. Recordado esto, se nos presenta, la honradez, de manera que definida apela a la rectitud y la integridad y una acepción interesante: respeto por las normas que se consideran adecuadas. Si derivamos al mundo de los artistas, encontramos que la honradez es bidireccional. Pues pudiendo ser honrados con los demás, lo más frecuente es que se consideren honrados consigo mismos.
Si se hiciera una encuesta entre los connaisseurs del mundo de los pintores, troncal referencia de la Cizaña Estética, diríase que Velázquez, fuera a ser el considerado como el más honrado de los susodichos. Es una recurrencia en su bibliografía, pero lo interesante de la honradez de su pintura no es su resultado. Velázquez pintaba ya en sus últimas obras con manchas se diría. No es el único pintor de manchas, muchos otros han representado el mundo a través de las mismas. No pintaba lo que veía, pintaba lo que quería que viéramos los demás. Esa honradez es cosa rara. Los pintores de manchas tan honrados con su mismidad, abundaron mucho durante una época. Pero ellos se empeñaban en que los demás viéramos su mundo tal como era, testarudamente, y está por demostrarse que lo consiguieran.
La honradez, no ha desaparecido, Dino Valls o Lucien Freud, o Carmen Jurado, son ejemplos de ello. No obstante, la integridad y la rectitud no. Nos queda mucho por recorrer camino hasta llegar a ello, pues ya no son valores en alza, pero siempre me pregunto si la honradez entendida como ese tedio en hacer siempre lo mismo es en verdad una rectitud de espíritu íntegro. Se puede ser honrado con los demás y con uno mismo, sin menoscabo del arte, pero el arte está, afortunadamente a salvo de los valores de los artistas, sólo el tiempo lo estima todo.
Saludos, anónimo e inestimable Lector.

REALA, EVOCACIÓN

2011-06-11T07:53:00.001-12:00

Reala de Aragón.

Reala contemplaba desde lo alto de su madurez la sucesión de colinas que como el paisaje toscano que tanto amaba, se presentaba ante ella en forma de horizonte de una vida digna de ser recordada. Las subidas y bajadas, jalonadas de cipreses, le recordaron los hitos de una subsistencia azarosa que comenzara allá por la época convulsa y variable de una Italia infantil y revoltosa, ya mimada o maltratada por el tiempo que aún debería recorrer, hasta llegar a ser un mundo desigual en medio de la conciencia de los hombres.

Había aceptado desnudarse por última vez ante aquel pintor, sobrino de un cardenal, en la penumbra de un postrero esplendor, pronto a declinar, crepúsculo efímero ante el que arrodillarse en un hermoso día de verano.

Así remota, y distante, sus pensamientos se replegaban ante sí misma, sin pausas evidentes rememoraba su iniciación en el arduo caminar por los senderos que la vida en su eterno retorno le había forzado a desmenuzar cual migajas de pan ante el banquete atroz de la existencia que las mujeres se veían obligadas a llevar en los tiempos de miserias sin cuento y de todo tipo en cuyo seno le tocó vivir.

Su amanecer al mundo, la vio llegar en palabras de su madre, más testaruda que una mula pontificia. Ese rasgo de su carácter le suministró la fuerza grave que necesitaría para arrostrar los sinsabores lógicos que la permanencia en este lar del tiempo le hicieran preciso resistir.

Venida de una aldea olvidada y perseguida por su humilde origen, diose cuenta enseguida de que sólo sus artes le proporcionarían las claves de un éxito a primera vista inviable, teniendo en cuenta la crueldad de los humanos entre los que prontamente asumió la condición de soldado en guerra permanente. Asumida pues su condición, recurrió sin miramientos a recolectar de todos y todas, las necesarias prebendas que le otorgarían la carrera por la que se haría famosa en la inestable cúspide de una pirámide social e hipócrita, que pronto se rendiría a sus encantos, como la acechaban en las sombras con su juicio sumario preparado largamente con su sigiloso chirriar de cuchillos. Pero antes de la llegada del verdugo de mil bocas y ojos, había decidido manifestar un penúltimo rasgo de orgullo sin prejuicios, una demostración final de una gloria persistente en su convicción de absoluta resolución para sobrevivir en la memoria de los que se presentarían en definitiva como sus jueces.

Detallista como siempre, se había dejado representar como solo los elegidos, pocos y severos, habían tenido el orgullo del placer de verla, que no todos disfrutarla, pues es juicio común que la mejor fruta no está siempre destinada a caer en la boca de cualquier paladar, por grácil que estos se estimen para entrar en el edén desterrado de los dioses más olvidados aún por los hombres. Estos y no otros, otorgaron a Reala, las deferencias que ayudarían a la cortesana a progresar por las terribles sendas que las mujeres decididas deben bordear, si quieren obtener el respeto, cuando no el derecho, a sobrevivir.

Una cabalgata de recuerdos, que como un fresco del Ghirladaio, se mostraba ante sus glaucos ojos le hablaban a cada gesto de una vida que no sin inciertos momentos, podría ser calificada de única o así le parecía a ella, y a su inocente orgullo. Allí postrada y desenvuelta, la acariciaba la caliente brisa que ascendía por la logia y animaba la estancia habitada de imágenes de ella misma ante su primer negocio. Siendo apenas una niña, se vio forzada a ser mujer entre los lobos venidos a comprar al mejor postor una prenda que por rara valía un reino breve y precario en su moralidad. Pero los tiempos que la acompañaban no eran los más propicios para los elevados pensamientos ni las benévolas reservas que tanto santo se inclina a predicar a ajenos, pues suele ser esto más espejismo que certeza demostrable.

La resistencia, no sólo entre perfidias de todo tipo, se vio acompañada de la lucha sempiterna con rivales de semejante condición, que siendo entre iguales, sus mismas compañeras de profesión, la condujeron a estar siempre alerta ante la más mínima traición. Pues siendo nueva, su posición sólo dependería de sus talentos para ejecutar a cada movimiento, un baile que otorgaba la corona final a la despiadada cualidad nacida de la soledad más íntima. Y sola caminaría por la vida.

Dotada de una excepcional belleza, tempranamente supo acuñarla con la inteligencia de la imitación de los que ya poseían ambos dones o los habían conseguido con el esfuerzo que sólo los desfavorecidos de la fortuna son capaces de adquirir con las artimañas del ingenio y del halago.

Los rumores más secretos acechaban en cada pliegue del manto de terciopelo que soportaba su blancura, la tan alabada por los paladares más selectos de su pequeña corte, reunida como planetas errantes en torno a un sol de inequívoco esplendor. Su ascendente la encumbró a las alturas de despertar el recelo de las autoridades, siempre atenta a prestar oídos las viles lenguas de la envidia, cuyo encono feroz desmadeja los hilos de las más sutiles tramas, sustentadoras de la exquisita como frágil lucha que es la vida desheredada. No pensaba casi nunca en la sucesión de cuerpos y peticiones sin cuento que habíanle empedrado la calle del destino que a estas cotas de su vida se asemejaban a un relato de obscuros sinsabores, donde cada capítulo era una versión derivada del anterior. Un romance de negaciones, cuya consecuencia acumulativa daba una pátina de asqueante cotidianeidad a cada recuerdo.

Cada moneda, cada joya recibida, pasaba por sus manos para ser redistribuida con falsa liberalidad, la justa para asegurarse un retiro, que si bien no era del todo seguro fuera a ser conseguido, se afianzó muy pronto como la meta a lograr en esta imprevisible vida, que tan llena de movedizas trazas, nublaba a cada instante el margen de la calzada sin pisadas que alcanzar.

Práctica y rigurosa, ajustó desde my pronto sus ingresos, y en cada uno de sus gestos era igual de generosa como parca, sin caer en el desdoro de presentarse nunca ingrata. Sujeta a las miradas inquisitivas de semejantes y extraños no bajaba la guardia como señora de un castillo cimentado sobre el más discreto diseño de la tolerancia ajustada como un guardainfante cubierto de brocado que cubriera aquellas virtudes menos señalables. Soportaba los peligros de su posición con la telaraña propia de la aracnés que como ella vadeaban los meandros del río tenebroso y avasallador de débiles en que las épocas cambiantes son tan propicias a ello.

Bajo la atenta mirada del pintor divagaba la presencia que antes o después se fijaría en el trémulo brillo de los óleos más caros que los comerciantes traían desde oriente en sus caravanas y barcos que las rutinas marcaron con sus cicatrices desiguales las olas o valles, con las promesas de los dones dudosos.

En el aire, perfumado de incienso, aleteaba la luz de los candiles, que iluminaba la estancia con sus mimbreantes reflejos, lamiendo tules y encajes, dotando a la cabellera de la cortesana de la providencia de la inconclusa belleza, presagio a veces y otras lastre para su dueña.

El ladrido del incontestable perrillo de aguas, rompió el silencio que un laúd lejano acompañaba el inminente fin de la sesión, que el artista parecía querer prolongar hasta la noche. Con premura y sin permiso se dispuso a cubrirse y un escalofrío fingido daba por terminada la tarde en que una parte de la vida de Reala habíase aparecido de repente entre párpados secos a la emoción de la nostalgia, tan incómoda como imprecisa.

Adelante, se repitió para sí, y cubierta por la certeza de un mañana no menos inseguro que el anterior día, asemejaba un atardecer más preñado de la ofrenda de un nuevo amanecer tras una noche de silencios que como las notas de una pavana triste agonizaba en cada recuerdo de Reala.

A sus pies una corona de pámpanos de la noche anterior certificaba una victoria pírrica, propia de los inocentes capaces de sobrevivir a los todopoderosos de este mundo. Sólo un lienzo quedaría como testigo de la que un día fuera la más hermosa de la damas que príncipes, vates, cardenales, letrados, señores y prelados y villanos disfrazados amarían con la miserable fuerza del negocio del cuerpo, que no del alma, substancia incorrupta para quien sabe mantenerla a salvo de uno mismo.

Saludos anónimo Lector.

BIERCE DIXIT.

2011-06-11T07:50:00.001-12:00

De todas las cargas que ponemos sobre los demás y soportamos nosotros mismos, la injusticia es la más ligera cuando se lleva entre las manos y la más pesada si se acarrea a la espalda.

AMBROSE BIERCE, EL DICCIONARIO DEL DIABLO.

CHARDIN Y LOS AGUJEROS DE GUSANO.

2011-06-11T07:49:00.000-12:00

DE las pequeñas cosas

Hay en la representación de una manzana, algo tan poético en su forma, que revela en sí misma la capacidad de la pintura para superar el formal hecho del simple acto de la visión humana. Hay en ese mistérico epifenómeno una tramitación a las preguntas sobre las que se debate el Arte, desde que lo es, o quiere serlo: ¿cómo es el mundo? o la otra no menos importante, ¿cómo debería serlo? Muchos son los siglos ya desde que apareció la solución de las uvas de Apeles, algunos para vedar la razón de Apeles, y otros para negársela a Chardin, Jean Siméon Chardin, ese pintor del que nadie parece acordarse, y que sin embargo optó por hacer de las cosas su razón de ser.

Pese a quien pese, y vinieran a decirnos que esos “motives” ya no interesaban al mismo arte de la Pintura. Siempre se puede argüir que los agoreros postreros tenían sus pábulos, y que no eran otros que los de la zorra de la fábula, “están verdes las uvas”, como verdes estarán siempre las esperanzas frustradas de la mediocritas. Por otra parte, la naturaleza de la cuestión, es siempre la misma, el abismo que existe entre el “mundo”, ancho y ajeno, y el observador y constructor del mismo. El mudable proyectista de la imagen, frente a la imagen “congelada del mismo” en su apariencia, pero ésta es siempre un parecer lleno de incertidumbre, sobre su significado, de tenerlo o de haberlo tenido en algún momento como pretensión.

El mundo a través de unos pocos objetos, tan sólo tres o cuatro y en ellos la “ilusión” de ser ellos mismos el “mundo” entero o su remedo, es decir el recuerdo de una idea. De las anteojeras del manierismo normativo, se deduce un máxima taxativa que no ha evitado precisamente la supuesta modernidad de los siglos posteriores: La Autovisión. El mundo no existe, Sólo su representación, y de ello sabe mucho la publicidad esencialmente. El mundo nunca existió, solamente su “relato”, una pragmática en perpetua expansión. Como la del Universo de los astrofísicos más conservadores. Por ello, el mundo y por ende la “realidad” es aleatoria, cuánticamente observada.

El punto de inflexión es reconocer la valía del observador. Dentro del espectador habita el mundo y la nada, dentro de cada ser subsiste uno por dotarle de forma, y la otra por ubicar la razón de todo lo demás. Desgraciadamente, todo muda y toda cambia, cuando hace años uno se preguntaba en un museo o exposición ¿ qué estoy viendo? el espectador se enfrentaba al mundo, hoy en día, el mismo se pregunta ¿qué demonios estoy viendo? De la interpretación del cosmos verosímil, se paso al laberinto de la mirada. Esto nos lleva a un pintor como Guillermo Pérez Villalta, quien ha reflexionado más y mejor, entre muchos, sobre todo ello, y en cada pintura se redistribuye de la manera más inteligente la variedad y multiplicidad de la propia mirada, la del pintor y la del sujeto, objeto de su arte. Sus interpretaciones son en suma, las armas de la propia pintura, y de su historia, a través de los siglos, un ser dotado de la rara faceta de hacer del pigmento disuelto en medium y fijado a un soporte, una verdad que lejos de ser un axioma, es promesa de la continua incertidumbre sobre la ausencia de la misma, en torno a lo que vemos, percibimos o sentimos.

No hay una Suma Teológica en el hacer pictórico expresado como tal en una obra, ni siquiera en las más excelsas, ni unos Philosophiae Naturalis Principia Mathematica, pero de ahí a pensar que los catálogos del buzoneo expositivo tan a la moda son el Mundo, debería llevarnos a repensar, cuánto se ha perdido en el camino, dónde y cómo se extravió su errar.

La manzana de Chardin lleva en su interior el gusano de su propia destrucción.

Saludos, anónimo lector.

CADA AÑO ES UN EPITAFIO MÁS.

2011-06-11T07:45:00.000-12:00

Cada año es nuevo epitafio, algún día, el que sí escribí,

será,

pues aquel qué, por fin, en verdad, sobre mí, descubrí.

EL PAÍS DE OCTUBRE-

2011-06-11T07:39:00.000-12:00

LA RECOMENDACIÓN LITERARIA DEL MES

" El país de octubre...donde siempre está haciéndose tarde. El país donde las colinas son niebla y los ríos neblina; donde el mediodía pasa rápidamente, donde se demoran la oscuridad y el crepúsculo, y la medianoche no se mueve. El país que es principalmente sótanos, subsótanos, carboneras, armarios, altillos y despensas alejadas del sol. El país que habitan gentes de otoño, que sólo tienen pensamientos otoñales. Gentes que pasan por las aceras desiertas con un sonido de lluvia..."

El país de octubre (1955) es una colección de veinte inquiet.ntes historias cortas escritas por Ray Bradbury.

información suministrada Por la Wikipedia

SEPTIEMBRE.UNO MÁS.

2011-06-11T07:36:00.002-12:00

"Los jóvenes innovadores no son una excepción; de imaginación y culturas deficientes, con signos oscuros se dan al gusto plebeyo con el más torvo servilismo”

Dedicatoria a los Jóvenes, de Carlo Carràdecía así en 1919 en su Pittura metafísica. Pero añadió:

"La universalidad se la da a la obra el perenne interés que suscita en nosotros."

He rescatado esta cita de una entrada anterior, muy anterior, y en estos días de comienzo de cursos de todo tipo me parece lo único apropiado qué, recordar.

Saludos, una vez más, anónimo, como amable, Lector.

TODOS SOMOS JANO

2011-06-11T07:36:00.001-12:00

Hay en el espíritu de la Modernidad, post or not, una objetualidad, que acaba por agotar toda esperanza, de recuperación de una realidad sin excrecencias de carácter de ningún tipo, ni religioso, político, social, ergonómico o de cualquier otra cosa que se quiera, lo de la ergonomía se refiere por la comodidad con que se nos ofrece toda especie de arte.
La utilización del objeto como contexto en sí mismo, es un modus vivendi de la propaganda. Las diferentes metodologías de acercamiento al OBJETO, siempre calificados de artísticos, acaban por agotar el medio en el que supuestamente actúan.
Por otra parte aquello que no es objeto, llámese actuación, con o sin soporte, de cualquier tipo o tecnología, se extinguen, porque su inconsistencia es básicamente subjetiva y diacrónica al puro momento. Un momento que es como un punto en la línea infinita de la vida, esa gran espiral que todo lo confunde.
Su gran desarrollo, supuestamente en contra o puro enfrentamiento con los medios de comunicación de masas, se debe a la necesidad de recrear una y otra vez el océano de posibles e impensados significados. Y luego viene la llamada subcultura. Que no existe, sólo existe, el Poder, los supuestos por imaginarios, movimientos Underground, o antiglobalización son otras formas aspirantes al Poder, y generan toda una serie de industrias culturales y económicas, a su vez.
Se podría hablar mucho entorno al OBJETO, pero llama poderosamente la atención el uso del POLIÉSTER, y similares polímeros de secado rápido, para construir reales positivos objetos, es decir vagancia pura y dura, pues el molde no es casual. Por ello, a falta de oficio, se suplanta, con el CONCEPTO, mucho más fácilmente creados o recreados, que no inventados.
3. Acción de crear (ǁ hacer a alguien lo que antes no era). es la tercera acepción, supuestamente inspirada en Duchamp, para convertir en Artista a quien antes no lo era, al ser, tras poner un simple “nombre” Artista Conceptual. Todo ello deviene de la Muerte de las Utopías, la Globalización famosa, más aún desde la Obamización, se ha convertido en la excusa perfecta y subterfugio exquisito para no conocer la propia cultura pero si la de Papua Nueva Guinea, y aquí uno siempre debe decir "con todos mis respetos para la cultura de dicha cultura," y casualmente siempre acompañado de supuestas sustancias que nos conectan y nos hacen interactuar con la dichosa y siempre alejada sapiencia foránea, liberando en la mente del artista una fuente feliz, que le aleja del pecado original de la supuesta cultura OFICIAL.
El Museo moderno es hoy una NEVERA.
Una despensa donde organizar la violencia, pues ¿quién no está en contra de ella? Pero, y hablando de ella, ¿quién no la explota? Crucifixiones de Plexiglás…
Realidad y Ficción, otro de los grandes temas…Cuando el PODER, nos reconvierte, por poner un ejemplo, el CINE, y sus supuestas fronteras, sus desarrollos y carencias, nos transportan a que todo es ficción Borgiana, Benjaminiana y sobre Disneysiana.
Un Planeta y muchos mundos, no los posibles, los reales, con comillas tipográficas y los sincrónicos, y todos pugnando por ser la Palestra de Arte. Manifestaciones y epifenómenos. Gestos y Rasgos. Soplos del aire que el mismo aire siendo viento no podría ni mover, lo digo por el inmenso tamaño de todo arte y sus artefactos a peso de alcor y de oro….
Sólo el trabajo solitario, sólo el trabajo en soledad, a veces en la tierra, nacen y viven personas capaces de Crear. De dotar al mundo de artefactos(m. Obra mecánica hecha según arte.) y mecánico aquí es con mano de artista, capaces de crear, a su vez, sinapsis, nuevas conexiones entre neuronas y mielinas llenas de amor por lo creado.
A veces la POESÍA, esa gran materia, generadora de implosiones en la mente de quien la lee o escucha. Un verso de Aníbal Núñez, dice así: “ creyendo tenerte era amarrarte”, así es el Museo con la Obra, el artista y el espectador, en un boda de sangre sin fin, creyendo tenernos y por ello amarrarnos. El Poeta, Aníbal, se sorprende de la trasparencia de la Luz, y en ello, en ese gesto, es más que Dios, descubre más que Dios mismo, pues ni Dios, en 1:3 Y dijo Dios: Sea la luz; y fue la luz. 1:4 Y vio Dios que la luz era buena; y separó Dios la luz de las tinieblas, no se sorprendió, pues Era Dios. ¿Nada podía sorprenderle?
Por ello contiene la Poesía, la fuerza de la verdadera SORPRESA, La de la verdadera y única Creación. Hoy tan denostada,
¿Quién sostiene hoy el mundo? La verdadera y secreta esperanza del poder oculto y exonimio del caos . EL CAOS. Pura entropía. UN arco que va del caos al orden, y toda la física y las subfísicas en medio.
LA Ciencia ni ayuda ni consuela. Pero entretiene. Y curiosamente, por irónica honradez, la ciencia siempre salva, si puede, a quien precisamente, no cree en ella. Un fractal de incongruencias, pero de eficaces resultados.
La ciencia y el LENGUAJE, todo es ya lenguaje, y sin embargo ya nadie habla. Solo discursea, propala y chacharea, el lenguaje que un día nos hizo verdaderamente humanos, ha llegado precisamente a deshumanizar el arte y su mundo.
El lenguaje sagrado de los dioses, milenios, guardado, que bien sabían el poder de los vates, no existía. No había tal lenguaje sagrado de los dioses, por mucho que estos, necesitaran seer aplacados. Y en las fuentes y en los Templos: SOLEDAD. Sólo ella y silenciosa.
Gran invención e ingeniosa maniobra, la creación de los dioses. Si no hay lenguaje, hay habla, jerga, dialecto, hasta el cokney, quien se hace ambiguo, oscuro, se hace poderoso.
Ahora el lenguaje se ha trasladado al cuerpo. El cuerpo habla por nosotros. Dientes Blancos: sinceridad. ¿ Qué significa entonces la cirugía plástica? El lenguaje secreto y arcano de los verdaderos dioses que nos hicieron a su imagen y semejanza. Un alfabeto de semidioses por las mejores plazas y terrazas…Vuelvo a Aníbal ” hemos de invocar la tristeza…” Hemos de invocarlo todo. Pues en nuestro sofá de poliéster sólo nos llega las catódicas o plasmáticas imágenes del gran Electrodoméstico. Ella es la que invoca, la TV, nos convoca, con su halo de pol-polstergeist, de este mundo de hoy.
JANO. incapaz de verse en el espejo, ambas y sendas caras, sin saber qué piensa cada uno de sus hemisferios.
Somos JANOS, todos somos Jano
Saludos anónimo lector,
...ve cómo es sencillo hacer crítica...

SOBRE MARC BIJL O COMO QUIERA QUE SE LLAME

2011-06-11T07:33:00.001-12:00

Sobre Marc Bijl, o como quiera que se llame:
Anónimo encontrado entre las papeleras junto al DA2, Domus Artium....el texto indescifrable al principio, pues pareciera un palimpsesto medieval…costó mucho descifrarlo dado que la letra, menuda y escasa en su natural cursiva, estaba escrito sobre el folleto que acompaña a la exposición, de no gran tamaño, por cierto, pero profusamente ilustrado en su también carestía de papel impreso. Será que no hay tanto dinero este año como para los Neobarrocos de hace años. Lo que sigue no es más que la trascripción del texto que se puede leer en el citado folleto, es decir algunas partes del folleto original y las notas al margen del anónimo visitante.
Leemos, con gafas de aumento, dado lo ya comentado, tanto el texto original a modo de panegírico como el resto. Clara implicación política y social, y el anónimo al leer esto escribió ...al lado, a la manera de... como la cúpula de Barceló?. sobre la frase que incluye objetos, instalaciones e intervenciones en el espacio público…O sea como tantos otros…. de aquí en adelante la cursiva designará los comentarios del anónimo autor de tan ácidas críticas.
En los que utiliza los códigos de la propaganda, la publicidad y las subculturas juveniles… O sea nada de original, con comillas. Para denunciar con ironía los entramados del sistema Neoliberal. Pero desde dentro, comillas, nada de gratis. Y las manipulaciones en la esfera de la política, la cultura, la religión así como… O sea la Panacea Universal en versión diatriba…lo crítica todo, todo, todísimo…Sólo le echamos en falta la invectiva contra la Gastronomía, o el folclore Búlgaro. Así como los peligros del territorio globalizado en el que actúa…en el que actúa él, el artista, que como todo el mundo sabe, la supuesta globalización tiene un nombre ”Los chinos”, es decir las tiendas donde los descendientes de los que nos legaron la Gran Muralla, venden aquello que unas manos infantiles, con sueldos miserables, y que todos compramos a precios ridículos sin escrúpulo alguno. “Guerra de Guerrillas” con los iconos y el lenguaje…O sea Conceptual,¿ Cómo no van a salir a relucir los iconos? M. Ángel también trabajó con Iconos. Es más los creó. Su David, fue un icono de la República florentina y ¿ de qué ha servido después? para que un loco amartillara su pie, en un gesto artístico que de haberlo cometido Duchamp o Dalí, hubiera sido considerado Arte....
Poniendo al descubierto…Claro, los demás somos tan lerdos que necesitamos del gurú de turno para caer en la cuenta cuenta ....de Los estrechos lazos que unen las distintas formas de violencia con las marcas multinacionales, la propaganda política o los mass media. Este crítico cree que nadie lee especialmente periódicos. Su trabajo desenmascara símbolos y mitos de la cultura popular. Vaya, quien se viste Prada o de Zara, no sabe porque lo hace….
Hasta tal punto que no hay un solo elemento de atracción en estas obras que nos esconda una amenaza subyacente, un fino humor negro o una cualidad cínicamente subversiva que obliga la espectador a posicionarse en sentido moral y estético. ¿Nos obliga? Savonarola lo adoraría…Quemar. A quemar, en una inmensa ordalía nuestras conciencias las desgracias de este mundo al que precisamente han ayudado tanto a construir, tanto artista como este, y que luego en sus “obras” tanto repudian.
Estamos pues, ante verdadero arte conceptual basado en nuestra percepción de las estructuras(de poder) y los mitos de la cultura popular. Ya salió el famoso A. Conceptual y el ataque al Poder….JA! y encima basado en nuestra.., nuestra de qué ? ¿es acaso nuestra por ser de masas? Mía no…y lo del poder…¿no es poder vender cualquier estupidez manifestada supuestamente artística, solo porque siempre habrá un japonés que la acabe comprando?
No en vano es bajista, es que lo tiene todo, de veras hasta bajista, el tan conceptual… En sus graffitis, nada nuevo, llevan años y décadas, alguno vi, creo recordar en algún museo…. No puede negarse la posible dificultad de sus técnica, pero ni sus huesos con la palabra STRUCTURE, en grafía claramente nazi, Juego para semiólogos de ecos de larga tirada….¿Será un Homenaje a la serie de TV BONES…?
La Revolucione siamo noi(2002), Qué sí… que la cita a BEUYS es puro manierismo, se pongan como se pongan, cita autofagocitante, seguro que esto último les encantaría.. El autor del texto que es en sí mismo el folleto dice a propósito de la citada obra: el fracaso de las utopías(incluidas las utopías artísticas).
El Fracaso de las utopías, aquellas donde todo vale, si el verdadero paraíso del arte de hoy en día es que todo fuera considerado arte, que me da que ya va siendo así. Por lo que el único combate posible para un artista como él sólo es posible:”desde dentro” …texto para el recuerdo por su claro síntoma de autojustificación…desde dentro del sistema, claro, si se está dentro se está, pero vamos, también puede picar piedra de Carrara, por decir algo y de paso darnos un nuevo ICONO.
Se dice del artista que tiene un halo de frescura y marginalidad propio de las subculturas callejeras…. vaya que el DA2 se lo encontró en a esquina de aquí al lado. Evidentemente MARC BIJL no espera cambiar el mundo, (bla, bla bla,) pero sí que funcionen como un dispositivo de reflexión.¿desde cuando ha cambiado el arte el mundo? solamente cambia el mundillo del arte, y no para mejor…y lo del dispositivo…que enciende y apaga es a lo que suena, sobre todo…a pagar….el tal dispositivo es para que ponga en funcionamiento las contradicciones del presente. A ver, contradicciones las ha habido siempre, hoy y en la época de Carlos V y de supuestas, o presuntas, nada de nada, la tremenda desigualdad en un mundo donde sobra comida, pero aún hoy, hay pueblos enteros, pasando hambre. Y ya, por no aburrir más, lo del Batman delante de la cita de Todo el mundo es un escenario…bobadas, representemos el hambre …con Batman, la violencia con Lara Craft..
…con qué…representarse a uno mismo?
Saludos, anónimo Lector.

LA BARBA DE MATISSE

2011-06-11T07:28:00.000-12:00

El craquelado de Matisse:
A propósito de la portada de la revista Descubrir el ARTE, en la barba del Pintor.
Es el craquelado de Matisse cosa muy de apreciar. Pues viene a ser como la quintaesencia de los que después vendría. Tanta textura de esa que resaltan antes de que lleguemos al museo o sala de exposiciones, pues son de tamaño tan descomunal en su modestia poverosa que no pavorosa, que también las hay.
Son tantas y tan variadas las maneras de hacer de la materia, cosa, fenómeno pictórico que aburre a las ovejas del cielo, que digo yo que las ovejas después de nuestro estómago van al cielo de las mismas. Y digo qué son tantas porque es tal la cosa en que el óleo, cuando fue desterrado y maltratado por los de siempre, se inventaron los polvos y las mezclas sintéticas, de todo tipo, y arquetipos, que ya no se pinta (bueno hace mucho que ya casi nadie pinta) que las obras de arte son más una enciclopedia del corpus químico, más que eso mismo o propio de ellas, obras de arte.
Pero necesitamos de eso de materia. ¿pues, detrás de ella, qué se supone qué hay?
LA OBRA, o esa gran metonimia de la vida, tropo para designar la NADA
Apariencias de la simulacridad, no, no, no lo he escrito mal. ES simulacro con caridad, pues se necesita de toda clemencia para tragarse tanta cosa rugosa, retorcida, estriada, abigarrada, y demencialmente interfecta desde su mismo concepto. La materia masa para las masas. La materialidad Grasa, en su genuina acepción.
Todo vale. Todo es todo, pero precisamente lo todo acaba por ser el mudadal de nuestras miserias. Pero se llama denuncia… Delaciones de próceres artísticos… que cobran a precio de vaca sagrada su mierda, la da la vaca. No la suya, la anécdota por manida es ridícula. Qué si piña de Manzoni.“Es una crítica a la importancia de la firma en el valor de una obra de arte.” ya…si, si, si, pero la vendió…¿ O NO?
Podía haber enlatado en frascos a lo Coco Chanel… con numero de serie y a la vista de todo el mundo lo que enlató. Ya que te pones estupendo, embute la mierda en Murano cular de marca…y tripa cular de la ternera de Kobe…
Ay! qué divertido resulta todo para quien no se goza del reflejo de un cm cuadrado del Georges de La Tour. O el Arellano…tan caro en su delicadeza. SI, delicadeza.
Hubo un tiempo en que la materia, transmutada, era el mundo, no el que se veía, el que se ubicaba dentro de cada una de las almas que cada ser, al contemplar la obra, nunca más se olvidaría, no en su totalidad, pero si en su lealtad, para el espectador.
La materia de la que estamos hechos, a semejanza del Dios que cada uno elija, es sagrada…especialmente en Cristhies. Si lo sabrán ellos… los artistas.
Saludos Anónimo Lector, y por supuesto, la imagen que acompaña a esta entrada es original del autor de este blog, jfc.

Noviembre en Agosto. Homenaje a Nieves Concostrina

2009-08-08T12:28:00.005-12:00

Las Urracas se presentan por una vez en tropa.

Los cipreses asisten, como siempre, estatuaria vegetal, que plantaron los dioses antiguos que como estelas saben imponerse ladinas, a los nuevos dioses.

De cruces se interrogan por el devenir que ya se sabe alimentaran el pasto convertido en plástico un 1º de Noviembre.

Panes hechos de disculpas.

Se adornan los primeros de Noviembre como los ajuares de los nuevos ricos.

De nuevo rico, para muestras de vecinas. De vecinas envidias, y de injurias en un mentidero de simulacro.

Simulacros, todo es un simulacro. Respiran aliviados los vivos por los muertos. Ellos y no nosotros. Ellos y no, gracias a dios, nosotros, tan nuestros.

Vago consuelo el de los que postergan su futuro ineludible.

De camino hacia el cementerio los ancianos se persignan, presintiéndose allí abajo. valor, necesitan par hacer esa Odisea anual.

Una anciana le habla a su marido como nunca le había hablado antes , nunca osaría hacerlo con ese intimo rencor o lo contrario, llena de perdón y piedad.

En su exordio, le reprocha, recrimina, consuela y sobretodo se confiesa, aquello que nunca dijo, por fin , llegado el día, es capaz de decírselo, decírselo a sí misma.

El mármol, el granito, el ónice espaciado, pugna por cubrir las ansias de quien en vida se privó y usurpó a los demás de la misericordia que nunca creyó que los otros merecieran. Ahorro ruin y vil, mezquino, para ser lucido en el cementerio.

A veces el 1º de Noviembre llueve. No es que llore el invierno ya cercano, no, gimotea el cielo. Solo se lava, y encharca las culpas que durante el año los vivos han alzado hacia el cielo, que por ancho recaba toda maldad e inquina posibilista.

De entre todas las cosas terribles que le hacemos a los muertos, quererlos es lo más protervo. Porque bien saben los muertos, que nuestro amor alimenta sus gusanos. Que engordando no con su magra carne, es precisamente nuestro amor, el de los vivos, el que más les conmueve a escarbar hasta llegar a los huesos, ocultos a la vista ciega de la larva inexpugnable.

Nuestros huesos, blancos y amarillos son la última frontera para nuestros queridos gusanos.

Que tristeza ver las sepulturas abandonadas con las cruces cimbradas, los costados de ladrillos cementados semihundidos y pisoteadas por la indiferencia de quien tiene cenotafios, mausoleos y palcos de pórfido falsariamente pétreos a los que acudir raudos.

Y los Nichos, como VPO, tan asépticos, por fuera, despensas de podredumbre, por dentro tan encaladas, que si fueran de cristal, nadie se les acercaría.

¿Quién osaría, audazmente ver esos resguardos de osamentas en su proceso ineluctable?

Y delante, entre escasos centímetros, las urnitas de cristal, con sus raídos recuerdos…Unos encima de otros como en la vida en los barrios, como en los polígonos, unos sobre otros, jerarquías baldías.

Porque creer que somos iguales en el fallecimiento…Cristo no está allí, en ningún Huerto del Señor, bonita metonimia…muy dios, él, eludió ese destino.

Dicen, que hay cementerios por los que circulan líneas de autobuses, dada su extensión, su casi se diría anchura celestialmente irónica, por ser solo tierra, y es que ya ni los deudos caminan o peregrinan, según el caso.

Transportados por la automoción moderna, se allegan con el Tintasol y el multiusos, y cargados de bayetas, se disponen a pulir granitos taraceícos que ajaron el olvido y las inclemencias cada vez mas polutas de las grandes urbes.

¿Qué ensució, entonces la vida de quien ya nunca más será testigo de las lágrimas que las viudas, que los hijos, los sobrinos nepóticos desquicios, y aledaños por aviesos, y las mantenidas, y los otros, que se aprestan? No serán más que la lluvia fugaz de un pecado improvisado y que jamás espejará ni esa piedra, ni las almas de los que nada ven, y de los que todo revelan hacia su espalda, dejando atrás su casa, a la que pronto volverán, domésticamente, con la paz de los que se saben considerados.

Se prepara la viuda, muy de mañana, muy decente, elige las perlas, el escote, como un balcón de persianas echadas, llama a las amigas, viudas como ella misma y de acuerdo todas, se conducen al camino viejo del Campo Santo, platican entreverando los recuerdos buenos, inventados como siempre, coloreados con el brillo de la quincalla, y acicalados como los centros y arreglos florales y coronas que han encargado por adelantado, como cada mes de Octubre, que no es cosa para descuidarse y quedar como chapucera e improvisadora delante de las comadres de camino, entre suspiros y cariacontecidos lamentos, la retahíla de recuerdos se vierten como titilan las perlas sobre los escotes de teces ya arrugadas,

No es disculpa, es algo más hipócrita por saberse inútil, los vivos vencen con el barro que se sacuden al llegar a casa, en esos Noviembres tan enojosos con su lluvia que todo los desluce tanto, al día siguiente, el dos de Noviembre, queden de nuevo los muertos de nuevo en su hogar, y que no es el Cielo ni es el infierno, ni siquiera el Limbo, canal desconclausurado.: Se quedan, como lo que son, muertos. Que es estar muerto? un lugar donde dejar una vaga idea de lo que fueron…

Y si tienen foto peor, infamante…Nos miran desde los años y las décadas que se escriben con dos cifras, decenios imaginados en porcelana, y nos miran como fueron, cuando eran y como eran así en ese decenio y son mayólica desvaída miseria. Al veros creemos saber quienes fueron, familiar se dice…y sólo vemos en sus deslucidos ojos sin humor de ningún tipo sus logros y los otros, los que en silencio se saben callar.

No, en sus fotos no vemos lo que en su día fueron para los que tanto parece que supieron quienes eran, y al veros, algunos con sus mejores galas, con de medio lado, como mirando al vacío que sabían llegaría, y las más fieras, las de las damiselas que en su día de boda, tan níveas…

¿Qué fue de las estelas, rebeladas, por exentas o no, con su codo residiendo toda la añoranza…? Esa Coda Final...

Hoy daguerrotipos ajados, convertidos en Lares y Penates, de indigente figuramiento. Ridículos sin delito en su excusa inapelable, al fin y al cabo están muertos. Pero no hay juicio estético sobre la muerte, solamente piedras y barro, ladrillos y cemento…para evitar olores y efluvios… muerto eres, aunque un día tu aroma me trasportaba hasta la llegada del amanecer.

De ser de otra manera, qué Fidias, qué Cerámico, no poblarían nuestros campos santos, que sí, son santos, y grotescos….especialmente los que todos recordamos de aquellos que nunca dejaron más escrito que la misma firma de su testamento de haberlo. Campos Santos, ¿Santos de qué?

Es santo el campo por contener la podredumbre del homínido que por orgullo se resiste a morir. Si ni siquiera hay cielo santo, que también en el Cielo, los ángeles se revelan, y tuvieron otras asuntillos que yo me sé.

Las Nubes portarían las cenizas hasta las cimas y los cráteres, de los volcanes, hasta el fin de este nuestro ovoide, el tercero empezando por el sol, y regresaríamos todos al Eón del éter vacío.

Nebuloso que un día, en que aún no se llamaba día, fue nuestro origen. Tamo estelar, estrelarhilarante. Lo terrible…

Pero mientras podemos ser polvo de estrellas aquí. ¿Aquí?

Polvo y huesos ásperos, sin pulir, venerados tal vez..

Muertos vestidos para el Juicio, como si Dios nos esperara vestidos y engalanados para la ocasión, y ser juzgados según las modas de un Tiziano o un Veronés, mártires desnudos robando harapos, como si hubieran sido los mas necesitados de todos ello los precisamente dadores de la su propia vida para la gloria que otros pintaron…Uno no va al más sagrado cóctel de cualquier manera, ¿quién osaría presentarse con sus vergüenzas ante la Virgen, a semejanza de Eva o de si misma, como yo haría?

Columbarios, nichos de mármoles falsos y más falsos granitos cuarzados aún, cubículos de oscuridad perenne como le paraíso. Cubicuelos, por lo que rendijarse una milagrosa larva que todo lo comienza.

¿Piangero la sorte mia.. y la de todos.? y crudele y… When I am laid in earth

?Qué esperamos con muestra muerte? otra vida con los mismos? ¿y eso es la gloria.?

Volver a ver a quien nos hizo tanto daño, e infelices…pero como el Cielo es tan grande ... no los advertiremos, en sus nuevos cuerpos… transfigurados en quienes en vida no fueron. Revertir a verlos, a quienes nos mató con su, quizás, sutil manera de amarnos o ¿acaso el amor no mata, ese amor por un mundo mejor…? pero aquí, entre helechos. Con su pundonor, con su buen nombre…nos matan y nos dejamos morir… El otro Amor el que nos mata lentamente, del que nos dejamos matar, nos asesina y homicidia, sabiendo que somos nosotros quienes sobrevivimos.

Hay una ironía fundamental en nuestra raza, creer que nos recordaran cuando muramos…y los recuerdos son tan falsos como las flores de plástico de chino y todo a cien.

Va tacito e nascosto… la desdicha de la presuntuosa remembranza.

Las Urracas coleccionan cosas brillantes, rutilantes fruslerías de cada Noviembre

Feria de Vanidades, Tan católicamente unánime, no es la talega madre la que nos cubre, y menos mal que se nos cubre, en germinar otras sacos escarcelados, siendo así mítigo de sal gorda, …quizá no hay algo más ofensivo que su vida frente a nuestra fallecimentada semininidad

Sentimos desde aquí sus estómagos de venidero pan enroscado de anises adornado, y el café caliente, pues hay que reponerse de tanto dolor de otoños milenarios.

No se dan cuenta de que conceribimos su vida, porque nosotros no los estamos esperando, no les culpamos, aunque podríamos…

¿ A quién le importamos desde la guerra, desde la enfermedad…la mas grave. ¿La del olvido?

Si por un raro milagro de los que la Voragine cuenta nos escucharan, nadie vendría más aquí, a nuestro mundo de pasmo viscoso.

Estamos uno al lado del otro, promiscuidades, que hasta vamos colocados unos encima de otros compartiendo la orada vertical de larvas y gusanos…Pero es que falta espacio…ni muertos la intimidad es cosa de ser tenida en cuenta.

Pero todo sea por la familia, suegras con nueras y mezclas imposibles, y formidables, por su ironía.. esa tiabuela que se ensañó con mi Madre.

Cuando todos desaparecen, en las flores, en los pétalos, los frescos y los otros, a la intemperie, nos devuelven a nuestro ser, ese ser muerto, pues hay muchas formas de serlo, fatal esperanza.

Nadie nos quiere a pesar de lo mucho que se reiteran en acompañarnos aquí abajo algún día, dicen, pero todos lo postergan, hasta que un vulgar cáncer, la vejez tan ineludible o sus propios pecados nos los traigan hasta aquí, y aquí, hay siempre espacio, este campo santo es más grande que el Cielo y más duro que el Infierno, ese que se supone debajo, pero disimulamos, evitando su presencia … y tapándonos los oídos a cada instante de nuestros tímpanos…macerados en caracolas extinguidas…. como si al no estar al corriente…. no la escucháramos…

Pero el infierno de existir lo hicieron quienes tan seguros de llegar ha habitarlos, nos lo dedican, con sus mejores intenciones.

Porque el Cielo, Tan Arriba, en nuestras cuencas vacías, le arroja la gasa del velo que nos ciega, deslumbre de herrumbre.

En nuestros huesos se ha grabado: "no olvides que un día también vivimos como vosotros"

Un día busqué con mi Madre la tumba de su Madre, cuya familia la dejó pudrirse como una combatiente palúdica y sin valor alguno.

La serendipia ufana dio a la búsqueda un resultado remoloneante, pues por ser prima lejana su compañera, sus huesos no dieron con su cornucopia exigua, en el osario más inmundo.

Entre legajos del Campo Santo, un pobre nombre de Santa sin brazo ni corazón, esquilmos de bondad pietista, se escondía entre tanto muerto anotado, con número, como en los campos de concentración. Rara coincidencia.

Aquí os esperamos…

Generaciones como estrellas el cielo ha habido y han muerto.

Nuestra muerte es vuestra. Gracias.

Mi Querida Nieves, va por Usted.

…tras los Zagros,

2009-08-08T12:27:00.002-12:00

Se acerca lenta la caravana

hasta Pasargada, desde aquí la vemos

llegar como una sierpe,

nos devuelve la seda rebordada,

la sal perfumada nos traerá de occidente,

el aroma de su carga, se oculta en fardos de lana, y olemos

a lluvia que trae en conjuros y poemas de Ananda.

Nos regresan nuestras cosas aún más bellas

y se llevan las que más usamos, pues dicen

son rarezas que aprecian,

por oro las cambian, y mudan las que enviamos

como si fueran nuevas, suyas y ajenas,

extraño poder el de los enemigos de Ananda

suplen su falta de fe con ciencias, dicen, y maña.

Traen con ellos algo mejor que no se empaña,

las historias de gentes y artefactos

que dicen habitan al otro lado de un río

de una sola orilla, que el ver no abarca, de peces gigantes

y aves que hablan, y el aire y sus corrientes

se llenan de algo que no apreciamos todavía,

y que los enemigos de Ananda llaman fantasía.

No se esfuerce el querido Lector, por buscar la cita, no la encontrará.

La curiosa historia de un verso... Ananda

2009-07-23T20:37:00.001-12:00

En el año del señor de 1753, François-Joachim de Pierre, futuro cardenal de Bernis, se hallaba en medio de una discusión doméstica, su ayuda de cámara y una de sus fanciullas venecianas se disputaban la posesión de un pañuelo de seda con caracteres árabes que el sirviente había regalado a la doncella a cambio de los favores menos donosos, pero que una vez satisfechos, no valían a juicio de éste tal premio. La muchacha, huérfana del valor que un padre le hubiera otorgado, decidió que el monsigñor francés, decidiera cual Salomón ilustrado, la posesión última de la prenda, y en ello estaba cuando decidió para sus adentros que en vez de desgajar la pieza, se la quedaría, a cambio de una modesta recompensa a los trifulcos, intrigado por las tan bellamente bordadas filigranas que aquella seda, un tanto manoseada poseía. Se propuso investigar entre sus conocidos quien conociera el árabe caligráfico para ser traducido prontamente, pero no tuvo tiempo de pensar más en ello, su cocinero reclamaba su atención, y mientras recordaba su amistad con Dumarsais, por si de algo habría de servirle, decidía a un tiempo entre si dejar que el oro maquillara la tersa piel del ganso o dejarlo de nuevo de azafrán como la anterior vez en que el Tiepolo le había visitado, y en que hablaron de su Rinaldo y Armida, así como de otras fruslerías, más propias del cotilleo véneto, que de la haute culture, además como embajador que era de Francia, debía atender otros asuntos e il cavaliere Casanova acababa de enviarle un billete con noticias sobre un affaire en el que de haberlo sabido, nunca hubiera participado.

De hecho el paño quedó olvidado en el cuarto del abad, hasta el día en que Casanova lo utilizó a modo de improvisado antifaz y cubriendo su rostro, oculto por su anverso, salir huyendo del Palacio que el Gran Canal lamía con besos verdosos y los emolumentos de una Francia cada vez más convulsa, sostenía. Allí había recabado un fugaz refugio, el animoso y cabrestante signore pero tras su detención por parte de los agentes de la Serenísima, en medio de la escena el paño alertaría a los mismos de las oscuras relaciones de Casanova con lo enemigos de la Republica. Tras cruzar el Puente de los Suspiros, el cavaliere arrepentido del insulso hurto, y previniendo más desgracias, dejó caer la tela bordada y se hubiera perdido de no haber sido recogido por la bella Anna Bon di Venezia, quien entusiasmada por su propia música en forma de melodía insistente, no se percató de lo inusitado del regalo que los cielos le hacían y enseñándolo a su madre, lo guardo bajo su falda.

Al día siguiente en el Ospedale della Pietà, sus compañeras se deshacían en elogios por el nuevo chal que Anna llevaba sobre los hombros desnudos como manzanas, a juicio del aventurero, de haberlos visto, si bien, sus ojos en aquella misma hora se habían vuelto hacia los muros de su celda en los Piombi, y de allí no verían más la luz del sol hasta que el cielo en forma de monje acudiera en su auxilio. En aquella mañana, nublada, las notas de un viejo oratorio del recordado prete rosso, renacían en las gargantas de cisne de las compañeras de Anna, quien improvisaba su violín como solista y rector del coro, y donde el siroco parecía querer agitar la suave importancia de la seda, reconvertida en prenda de gesto candoroso por una niña que ignoraba por completo los signos que aquella delicada trama escondía.

Poco podía imaginar un pequeño miembro del coro que cantaría en el funeral del prete rosso, hoy conocido más por Antonio Vivaldi, que un día obtendría como premio de una desconocida, a su bondad, aquella prenda. Pues pasaron los años y Anna acabó componiendo para el Gran Masón Federico, y para su flauta, que de todos es conocido, el amor que por este instrumento sentía El Grande, como fue por todos recordado, menos por su desgraciada esposa, pero esa era otra historia. Fue un buen día, en que Haydn, pues no era otro sino él, el pequeño cantante del coro, que con el correr de los años y sus miserias se convertiría en el dueño del chal bordado, que la infausta Anna llevó consigo desde su Venecia natal.

Ambos, el niño y la rareza compositora, compartían poquedad derivada de infancias no felices, y amor por la música a partes iguales, cuando la Providencia les unió por un breve cordel en la malla del tiempo, después de una corta e intensa amistad, se intercambiaron presentes. En medio de la corte y como maestro de capilla de la familia Esterházy, Joseph, estaba encargado de acoger a los visitantes músicos que fueran de interés para tan noble familia y encontró en la jovencita Anna a una confidente de desdichas, penurias y e imposibles vitales, que como un día soleado en mitad del invierno húngaro fue recibido por ambos como un obsequio del cielo en su infinita caridad para con los mortales. Cuando se separaron, ella le obsequió con un ejemplar del Contrato Social, envuelto en el chal bordado, él por su parte, dejo en sus manos algo más valioso, el secreto reconocimiento de la bondad y belleza de las composiciones de Anna Bon, declaración ésta que viniendo de Haydn acompañarían la pendiente gris que fue la vida de la compositora veneciana, y que se diluiría como una bruma entre las agrestes frondas de la pequeña historia. Joseph Haydn, olvidaría el chal en una casa londinense tal y como el mundo olvidó a Anna, sin mirar atrás.

Sin dejar de mirar, la gobernanta que encontraría el trozo de seda bordada en casa de Johann Peter Salomon, desconfiaba de los caracteres grabados y si bien era un alma piadosa, que en un primer momento juzgó destruirlo, por ser obra seguramente de infieles, fue vencida por su talante menos intransigente con las obras a las que se les podía sacar un beneficio, por ello, y por que no la descubrieran, optó por venderlo en los soportales de Covent Garden a la mañana siguiente. Donde lo compraría una discreta dama desconocida como Louisa Jones, para abrigar a la pequeña Mary, más conocida por ser la madre de un monstruo, a quien dio nombre sin bautizarlo, pero que convivió con algunos menos llamativos aunque igualmente atroces, para quien los conociera.

Como faltaba aún mucho tiempo para que Mary Shelley escuchara del propio Byron estas palabras: “el único idealismo posible es el de los hechos“, la antigua seda no reapareció hasta que, aquel grupo de apátridas momentáneos alquilaron la Villa Diodati, cercana al Lago de Ginebra en Cologny, entre las valijas y los pocos enseres de tres viajeros fugitivos de un mundo inhóspito en su cortedad, y así como resguardó tímidamente a la pequeña Mary, el género bordado llego a saborear las amargas lágrimas que una madre desolada vierte cuando sus tres primeros hijos son devorados por la enfermedad y bienvenidos a la muerte más temprana. Hasta entonces nadie se había preocupado por descifrar o intentar saber qué decía aquel pañuelo amplio, de colores dorados y grises plateados que si bien de lejos no parecía nada extraordinario, al extenderlo desplegaba su magia como suelen hacerlos estos objetos que habitan la imaginación.

Al siempre curioso Burney, en casa de Salomon, le pareció intrigante, pero no se paró mucho en estudiarlo, tan ocupado como estaba en elegir las palabras para describir el efecto que el hijo del carretero le había causado. Pero a veces, más de las que pueden describirse, el efecto de la seda escrita, era tan intenso que producía una ambivalencia en sus dueños pasajeros, mezcla del rechazo y el misterio que sólo la ignorancia de la lengua del desierto suscitaba. Por ello, al caer la vista sobre él, Champollion se quedó embargado por una de las palabras que leyó inmediatamente, Ananda. ¿Qué quería decir aquello, Ananda? Entre tanto, interrogaba cómo había llegado aquel trozo de tela a sus manos. Resultó que Amelia Curran, lo guardó cuando realizó el retrato del pequeño “willmouse” y se lo llevó consigo, como sin darse cuenta, y en 1822, lo cedió en París a cambio de un poco de agua. Tal era su escaso aprecio por el paño.

Lo rescataría del daño seguro del olvido una anciana gitana que en su demencia creyó ver en los signos oscuros una sentencia favorable a los de su raza, y tal que así lo llevaba, por los caminos de Francia como un estandarte antiguo cuando lo divisó una mañana en Grenoble, la esposa del hermano de Jean François. ¿cómo llegó Jean François Champollion a descifrar el texto bordado, con su dedichada hilatura de plata aquella seda? En la próxima entrega…

Saludos Anónimo y paciente Lector.

C. Sagan, Un Virgilio Estelar.

2009-06-18T05:24:00.007-12:00

«El cosmos está constituido por todo lo que es, lo que ha sido, o lo que será».

Quizás sea este el comienzo más acertado, o debería serlo, para una serie que más allá de definiciones audiovisuales, superó con creces las expectativas de sus autores y productores. Cosmos, A personal voyage, fue, y es todavía, lejos de la mera nostalgia, provocada por el lógico devenir de los años, un fenómeno casi religioso. Cosa que hubiera disgustado sobremanera a Carl Sagan. Pocas veces el medio televisivo ha encontrado un siervo más dispuesto a sacarle todo el partido posible a su señor como Carl Sagan. Raras veces se ha unido saber, y pedagogía de manera tan eficaz como sugerente, tan atractiva como profunda.

Porque nos guste o no, en su día, fue algo absolutamente innovador. Hasta hace poco la Wikipedia definía de esta insidiosa manera el libro que Sagan publicó como complemento a su trabajo para la televisión: «El libro contempla la existencia humana desde un punto de vista científico y materialista», alguien muy acertadamente ha decidido cambiarlo por una expresión que se acerca más al espíritu del propio Sagan «y profundamente humanista» De hecho puede asegurarse que será una serie única, por ser la visión, un viaje personal, como reza el subtítulo de la serie, la mirada de un solo ser, apoyada en un presupuesto vital y una libertad irrepetible en el mundo de la televisión. Una mirada personal, pero que concentraba las de otros seres antes que la del mismo Sagan, la perspectiva de la Ciencia, sí la Ciencia, esa cosa que nadie sabe qué es, pero que posibilita a los mismos que la desprecian, el poder negarla a la velocidad de la luz, por todo el universo conocido y los mundos paralelos. Teniendo en cuenta el giro ideológico/religioso en los propios Estados Unidos, desde la muerte de C. Sagan, se nos hace más arduo imaginar un proyecto como el que supuso Cosmos en su momento.

La última producción norteamericana sobre temas parecidos, El Universo, emitida por el Canal Historia, si bien ilustra los avances formidables que se han producido en las tres últimas décadas en el campo de la astronomía y ciencias aledañas, no llega ni de lejos, a la profunda impresión que causaban las palabras y las imágenes de Cosmos. Porque uno de los grandes aciertos de la serie fue el uso de las imágenes para trasmitir incluso los conocimientos más arduos. El uso de metáforas visuales, no exentas de una gran fuerza poética, enriquecía la exposición y dotaban al guión de un calado y hondura en las mentes y almas de los espectadores como pocas veces se ha llegado en este medio de la difusión científica. Y es que no debemos olvidar que estamos hablando de televisión.
Junto al uso incipiente de la infografía, latía un mundo inconsciente de soluciones y alegorías que unían a las palabras un pulso literario de un carácter innovador y diferente para lo habitual en el medio, tan plúmbeo en la mayoría de los casos. Si a ello se une la elección de la banda sonora, otro gran acierto de la serie, con Vangelis inspiradísimo y músicas de las más variadas tradiciones, obtenemos un conjunto a imitar, o al menos emular. ¿Dónde reside, pues, la insaciable fascinación de esta serie televisiva de divulgación científica? En qué no lo parecía.

La propia fascinación de Sagan por el mundo de la ciencia, y del método que la sustenta, su absoluta creencia y convencimiento de que el conocimiento nos hace mejores, y su fe en el ser humano, a pesar de sus avisos continuos, hacen de su mensaje, un legado inspirador, con el significado que este calificativo tiene en el mundo anglosajón. Entre algunas de las conclusiones a las que una persona normal podía llegar podemos entresacar una cualquiera: Conocer nuestras miserias y debilidades, nos capacitaba para vencernos, y prosperar, como especie, como seres individuales nos liberaba, al menos se nos daba la oportunidad, de utilizar nuestra consciencia, hecha del polvo de millones de estrellas anteriores, para preguntarnos qué futuro queremos para nuestros hijos. En definitiva, nos hacia pensar.

Cuando hoy en día, después de tantas hogueras como el mundo ha conocido, existen no ya escuelas que prohíban el estudio de la evolución biológica, sino que se impulsa en determinados Estados la obligatoriedad de la enseñanza del creacionismo, apoyados en la libertad, no está de más recordar este "documental". Cosmos, sigue siendo, especialmente sus múltiples mensajes, más allá de los meros datos rebasados, un jalón brillante en la oscuridad tenebrosa del proceloso océano de gran parte de la televisión que se hace hoy en día. «Sabemos que nos estamos acercando al mayor de los misterios» decía Sagan, él intentaba que le acompañáramos en su viaje! ....para tantos, mientras el mayor misterio siga siendo Dios, qué podemos decirles…!dejen paso! a los que una vez viajamos con Sagan. Somos muchos los que recordamos tal hecho como uno de los más raros acontecimientos que el mundo moderno nos ha aportado.

Saludos anónimo, y tal vez extraterrestre, Lector.

Picasso y Los 100, que le siguen.

2009-06-13T22:22:00.001-12:00

Extracto del artículo Los 101 pintores más importantes de la historia de la pintura occidental, en su Justificación sobre Picasso y su primer Puesto: “Miró atrás a los grandes maestros y los superó cuando se lo propuso. Se enfrentó a toda la historia del Arte y redefinió de su propia mano la tortuosa relación entre obra y espectador.”

¿De veras? Primero. Proponerse algo no es sinónimo de inmediato logro. Segundo. No lo consiguió, pese a quien pese. Las “obras” de los viejos Maestros son en su mayoría inigualables y las mejores de ellas, abren o clausuran a su autor o una nueva época, en todo caso los definen como únicos. Picasso más bien, utiliza la historia del arte como defensa, como fuente o como disculpa, ante si mismo o ante los demás. Los logros de Picasso no se basan en su querencia por la superación, sino por su incapacidad para contentarse. Debemos concluir que su genio era saber encontrar lo mejor entre la historia, y darle su personal apariencia, venderlo como nuevo; nadie como Picasso supo disfrazar lo ajeno de manera tan audaz, qué aún hoy está pendiente un estudio iconográfico/lógico severo sobre su obra.
A vuela pluma si alguien quiere comprobarlo, con su paciencia, visite esta pequeña muestra. Es sólo un somero vistazo, fácilmente asequible en esta dirección: http://picasso.shsu.edu/ y por delimitar, solo se ha fijado la breve atención en algunos de los trabajos, en su mayoria, obra "menor", por su tamaño, del Año 1936.

1-Femme au buffet, Es Vermeer. O sea, Interiorismo flamenco, de hecho La mujer al piano, de finales de ese mismo año, Diciembre, apunta claramente a ello. 2-Minotaure blessé, cheval et personajes. En esta época hay mucho Goya con Leonardo mezclado. El caballo en fuga en un plano superior es un evocación clara del estudio inacabado, leonardesco La Adoración de los Magos; obsesionado con los caballos, a principios de este año se recrea en estudios de animales, como si quisiera recordarnos en sus estudios su mucho trabajo, qué lo es. 3-Le sauvetage Es helenística composición con recuerdos de las esculturas de la Loggia dei Lanzi. 4-Dora Maar en forme d'oiseau y 5-Faune, cheval et oiseau. En estos trabajos se aprecia a Blake, y Flaxman, y su tonalidad, general es la de la pintura "romana", o sus restos murales, que el pintor tan bien conocía. Le crayon qui parle...sería otro ejmplo. Minotaure et jument morte devant une grotte face à une fille au voile, muy pompeyano. Retratos a lo Ingres en rostros de fija mirada y posturas, especial atención merece el gesto de las manos.

Interesante la visión de Dora Maar, la ve y dibuja como un comodín, ya como un Toulouse-Lautrec, como un Frans Halls, por citar alguno, pero el aire es conocido, la retratística francesa del XIX. Unos meses antes a Marie Thérèse, la ve en luces de Rembrandt. La plancha de la Suite Vollard titulada 6-Faune dévoilant une femme. Es veneciana estancia, personajes de manierismo, Amor y Psiquis de Jacopo Zuchi. Pero al revés y de lado. Se obvian aquí, los recuerdos de los casi contemporáneos, por farragosos.

En fin, todo es discutible, pero las imágenes tienen padre y madre, y todo un árbol genealógico esperando al hijo pródigo que las reconozca… y lo de la “tortuosa relación”, lo será para quien ello escribe.

Saludos amables, anónimo Lector.

Notas: 1936 El superíndice se ha sustiuido por numeral delante. La información de estas notas pertenece al On-Line Picasso Project y es de su exclusiva propiedad. Por si acaso. Las reproducciones de las obras citadas, si bien no son de gran resolución, sirven y bastan, al objetivo propuesto.

1 Femme au buffet-Location: Juan-les-Pins Date: 9-April/1936 Medium: Oil on canvas Dimension: 55 x 46 cm Collection: Musée Picasso, Paris Catalog: OPP.36:014; MPP:151; PP.36:016 Books: DD.61:88p; MP:129; WW.91:369p
2 Minotaure blessé, cheval et personnages Location: Juan-les-Pins Date: 8-May/1936 Medium: India ink & gouache Dimension: 50 x 65 cm Collection: Musée Picasso, Paris Catalog: OPP.36:066; MPP:1164r; PP.36:058; Z.VIII:285 Books: MB.93:97; PD.06:266p; PL.00:58; UP.00:742
3 Le sauvetage Location: Juan-les-Pins Date: 29-April/1936 Medium: Pastel & charcoal on canvas Dimension: 65 x 54 cm Collection: The Picasso Estate
4 Title: Dora Maar en forme d'oiseau Location: [Mougins] Date: 28-September/1936 Medium: Pencil & ink wash on blue paper Dimension: 21 x 27 cm Collection: Private collection Catalog: OPP.36:051; PP.36:080; Z.VIII:297 Books: MC.00:91
5 Faune, cheval et oiseau Location: Paris Date: 5-August/1936 Medium: Gouache & India ink on paper Dimension: [44,2 x 54,4] 44 x 54 cm Collection: Musée Picasso, Paris Catalog: OPP.36:068; MPP:1170; PP.36:075 Books: PB.05:92; PL.00:60; UP.00:747; WW.91:378p
6 Suite Vollard L097 (Faune dévoilant une femme) Location: Paris Date: 12-June/1936 Medium: Etching & aquatint on Montval, edition 250 Dimension: [31,6 x 41,7; 31,4 x 41,6] 31,8 x 41,9 cm Collection: Graphikmuseum Pablo Picasso, Münster Inventory: (GMP.01.SV.B609). Sotheby's. #229, N08087, 04/29/05. Also The Museum of Modern Art, NYC. Abby Aldrich Rockefeller Fund Catalog: OPP.36:032; B.I:230; Ba:609.VI.Bd Books: AN.89:36; CS.04:193p; HB.56:27; R.72:150p; TV.06:254p; UP.00:732; WW.91:26p

Completa lo que falta

2009-06-13T22:16:00.002-12:00

"Un día de 1655, en el antiguo Alcazar de Madrid. Estancia Taller de Diego Velázquez, pintor.

Velázquez: -Majestad…acabad Señor Mío, con Vuestra magnífica Inteligencia y seso, lo que falta…

Felipe IV: (Con más ironía que disgusto)- No estáis aquí, Maese Diego, para competir en bufonadas con mi pequeña corte…

Bárbola y Pertusato, mientras, ríen al fondo…"

Así las cosas, no quedó más remedio a D. Diego qué el de acabar la Obra.

Saludos amable, anónimo Lector.

Breve ( Brevísima) Historia del Arte (Occidental).

2009-06-06T10:09:00.002-12:00

Breve ( Brevísima) Historia del Arte (Occidental), más que nada, por falta de ánimo.

Al principio, nada más pronunciar el nombre de Sí mismo con asombro, decidió a un tiempo, que además de practicar dicha capacidad sobre el mundo, era dueño, también, de su cuerpo; así, sin que nada lo previera, el Ser Humano se halló mejorable y nació así, el ornamento personal, que unido al aderezo sobre la piel y los huesos, acuñaría el prestigio, cuando no, la marca del pecado. Como hay noches y días para perder el sentido de las mismas estaciones sucesivas, y no estando desnudo ni falto de adorno decidió que las piedras y paredes de sus refugios bien podían alojar símbolos que llegarían a ser imágenes que el ojo experto podría releer o recordar y el no experto descubrir.

Con el tiempo, entre unos y otros concluyeron, más por un sentido de logro perfecto o al menos su remedo, que el espacio entero cielos, tierras, mares (incluso aquello imposible a los sentidos), estaba habitado, no sólo por plantas, humanos y animales; también, lo poblaban con su poder, entre el misterio arcano que supuestamente todos debemos conocer, los Dioses. Así pues, estos seres divinos por naturaleza ajena, que nos cubrían, merecerían tener su propia Imagen, conveniente a su rango y condición, para mayor gloria de creyentes y ciudades, de campos y de todos, en suma.

Llegó, pues aquella época, en que los Dioses y sus casas, fueron tan espléndidas, en forma y afiches, que uno de esos Dioses, de los que rivalizan por el amor humano, tuvo tanta envidia de no recibir más que humo, que arrasó con todo lo que no fuera austeridad. Todo se guardó, como de repente, entre gruesos muros, sin apenas luz y como a medio hacer. Un raro viento parecía haberse llevado tanto el ingenio como la habilidad, juzgados un cadáver más.

Pasó el tiempo y el viento, y los Hombres se olvidaron de recrear para ese Dios taciturno la magnificencia, pero, si los siglos no se paran, llegó el punto en qué, aún mismo los artífices y sus dueños, hartos de tanta pobreza, como penurias ya pasaban, quisieron devolverle a Mundo una imagen del mismo Dios, como nunca éste habíase contemplado por sí mismo.

Del esplendor de agujas de piedra hacia el cielo luminoso, unos pocos, empeñados en que podían ser como Dios, al que consideraban creador de todo, restituyeron el Mundo al Mismísimo, en forma adecuada, y la Creación, en sus manos y materias, pareció por un instante en el reloj humano, nueva e inédita, a punto de ser estrenada por las pupilas, que no mucho tiempo atrás se hubieran perturbado ante tanta novedad; de modo y manera tal, que anteriormente y nunca (más) después se conseguiría.

Fue, entonces, cuando hasta Dios, en efecto, pareció bendecir al mundo con su misma Gracia, (de existir ésta), y se encontró, o eso se creyó, en aquellos lejanos días, entre los que siglos atrás dotaron a los otros dioses, de su pasada gloria. Pero como nada dura cuanto nos gustaría, y la Providencia juega a los dados, el mismo Hombre se aburría de su obra, y fue tanta la repetición como la emulación, que durante un tiempo no hubo más que cosas parecidas.

De entre todos, unos pocos de los que se dedicaban a los nobles oficios que todavía no lo eran, despuntaban como restalla de rojo la amapola entre las espigas secas, y si bien los giros dieron flautas de bondad y manzanas de oro verdadero, ya por volver a mirar atrás, como por examinar demasiado el detalle, y todas sus consecuencias, ya por no faltar quien sondeara un poco más hacia dentro, y si ello fuera posible, hubo, no obstante, quien observó un algo más allá. Lo divino era lo humano, por su mano.

Fueron, pasando los siglos por todos ellos y las modas, o los estilos, y así vendría la época del ingenio, la sorpresa y su arrogancia, se cobró, vía gloria postrera, un tanto de la Verdad, que alguna vez sostuvo la mano inocente, la misma que después de la ociosidad natural, se tornó en verbosidad, como la zarza acomete cuanto con su crecimiento topa.

No está de los dioses estarse quieto, ni darse por satisfecho, y con aquella escusa como otras que la imaginación procura a quien la naturaleza no dota de ninguna otra gentileza, los oficiantes, (pues dejaron de ser seres de oficio), decidieron investigar, tantas y tan variadas cosas, como caminos cruzan las tierras, que volvieron por donde habían venido, renovando río arriba el cauce de la misma materia, llegando a dar la vuelta, tal que así, que cada día descubrían el mar muerto o el mare nostrum de aquellos que se decían así mismos artistas. Como nadie camina en soledad, especialmente la res humana, no falta quien sigue a los que, como el salmón, muere donde nace, creyendo ser libre, y no ser más que víctima de un dictado de la especie. Desovar y morir. Hasta el día del Juicio.

Saludos, anónimo Lector.

... en días como este, …sólo la ironía me acompaña.

Guisantes para una exposición.

2009-06-06T10:07:00.002-12:00

Extracto del Diario y Anotaciones Varias, de El Artista no ya Tan Adolescente:

"En medio de la noche nos asalta una Razón tan distinta de la verdadera que suponemos gozamos, de aquella diurna que tan poco solemos reconocer, que incluso los más escépticos, se asustan ante ella. Se define como Sueño, y no se acepta como una razón diferente, simplemente se la juzga por oposición a la misma. A la Razón, que nos gobierna, junto a la Ira, por ejemplo, pues la Razón sin sentimientos, no es nada.

Es entonces cuando sin Razón, nos preside la otra, la que sin sentimientos aparentes, nos habla, nos reprende o nos consuela. Son muchas las noches y pocos los recuerdos. La conciencia, por encima de ambas razones no distingue entre ellas, aunque lo pareciera. A veces el Sueño, manda sobre los sentimientos razonados. No hay nada inconsciente. Ello no es más que razones impensables, no sentidas. Las emociones, se visten por el día de razón, o en su ausencia, de prejuicio. Este es el hijo bastardo de la irreflexión. Ella a su vez, acaba por devenir en inadvertencia de uno mismo o de la realidad, dada la dificultad del conocimiento de la misma, el mundo es entonces un Sueño, que duerme el Hombre, imaginando su vida de otra manera, o en otro mundo, pues en la noche, todo es posible. "

El Artista no ya Tan Adolescente, ya citado en este blog, de vez en cuando escribe y anota en su diario las razones de su obra, sabe, huelga decirlo, que algún día, estos escritos serán publicados, como notas a sus propios catálogos o incluso, se publicarán como libro. Sabe, y es muy consciente, de que el Artista del Mañana, debe prepararse un todo homogéneo, y en ese cuerpo discursivo, no pueden faltar las anotaciones o escritos quhttp://rodopis.spaces.live.com/blog/cns!DEAE68B2F700BFFB!1480.entrye comuniquen al resto de los mortales, la profundidad del pensamiento del Artista. También sabe que nada o poco importa si cuanto escribe tiene o no, visos de verdad o de profundidad, lo que importa es que quede registrado como propiedad intelectual del mismo artista. Sabe, que en este mundo del arte conceptual o no, la palabra es un arma cargada de futuro, (cita que le encanta desmontar), una vez disparada, recogerá los frutos del acto creador.

Lo anterior lo escribió, El Artista no ya Tan Adolescente para su último proyecto, el cual, seguramente acabe en una bienal regional o autonómica. El Proyecto con mayúsculas, consistirá en trescientos edredones de plumón de ánade finlandés, uno encima de otro, su giro lingüístico, el de la Instalación es demoledor, a su juicio. Sustituirá los plumones, que en su día abrigaron a los polluelos asustados del ánade, por guisantes frescos. Debajo de los edredones, una pluma estilográfica de oro macizo, podrá verse a través de una sonda con cámara incorporada. El nombre de semejante obra no será otro: El sueño de La Princesa del guisante( The dream of the Princess of the pea ), en su Inglés de pacotilla. La instalación sólo durará el tiempo que se mantengan los guisantes en buen estado. El Artista no ya Tan Adolescente, no quiere abusar de la paciencia y del olfato del burgués gentilhombre, futuro admirador de su obra, que no comprador, la citada Instalación, está fuera del mercado, pero no se descarta una versión para un MOMA provinciano, con guisantes de plástico, esto último es objeto de debate interior para El Artista no ya Tan Adolescente.

Ahora mismo se distrae con otras cosas, ya ha sido invitado a participar en El Festival de las Artes de Castilla y León, y anda muy ocupado… será un proyecto con música y mucha interacción por parte del público, aunque esto no le agrade en demasía…Al fin y al cabo, ¿ qué sabrá el público de Arte?

Saludos, público ignorante, para los demás, besos, los menos a juicio del Artista No ya Tan Adolescente.

Conchas, y corbatas, dan un cascabel.

2009-06-06T10:05:00.002-12:00

Parece ser que así será. El Festival de las Artes de Castilla y León, tiene vía libre para colgar de la famosa Casa de las Conchas, ubicada en pleno casco histórico de la ciudad de Salamanca, unas 197 corbatas de color rosa. Si, CORBATAS DE COLOR ROSA. Una por cada una de las conchas de la fachada, en cada y sobre cada una de ellas un estilosa corbata rosa.

Esto se puede leer a propósito del mencionado Festival en esta su quinta edición. “La literatura y la reflexión protagonizan un nuevo espacio que pretende remover la conciencia y llegar a la meditación del conocimiento de los espectadores bajo la imagen, la música, el teatro y el ruidoso silencio.” Desconocemos si el autor de tales palabras es eso, autor, de las mismas o simplemente repite las del propio Festival. Esto deviene de un hecho simple, la página web, carece de toda información, se limita a decir, próximamente… Hemos buscado por doquier y sin él, al autor de la propuesta de la corbatamanía rosácea, pero no hemos logrado dar con el nombre de tan inmenso artista. Por si necesitara más ideas hemos recabado algunas entre los amigos de este blog de manera anónima, a continuación se desglosan:

Vestir El David de Miguel Ángel con smoking de Armani, quedaría muy mono, eso sí, ese pobre estudiante que sólo visitará la ciudad de Florencia una sola vez en su mísera vida comprobará el mejor desnudo desde la antigüedad …vestido, pero ajo y agua…ya lo conoce por las fotos,si se pudiera pintar de color oro LA PIEDAD de este mismo artista, sería quizás pasarse, pero ¿qué mejor qué el mismo oro para tan noble obra?

Grafitear por entero la Fontana de Trevi, pero nada de petites pieces, no, à leur manière con luces de neón iluminando bien ese nuevo lenguaje artístico, tan poco valorado entre los propietarios de locales sin alquilar.

Dar vuelta a todas Las Obras del museo Del Prado, pues ello también conlleva remover " la conciencia y llegar a la meditación del conocimiento," en fin, es obvio y meridiano, por donde podríamos seguir.

Cada vez es más costoso no cebarse con tanta fruslería, pero una cosa si es evidente: ¿A quién no le frustraría visitar una obra tan deseada a la vista de una intervención de este tipo? Nunca sabremos las veces que el Destino nos depara el visitar un lugar y ver una obra en concreto. Ahora, le toca a usted, piense un poco, y haga su propuesta; al fin y al cabo, ¿quién le pone el cascabel al gato del Arte en nuestros días? No será cascabel, pero sí corbata.

Saludos anónimo, amable y paciente, Lector.

Addenda curiosa: En 1967 , La Casa, fue cedida al Ayuntamiento de Salamanca, mediante un contrato de arrendamiento por un valor simbólico de una peseta anual durante noventa y nueve años.

Esto para nuestro almanaque particular MAG...

Soneto Maltrecho II

2009-06-06T10:00:00.003-12:00

Sea este verso relámpago, retrato
de mi condición de fugitivo
escrito en sangre doy mi paso altivo
al cielo y tierra en largo desacato.

Grito con esmero de garabato
en la garganta, un sordo rugido
ni dios ni ley, ni lema de bandido
emblema quizá de pueril arrebato.

Si oigo llegar no obstante, el reclamo
del orden cristiano y cristalino
soborno, sin espera lo embalsamo.

Juzgar que no me queda más destino,
si no ser más yo, ni mi ser, ni mi amo,
resta de mi, tu polvo ya calcino.

Por cierto, para la SGAE: este soneto es de la exclusiva propiedad del Autor de este Blog. Por si Acaso...

Fdo: JOSÉ FRANCISCO CUADRADO MARTÍN.

Si tan siquiera el Futuro se acabara. Segunda parte

2009-04-03T19:18:00.001-12:00

“El mayor problema con que se enfrentará el Arte del futuro, posiblemente sea la falta de una Estética Integral que se responsabilice del Gusto de una sociedad amedrentada, y descompuesta, vagamente globalizada o mas bien enmarañada, como es la nuestra, en el primer albor de este siglo impar.”
Lo anterior fue escrito al principio de este blog. En aquellos años inocentes, comenzaba yo a divagar sobre el arte y la estética, amén de alguna que otra cosa, y pasé del simple comentario, a la elaboración sistematizada de temas, y cuestiones al modo de condensados artículos, con notas y parafernalia al uso. Como todo en esta vida, las cosas cambian, y el río de mi discurso, también. Sigo creyendo que la multitud es capaz de leer cualquier cosa, pero debe encontrársela en el medio adecuado. Y por lo visto nadie espera de un blog alojado en los Spaces, algo medianamente aburrido, como para merecer la pena. Pero sigo dudando de que la voz no deje de ser muda, alguna vez.
Si leo bien, ¿qué quiero decir con lo de Estética Integral? Si he de ser sincero suena a totalitarismo, y sin embargo, la Estética, que suele ser disciplina a toro pasado, en el siglo pasado ha conocido un resurgimiento furtivo mediante la gran abundancia de textos de los que invariablemente se presenta en sociedad cada manifestación artística en nuestros días.
Por Estética ni siquiera hay acuerdo, en su definición u objeto de estudio y la Teoría del Arte, como una Ley de la Gravitación Universal, intenta explicar tanto como consigue dejarnos con el polvo de las citas recurrentes, así las cosas, la cuestión es: ¿Existirá esa Estética capaz de asumir sus obras? O después de todo, ¿llegaremos a la vergonzante situación similar a la del niño que pillado in fraganti, siempre acaba por echar las culpas a otros, incluso a su amigo imaginario?
E Integral, por íntegra y holística en acto y forma, en palabras y efectos, en suma, eso que parece mentira, una Estética Ética. No es que proponga o sugiera que exista es que simplemente, nunca la habrá.
Si, pongamos el caso, un artista joven, en su soledad, se preguntara ¿qué hacer?, ¿debería acudir a esa estética que le rodea, o al pasado tal vez, en busca de guía?
Y esa es la verdadera cuestión, pocas veces desde nuestro más reciente pasado, el artista, como el de hoy en día, se encuentra cada mañana ante la gran encrucijada de hacer lo que se espera de él, o el reto continuo de intentar traspasar toda frontera, incluida la del miedo a fracasar.
Nada más tántalido, ver el fruto de nuestros esfuerzos en los demás, y sin embargo no ser capaz de llegar a poseerlos, por nuestros medios.
En esa soledad se halla el artista. Pero queda consuelo, para aquellos que una vez se sintieron así, no necesitan de ninguna Estética, ni del consejo de nadie, sólo recordar que otros antes de ellos, ya se sintieron así, se llamaban, Leonardo, Miguel Ángel, y una larga lista, pero no tanto…tampoco debemos exagerar.
Saludos a todos y a ti también, mi anónimo Lector.

DE la nada por llegar, ni la nada por servir, o de la nada por vivir.

2009-04-03T19:16:00.001-12:00

Llega hasta aquí el vasto rumor de la ciudad encendiéndose con el parpadeo de las miasmas ociosas de la noche muerta. Era casi imposible no saber que habiéndose acabado el tiempo de la suerte todo llegaría a tener el matiz de la superior modestia que el pasado ofrece a todo cuanto habita bajo su manto. Como las fieras enjauladas así las almas se revuelven entre si y las paredes de aire temeroso y desesperanzado que sólo ven quienes las sufren. Ascendiendo hasta las cavernas de los cielos más profundas las culpas de todos dejando en derredor el reguero restallante de la apología bajo los solares en que se convierten las certezas. Aquellas rafias de lacias melenas cual doncellas oleosas desplegarán su faz abrupta al vaivén de las horas atendiendo a su memoria de duelos fúnebres entre cantos de breve gloria y de la mano de galanes aún mas dolosos a lomos de carros enlucidos como sátrapas.

En medio de todos ellos mostrábase Ataraxia de negro exhalando cábalas y conjuros de innatos cipreses propios de su raza. Desde entonces en la noche y su ruido sólo se ven su lógico dorso, lápiz y tinta, para quien nada ve.

Saludos anónimo lector.

Del Remordimiento

2009-04-03T19:15:00.001-12:00

Si hay algo que debe asustarnos es la ausencia de remordimiento en las personas. De hecho, se nos hace difícil imaginar que haya almas o conciencias que no sufran por ese secreto escrúpulo. Creemos todos, que sólo afecta a los humanos de cultura judeocristiana, pero mucho nos tememos que el remordimiento es al Ser Humano como su sangre, nos recorre en silencio, pero su salida es casi siempre de tinte dramática. Al fin y al cabo, se podría decir que es un eterno inquisidor al que no convencen nuestras excusas, nuestros ruegos y disculpas, tal vez, la fuente del remordimiento no sea otra en su esencia, que una verdad simple, no podemos engañarnos a nosotros mismos, o al menos no para siempre.
En el campo de la política es frecuente la biografía de sus grandes dirigentes, sus memorias, propias o por encargo, léase hagiografías, y su patente falta de remordimientos, al menos públicamente; para ello se retroalimentan con los subterfugios de diferente calado, proporcionados, en muchos casos, por la distancia respecto de lo contado, si a esto le sumamos la muerte de quien pudiera recordar, y por tanto confesar, sus propios arrepentimientos, tenemos la memoria perfecta. En el mundillo de los artistas es más enojoso aún, buscar algo de este sentimiento en sus obras, actos y palabras. El caso de destrucción masiva de la obra anterior en un ataque de ira, y la regeneración completa de una determinada postura no dejan de ser anecdóticas. Porque, en la mayoría, todos ellos están encantados de conocerse, así mismos claro. Por un lado es elocuente anotar la falta de repulsa que genera entre los artistas el “no me arrepiento de nada” como membrete, sellando una alianza eterna con el propio camino; por el contrario, la persistente búsqueda de nuevos horizontes, se convierte es la "trayectoria", con mayúsculas y negrita, según quien la use. Imagen nada trivial de un desasosiego, natural por otra parte.
Siempre se puede argumentar que carece de sentido arrepentirse de una determinada obra que al fin y al cabo sólo es materia, pero decidir que ésta, sea reducida a sus componentes, sin sentido mas allá del mero deleite es como poco un mutis por el foro. Para determinados teóricos, todo acto estético es en sí mismo un acto político, y por tanto se le pueden exigir cuentas. Para otros la afirmación anterior es inadmisible de todo punto y el arte siempre estará por encima de todo. Pero las cosas no siempre son tan sencillas y en media res, se encuentran muchos de los artistas en activo, obligados a posicionarse, sea ello lo que sea, en medio de un mundo que exige compromiso, y responsabilidad a cada paso. Incluso entre los blogs, cada palabra es juzgada como si en ello se nos fuera la vida, por ello el silencio es a veces la mejor opción. Pero los blogs no son una forma de arte, y por tanto están exentos de este trámite, se podría afirmar y con ello evitar la cuestión. El ejemplo mas claro de todo este asunto se encuentra en algunas grandes obras del siglo XX, pero culminaría en la Guerra Fría del pasado siglo, en su momento de clímax,(o propiamente álgido, si pensamos en la amenaza nuclear), los artistas eran divididos en "comprometidos", y en los otros, los estetas, pero el compromiso se dividía a su vez en dos, o más opciones, y así, hasta rellenar cada casilla de un tablero, en el que las reglas acabarían saltando por encima de los jugadores.
Las cosas, o sea, los implicados, no parecen haber cambiado mucho, se han sustituido los epígrafes, y donde antes decía el Socialismo, ahora leemos Ecología, o cualquier otra permuta que se nos ocurra. Pero ahora lo revelador es la confianza en la justicia de las causas, en su benignidad y en un sincero altruismo. Lo que nos recuerda los reajustes, cuando no explicaciones o apóstrofes que muchos creadores que han sobrevivido a la caída del muro, que no del caballo, han hecho en la valoración de su propia obra con el paso del tiempo. Remordimiento, poco, explicaciones muchas. Tal vez con este mismo paso, los creadores de nuestro tiempo sientan esa desazón que no nos deja vivir en paz del todo, dentro de unos años, no por haber tomado una determinada postura o causa, sino por lo contrario, no haberla asumido, especialmente si fue la causa ganadora. Y aún así, la causa del arte siempre será eterna para muchos de los versátiles artistas, creadores y etc. Su defensa será su victoria, solo sea por que no les quedó otra. Saludos.
Nota: esta entrada se relaciona con la anterior de una manera intencionada. Y gracias Anteros por sugerírmela.

La Conciencia Dentro del Mal

2009-04-03T19:13:00.001-12:00

Hace unos dos meses escribí esta boutade: “Ya sólo me queda por ver una Palestina libre y democrática, para poder morirme... Después de la elección de Obama, es un decir.”
Los acontecimientos que todos conocemos me obligan a retomar el blog con una entrada que por necesaria, me resulta imposible no escribir. Hace poco leíamos el dato de cómo Stanley Kubric abandonaba un proyecto sobre la Alemania nazi tras la visión de La lista de Schindler, de Steven Spielberg. Y no sabemos cómo, una malvada idea pasó por la mente de quien ya no entiende nada por lo confuso y reiterativo que nos parece todo. Si hay algo de lo que tenga memoria como ella misma alcanza, es el llamado conflicto palestino-isrealí. Gracias a la visión desde que era muy pequeño del ya irreconocible Informe Semanal, y a una madre nada estricta con el uso que de la televisión hacíamos, los nombres y los lugares del conflicto, (sic), eran como mi particular Guerra de Troya, pero sin un Homero, para cantarla en versos que nos hicieran olvidar que aquello, en efecto, era una guerra. Televisión y hexámetros, no son una buena combinación.
La historia pequeña de lo que se nos presenta a través de los ojos, conformará gran parte de lo que pensaremos después, y que otros cuando ya no estemos sobre la faz de la Tierra escribirán como Historia ¿De verdad la visión de una película, considerado el séptimo arte, puede cambiarnos o transformarnos? Si el autor de 2001, Una Odisea del Espacio, consideró que el film sobre el Holocausto de Spielberg era definitivo sobre el tema, es algo que desconocemos, pero podría ser. Lo que nos lleva a pensar que tal vez el Pueblo Palestino necesita de la ficción cinematográfica de un gran maestro para ser rescatado de la historia y pase de una vez a la Historia.
Quiero decir, algo que ya escribí una vez, no entiendo como el pueblo que más sufrió, pareciera que nada aprendió… pero, es que una parte de los palestinos tampoco parece haber aprendido nada. Los descendientes o no, del Holocausto, construyen muros, para protegerse, el Ghetto es ahora asumible, pero la consecuencia paradójica es el estrangulamiento mortal del débil estado palestino. A la guerra-conflicto, en tan desiguales condiciones, llamarla guerra o no, no resucitará a los muertos de cualquiera de las partes, al uso de esa violencia desmedida, independientemente de la cantidad de muertos o la tecnología, se le unirá como una última broma macabra, el desigual trato que dará la Historia a los diferentes pueblos que llevan derramando sangre en la tierra en la que nació un dios. !Señor nuestro, líbranos de vivir en la tierra en la que naciste!
Desde hace tiempo el cine se ha abierto a las otras visiones de la realidad, las intrahistorias de los verdaderos protagonistas de las guerras, y del terrorismo, pero falta el poso que nos deje ver con claridad qué pasó realmente, y para formar ese guano de cadáveres sin valor para los anales, se han de verter muchas vidas inocentes, pero toda vida es inocente, no así los actos. Como vemos ni el arte antiguo ni sus nuevas formas de representación o de recuerdo, son capaces de evitar la disparidad en la injusticia de nuestras emociones. Al leer a Homero, los troyanos nos parecen mas kalos kay agazos, por decirlo así, que los mismos aqueos, pero lo que no podemos permitir es que nos deje insensibles, tanto, que nos impida, no ya, saber la verdad, sino ni siquiera querer intentar buscarla.
“La conciencia dentro del mal.” En palabras de Buadelaire. Pero irradiado a un mal no personal o privado, al otro mas incierto y monstruoso por anónimamente compartido en el silencio. Son muchas las guerras, o las desgracias el mundo, quien quiera saber de ellas no tiene más que ponerse en contacto con Human Right Watch, Amnistía Internacional por citar las más conocidas.

Saludos amargos, estimado y anónimo Lector, en este año nuevo en que nada ha cambiado, de color…¿ o si?

De los Seres queridos

2009-04-03T19:11:00.001-12:00

De los seres queridos:

Vuelo por mis pagos y reinicio la escritura de esta carta, esperando tus noticias. Hoy al cruzar la Plaza, me acordé de ti. Manolo Valdés ha instalado sus figuritas desmesuradas en la Plaza Mayor de esta ciudad, que tiene en algunos de sus dirigentes, a los más incapaces de la museística nacional. Arte en la Calle. Esculturas monumentales. Arte más bien poco, la Plaza no es lugar para monumentalidad más bien por su propio carácter, de artificiosas citas a la Alta Cultura. Manolo Valdés, es un esteta culterano, pero la vida no aparece en sus obras. La vida hace ya tiempo que se esfumó del arte, y a lo más que llega en ocasiones es a desvelar un poco de cada uno, o algunos, pero de tan críptica manera que el jeroglífico, si divierte, no aplaca el interés de haber sido capaz de despertarlo. No muy lejos de las esculturas llamadas monumentales, no muy lejos decía, se pueden encontrar entre los abigarrados fetiches que toda tienda para turistas ofrece, una interpretación de las mismas meninas, que el propio Valdés ofrece orgulloso, esto es una suposición, en su versión de diferentes tamaños en un total de siete.
Es fácil deducir que la atención que ha prestado el arte popular, (sic), y comercial hacia la figura de La Menina, hasta convertirla en un pseudoicono, se deba precisamente, a la labor del artista valenciano. Pero existe en ello una ironía de valor ejemplarizante. A veces el amor excesivo acaba por degradar al objeto de nuestra devoción. Son tantos los perfiles de mujeres con guardainfantes, que acaban por hastiar al más fanático admirador de Velázquez. Especialmente porque para la generalidad del público no se diferencia a meninas, reina e infantitas entre tanta falda. Y la anécdota de una línea, se trasforma en sello personal quedándose en eso, en mera efeméride de un transcurso pictórico y estético, frecuentado hasta la indolencia, y aquello que debió ser puntual, es rutina y más de lo mismo, hasta cuándo dios quiera…De entre todas las esculturas, la dedicada a recordar, comillas, a la Odalisca, no sé si la gran o la otra, (tal vez sea matessiana y aún así) es quizá la más decepcionante, para estos ojos. Y me ha atraído a una idea. Han sido muchos los intentos por representar y extraer una lección escultórica de la pintura de Ingres. Y sin embargo es una empresa irrelevante. Nada es capaz de transmitir el misterio de Ingres, porque su línea es de una sutileza, tan propia de la Pintura absoluta, y por ello mismo incapaz de sobrevivir fuera de ella. Ingres es mucho más que una feliz solución, y desde luego no puede ser una excusa. Hecho este que se repite crónicamente en la trayectoria de pintores y artistas, los innúmeros Inocencios décimos de Bacon, por recordar a quien es ya de todos conocidos, no alteran más que la visión de la obra original con su propuesta aleatoria: nunca una aspiración/inspiración puede reemplazar la autenticidad.
Las obras de arte sufren el olvido, pero su evocación continua por parte de otros artistas, puede acabar con su paciencia y la nuestra. Los homenajes son un flaco favor en el más inocente de los casos, y el silencio siempre es una opción. Por ello la verborrea, sobre todo estilística, provee de estampados a pañuelos, gorras y camisetas. Las poéticas alusivas adolecen de la autojustificación identificativa, de carácter otorgado por la mímesis historicista, y es tanta la apelación a los Maestros que a la postre, el padre/modelo y epígonos, citas y respuestas (muchas de ellas “a la tebaida” se diría) deviene en la luz de la Luna, fría y gélidamente insípida, porque ella es una roca muerta, solo refleja la del astro que la ilumina, concediéndola todo atisbo de su existencia (romántica) entre nosotros, sus narradores. Tanto trabajar con la forma, para hacer olvidar que el espíritu es lo único no maleable.
En realidad, te diría, que sí disfruto de las obras de Valdés, me resultan mucho más agradables que los cachivaches que detesto con el mismo fervor con que algunos se empeñan en mostrar, pero un regusto amargo, para algunos seguramente de “amargado”, me llega a la boca, al contemplarlas, ese sabor de la fruta moderna, tan apetitosa como frustrante al primer bocado. Llegados a este punto me despido de ti, pues esta cantinela ya la conoces, de sobra.
Nuestros, sus “seres queridos”, en esa constante acabamos todos por ser como la abuela de un entrañable tebeo de mi infancia, Agamenón, de Nené Estivill en Tio Vivo, que siempre acababa con esta frase: “ igualico, igualico, quel difunto de su agüelico” Lo dicho se feliz y escríbeme pronto.

A veces, la vida sí nos sorprende...para bien

2009-04-03T19:08:00.002-12:00

Ya sólo me queda por ver una Palestina libre y democrática, para poder morirme... Después de la elección de Obama, es un decir.
Saludos, anónimo paciente y tal vez virtual, Lector.

Y ahora la explicación. Sobre lo que podría haber sido esta entrada y ya no lo será.
La noche en que Obama apareció ante el mundo sabiéndose Presidente Electo, pensé en contar cómo para la gente de mi generación, (todos tenemos una, aunque no sea especialmente famosa), educados en la sentimentalidad de la series televisivas del tipo Raíces y Holocausto, en contar cómo, decía, dicha elección venía a cerrar el círculo abierto con la caída del Muro…Pero pensándolo mejor, en realidad, uno se percataría en seguida de que aún son muchos lo flecos de la Historia que cuelgan sobre nuestra memoria frustrada. Pensé en enlazar todo ello con ese escenario de teatrales figurines, donde la tramoya dialéctica es armada en banderolas gigantescas: la Refundación del Capitalismo y similares frases de supuesto calado mediático.
Hasta intentaba divagar con el otro ambiente que, en principio hubiera tenido más relación con el supuesto objeto de este blog, el mundo del arte, hablando de la crisis que afecta al patrocinio y el mecenazgo, o de cómo ya casi nadie está interesado en arriesgar dinero en experimentos de dudoso gusto. Divagar para sugerir que en el pasado las crisis económicas o sociopolíticas no acarreaban inmediatamente una situación similar en la producción artística. Sugerir como a veces la bonanza trae autosatisfacción. Y a veces, las crisis, tampoco traerán más claridad. Pensé en unir a todo esto, algo sobre cómo las imágenes son más tenaces que la realidad, y al recuerdo de presidentes negros en películas de Hollywood, sumar las imágenes del arte político que durante años ha impulsado la creación de un nuevo imaginario colectivo, recreando una realidad histriónica pero verosímil, en un uso hábil de los recursos de la propia existencia platónica que son los mass media.
En fin, que podría haber hablado de ello, pero me daba pereza y un poco de vergüenza ajena: Al final todos hablamos de lo mismo…¿ O no ?

Epílogo

2009-04-03T19:07:00.002-12:00

Hoy supe que había olvidado el nombre de Masaccio. Fue ayer, frente a una reproducción de su Expulsión del paraíso, que no pude dar con su nombre en el tumulto de cosas que sí recordaba, la iglesia del Carmine, la capilla Brancacci, y Masolino, pero él, el autor, era una barrera infranqueable para mi mente, anónimo y sin embargo presente en la sucesión de obras que se apilaban tras los epígrafes y nombres, decidí dejarlo estar. Cuando al despertar de los ojos, mi cabeza ha comprendido que ya era de día, el nombre de Masaccio apareció orlado de la tranquilidad apócrifa que nos da la luz de una mañana por cumplir. Tras comprobar mi olvido, que no error, pues no discerní a dar con otro nombre para el artista, resolví achacarlo a la edad, y sin tranquilidad de ánimo, como es mi costumbre, acabé escribiendo esto, no sin antes releer entero un librito sobre Masaccio.
Más tarde, entre una leve conclusión de agotamiento o de simple lapsus memoriae, al barajar las causas, y no conforme con tal dictamen, pensaba en todo lo que había olvidado, y que por tanto ya no sabía, y aterrado por la pleonástica severidad de toda consecuencia posible, determiné comenzar a meditar en la propia ruina aproximándose sin pausa en cada olvido.
Al final me percaté de otra cosa, esta entrada estaba destinada a comentar un prólogo del último libro que había pasado por mis manos. Pero la vida, querido lector, es más grande que los blogs, ¿verdad, Anteros, Magenta, Marga…?
Saludos anónimo, como amable Lector.

Del dolor magníficamente pintado

2009-04-03T18:57:00.005-12:00

El artista, no ya tan adolescente, para quien no lo recuerde podrá encontrarle en una entrada anterior, deambulaba, pues él no daba vueltas como el común de los mortales, una tarde de primavera bajo la lluvia por las calles de la urbe que todos llaman Madrid. Como no había conseguido dar con el tema de su nuevo proyecto, desde que acabara su famoso patíbulo, se enfrentaba con el terror producido por el lienzo en blanco, que en su caso se traducía como el síndrome llamado de la cabeza vacía. Tiempo ha, había pasado por El efecto Grünewald sin querer reconocer el pequeño seísmo que le había trastocado por unos breves momentos, los necesarios para no seguir pensando en ello sin alterar su aspecto. Sin embargo como nada sucede por azar y de pasar esto es necesidad, los posos de aquel acontecimiento dejaron un aviso de futuras secuelas cuyo alcance estaba lejos de imaginar. Y otra vez, el destino que tiene más de niño juguetón que de sabio anciano, le alcanzó en forma de pasquín. Bajo sus pies, ya en el metro recogió un papel. Leyó:“Él está muerto por tu culpa” La imagen, no era del todo ajena, pero recogió el folleto pseudo religioso y esperó a llegar a casa y despojarse de sus negras lentes, para buscarla en el google. Se trató de la reproducción del Cristo muerto sostenido por un ángel o Ángel sosteniendo a Cristo muerto, pues lo de lo nombres es cosa para doctores. Su perspicaz mirada se detuvo inmediatamente en los ojos lóbregos del ángel, de no haber sabido por el buscador de quién era, podría haber jurado que era obra de algún japonés y no de Antonello de Mesina, pero sus juramentos tenían escaso valor en esa materia. Pero, las preguntas, que se hacía a modo de particular análisis de la imagen establecieron un puente entre su desdén por el arte antiguo y la ineluctable necesidad de encontrar el concepto para su nuevo proyecto. Decidido a cruzar con paso firme, se sentó a mirar.
El artista, no ya tan adolescente, encontraba que la oscura mirada de aquel ser dotado de hermosas alas de ruiseñor, pues así lo juzgó, le daba un mensaje a descifrar. Poco podía imaginar que la respuesta no estaría de por sí en su cabeza, pero esto nunca fue un serio problema, para quien estaba lleno de certidumbres, cosa rara para su edad, pero que él llevaba consigo con su elegancia acostumbrada. Merodeando en torno a la fuerza de la tabla, creía entender el mensaje de violencia implícita en el asunto tratado por el Mesinés. Dábale pistas el ángel, y hubiera creído, de haberlo siquiera sospechado, que la piedad se había trasformado en una alegoría de la infamia humana, al mostrar a un ser divino ofreciéndonos nuestra maldad en un estado ahistórico, devolviendo la autentica naturaleza en el cuerpo de la más inocente de las víctimas a nuestra conciencia. Con aquella ciudad al fondo de las figuras, que en realidad era la Jerusalén Celestial, que humillaba aún más si cabe nuestra cortedad de alcance entre el sentido de lo figurado y sus consecuencias. Poco o nada le importaba la excepcional calidad de una pintura, milagrosamente bien conservada y que se había convertido en una de las joyas de El Prado. Más bien nada le decían la maestría de la conjunción de las dos expresiones pictóricas en la tabla, la plenamente italiana y la venida de Flandes de las manos de un pintor tan elogiado por sus retratos. Poco, y nada le decía en realidad el magnífico alegato estético de aquella pequeñísima tablita.
Creía alcanzar a entender el significado último de la obra pero sentía que se le escapaba de entre los dedos el provecho que él siempre sabía extraer de tales obras. El artista, no ya tan adolescente, comenzó por poblar su imaginación con seres de todo tipo que sostenían a su vez a otros seres de indistinta naturaleza, y así sus piedades mundanas, iban formándose con las figuras de una mujer de mediana edad aguantada en los brazos de un ser medio hombre medio cerdo, una especie de minotauro porcino, con la mirada humanamente lastimosa. Toda especulación sobre la naturaleza de la violencia y su representación fue apartada de su mente y endosada figuradamente para una posterior conversación con su amigo el crítico de moda entre los jóvenes de la capital mas chic del arte, y en ello andaba su mente cuando de entre sus resortes de frágiles apoyos, el terrible dolor de cabeza que de tanto entraba en su vida, reapareció para recordarle que el dolor no nos enseña nada, a ninguno de nosotros, la causa del mismo tampoco. El artista no ya tan adolescente, sabía que el provecho e interés de la representación de la violencia era proporcional al precio y al escándalo que suscitan entre los medios sean estos especializados o no, con su mercantil precio, el peculio se mudaría en el postrero mensaje de un mundo donde hasta los mártires de hoy son los heréticos del mañana y de los que hacer apostasía no es más que un ciclo natural del juego infame que todos practican. El Cristo muerto de Antonello se perdió una vez más entre las olas de papeles sin importancia para dormir el sueño de los justos, en aquella noche sin fin de la mente del artista no ya tan adolescente como a él le gustaba hacer creer.
Saludos anónimo y paciente Lector.

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Cristo_muerto_sostenido_por_un_%C3%A1ngel_de_Antonello_da_Messina.jpg

Ceder La Palabra

2009-04-03T18:53:00.004-12:00

« Sin embargo aquella experiencia de recuperación, de reactivación de la vitalidad de la obra y su energía, apunta a enfatizar la necesidad de destacar la dimensión "micropolítica" de la obra de performance: su interacción con el espectador y los participantes en el momento de su realización y la convicción en que esa relación, ese intercambio dinámico y de tiempo limitado con el espectador eventual o el publico participante es decisivo, transformador e insustituible, y que su registro es solo su proceso distinto, su acción paralela, alterna, no medular. El museo debería ser una caja de resonancia de ambos ámbitos. No disolver esa dimensión intersubjetiva, esa micropolítica de intensidad que el documento normalmente congela en una puesta en escena que se vuelve un evento cultural y un espectáculo que corre el riesgo de hacer de la propuesta critica una escenografía que, dentro del sistema, pierde su poder desestructurante»
Emilio Tarazona. Teto extraído del Blog Arte Nuevo. En esta dirección http://arte-nuevo.blogspot.com/2008/06/arte-vida-libro-y-museo-del-barrio.html

En la entrada anterior sometimos a los amigos a una pequeña maldad. No existe ninguna exposición Blattodea. La entrada es una broma sobre la crítica de las exposiciones al uso, así como una recreación no inocente de obras y autores, que con un poco de imaginación son reconocibles, un ejemplo, el artista Daniel Herst y su obra, son una parodia de y cito: « Damien Hirst, llamada "Mil Años". Un contenedor de cristal en donde una cabeza de vaca es devorada por moscas que salen de sus larvas; comen y mueren electrocutadas por un mata moscas electrónico. Mostrando así el ciclo completo de la vida, desde la gestación hasta la muerte; larvas que se convierten en moscas, que devoran al animal muerto, vuelan y mueren electrocutadas, convirtiéndose en alimento de otras larvas.» fin de la cita fácilmente accesible en http://www.revisarte.com/2007_08_01_archive.html y que demuestra que la información está multiplicada por doquiera que uno mira.

No obstante, debemos reconocer que el texto es de una candidez pueril en comparación con los discursos habituales en el mundo del arte que se llama así mismo contemporáneo. El texto que presentamos al comienzo, está extraído de un blog enjundioso, como su autor, que responde así en el perfil en otro de sus blogs: Emilio Tarazona(1975). Curador y crítico independiente. Ha publicado el libro La poética visual de Jorge Eielson (autoeditado, 2004) y Accionismo en el Perú (1965-2000). Rastros y fuentes apara una primera cronología (ICPNA, 2006). Así como numerosos ensayos. Entre ellos: “Iniciativas de monumentalidad y rituales de conmemoración” (En: Homenaje a Anna Macagno. I Coloquio sobre la escultura peruana del siglo XX, PUCP, 2003); “El Grupo Chaclacayo: marcas de la violencia por debajo de la piel” (En: La generación del ochenta: Los años de la violencia, ICPNA, 2003; y en: Arte Marcial nº3, abril, 2005); “Cesar Moro: Notas sobre poesía, plástica y vanguardia en el Perú” (En: César Moro y el surrealismo en América Latina. Universidad de San Marcos – AECI, 2005); “Poesía de la forma, el color y lo tangible. Breve trayecto por la obra de Jorge Eielson” (En: Jorge Eielson. Teknoquímica 2004, ICPNA, 2005). Es autor también de varios otros textos en revistas y catálogos de exposición y eventual colaborador del suplemento Dominical del diario El Comercio. Por lo que vemos no es un don nadie como el que esto escribe.

Pero por lo que leemos es alguien que debería saber lo que dice, luego si no le entendemos, aquí es necesario reconocer que entender y comprender no van de la mano, no es por una falta de valor, o de capacidad, sino más bien de interés. Y para acabar: otra maldad: en resumen viene a decir que: la gente se siente afectada por las performances…y que el museo debería... en fin, saquen ustedes sus propias conclusiones.
Saludos, paciente, amable y anónimo Lector, Lectora y lectores y lectoras, y lectoros y lectoris...

Blattodea. De Visita Obligada

2008-06-06T21:56:00.002-12:00

De visita obligada. Con esa frase en la cabeza, que no en el ánimo, abandona el visitante la exposición que con el título Blattodea, podrá contemplarse en el Foro Art XXI, hasta finales del otoño próximo en esta fría ciudad de Brassenburgo. Su curator, Sir Mikel Chridular la ha definido como la muestra definitiva. Una mirada reflexiva en torno al Apocalipsis y su encarnamiento en la cultura finisecular. Un ejercicio de la conciencia que busca enfrentar al espectador y visitante a sus miedos y esperanzas. Dice el tópico paracientífico que sólo nos sobrevivirán las cucarachas. Será por ello que dentro de miles de años, las civilizadas cucarachas, con su tecnología y su cultura, encuentren en las obras de esta muestra, en caso de ser preservadas del mal del tiempo, el origen de su religión. Y tal vez, se pregunten qué extraños seres fueron los autores de sus ídolos y qué razones les movieron a ello. Nosotros también lo hacemos, sin necesidad de esperar al fin del mundo.
Al entrar en la exposición un gran vestíbulo tachonado de miles de cucarachas de plástico, de infinitos colores, nos recibe; cada una de ellas está numerada, y su disposición, solo tiene una norma: ninguna de las pequeñas criaturas puede tener a su lado una compañera del mismo color. Suponemos que detrás de ello hay un sencillo algoritmo matemático, pero la intención parece ser un alegato a favor de la biodiversidad cultural, en palabras de su autor, el artista mexicano Diego Ogitotzlean y las fuerzas que se lo impiden, de ahí los dígitos. Una vez pasado el controlado abigarramiento inicial, las diferentes salas de este palacio margrave, son un encadenamiento, de especulaciones y derivadas posibles en torno a las Blattodeas, y aunque en algunas de las obras expuestas su presencia sólo es perceptible por la intención del creador, el público sensible debe armarse de un antiemético sentido del deber, para finalizar el recorrido propuesto.
De esta forma, con los ojos abiertos y el estómago sellado, asistiremos a la instalación mas efectista de la muestra. Un gran cubo transparente habitado por cientos de cucarachas, que en un ambiente de humedad, calor y semioscuridad controlados se afanan unas, por salir, otras por comer y la mayoría por esconderse entre paneles que el espectador puede mover a su antojo con solo pisar un pedal. La obra es Finalcubettle, la propuesta del artista británico Daniel Herst. En la línea de algunas de sus últimas creaciones, este influyente personaje del arte contemporáneo, parece haber caído en un cierto deje sistemático de medios e intenciones en esta propuesta, pero el efecto es de una crueldad tan actual y acomodada como el aire que respiramos cada día. En una de las salas más concurridas , tal vez por la ligereza de sus obras podremos descansar de interactuar tan perversamente con los pobres insectos vivos. Un delicado mural de terracota pintada es el soporte para las cucarachas de cristal de roca del siempre manierista Ralf Moons. A modo de diorama, sobredimensionadas y titilantes, las vemos emerger con sus antenas y delicados ojos compuestos, en un desfile que recuerda a los biombos chinos en su detallista disposición. Enfrente, la gran cucaracha vestida de terciopelo azul del Neoyorquino de origen italolapón, Ino Cattenari, parece una invitada de lujo, propia de la inauguración de la muestra, con sus sugerentes extremidades cruzadas y sosteniendo un ejemplar de Vogue, con ese aire de disciplinada indiferencia que tanto gusta a las damas de oscuro pasado.
El eco de la video instalación de Wiliam Chelo, Cockroaches Cross nos reclama y en la crucifixión de la cucaracha encontramos una más de las opciones que la imaginación, no tan infantil como nos gustaría pensar, se afana en demostrar la infinita capacidad de perversión de la que dispone el artista moderno con tal de sorprendernos o hacernos rumiar “la conquista de la norma frente a un lenguaje alienante“ en las palabras de catálogo, elaborado por su comisario. Al entrar en la sala dedicada al artista alemán Bras Ikerman, la interdisciplinaridad de medios y sus posibles renuencias son abandonadas ante el universo de slugs y seres de todo tipo, creados por este gestor de multimedia capacidad y reconocido prestigio. Debemos detenernos a contemplar un ejemplo de humor pop en el cuadro de gran formato y factura clásica de los españoles Morteden and Filesmoon, donde la emblemática obra de El Greco, El entierro del Conde de Orgaz, se ha consubstanciado en un friso de figuras insectaloides y el negro de cochinilla parece más vivo que nunca.
En el patio interior, entre mares de flores de un color blanco inmaculado un ejemplar de cucaracha americana, como es también conocida, de tamaño colosal (compuesta con moldes industriales desechados) de la escultora Francinne Prolétois nos vigila, imperturbable a nuestros miedos y terrores, en su acerada contundencia parece flotar sobre sus seis patas como si de un danzante maldito y medieval se tratara. Al cruzarlo, nos adentramos de nuevo en territorio a la page con formatos de video y fotografía, maridados con soportes más tradicionales, pero de similares contenidos como el omnipresente tema exige. El libro caja de Fernanda Tapioca, asombra por su “organicismo transversal, dualmente significador de la contradicción interna” citamos de nuevo el catálogo. El minimalismo más o menos conceptual, aparece en la obra de Charly Mountainrange, con unas afiladas patas de filiformes cuchillas que surgen de un muro de negrura sideral.
Abandonamos la muestra, y no podemos dejar de sentir y de oír el ruido de nuestros pies al pisar a uno de estos seres en nuestra cocina…la repugnancia se disfraza de un narcisista sentido de la evolución, y esa confianza en que la selección natural estará siempre de nuestro lado, nos persuade para no continuar pensando en ello.
Saludos anónimo y paciente, Lector.

La Soledad. Manual de uso

2008-05-06T23:54:00.002-12:00

La soledad no es nunca como nos la cuentan. Con frecuencia, leemos cosas acerca de la soledad del Artista, que parecen el colmo de la presunción, cuando no de la ignorancia. Se considera que el artista que trabaja en soledad adquiere un status de mística elocuencia. Por ello, y a la contra, surge a veces la pareja o el grupo, o sea la colaboración, cuando no la tribu. Desde las vanguardias, el arte ha tenido la oportunidad de ser una muestra de las dos manifestaciones, polarizando así las tendencias, entre el grupo corporativo y el ente solitario de rareza inusual. Si bien no existe el taller, como antes, el artista que aun trabajando solo en estudio, pertenece a un colectivo, reivindica la socialización de su trabajo. El grupo suele gustar de artistas con tintes revolucionarios, mientras que lo conservative, apadrina al solitaire, esto por regla general, pues los críticos no pierden la ocasión de reunir a los artistas en teorías de grupos, para uso de manual y su mayor eficacia descriptiva. Pero existe un nuevo taller…. Es el del artista genial con una incapacidad manifiesta para la realización de sus ideas. Por ello necesita de un gran estudio de gentes y artistas, que como una atelier de moda, hagan posibles sus genialidades. No son Rubens, ni Tiziano, donde el problema de la mano, vuelve loco a los entendidos, no; son los a veces conocidos como transformadores de la realidad. ¿Qué realidad? No la social, no, ni ninguna otra realidad, pues lo que se observa en su trabajo es que cambian si, pero sólo es la materia y la escala…Todos conocemos ejemplos, el de Jeff Koons, basta para ilustrar como la bobería se reproduce en todo tipo de materiales y tamaños. Y sin embargo, empieza a ser preocupante que desde un tiempo para nuestros días lo de la escala, afecta a artistas que deberían haberse guardado de tales inventos.
La monumentalidad no se consigue por la simple reproducción a escala de un objeto… ni son monumentales las esculturas de bronce de Botero ni lo serán las cabezas gigantes de Antonio López, como no lo hubiera sido el calceto de quien todos recuerdan. El Caballo, de Leonardo, lo era por la intensidad de sus estudios y los problemas técnicos a solucionar, pero no por su tamaño en si mismo.
En todas las épocas el artista ha necesitado de colaboradores cuando de llevar a cabo grandes tareas artísticas se trataba, pero el esfuerzo gastado hoy en día para la puesta en marcha de la mayoría de las supuestas obras que vemos, resulta inútil. Ya se trate de complejos armazones audiovisuales o de simples toneladas de bronce fundido, el paisaje del arte es hoy más que nunca de una soledad habitada por moles de fugaz recuerdo o de simple inocuidad semántica, pero eso si, decoran, y hasta les hacemos fotos. “El arte necesita o soledad o miseria o pasión. Es una flor de roca que necesita del viento áspero y del terreno duro.” Alejandro Dumas, hijo, decía esto como podía haber dicho que el arte necesita el espacio suficiente para un perro de 50 metros cúbicos, por decir algo…
Saludos anónimo lector, y de verdad hoy más amable que nunca.

Tesis: emociones nórdicas y estampadas consecuencias.

2008-05-06T23:50:00.004-12:00

El comisariado artístico y cultural tiene en la exposición o muestra con tesis, una de sus más significativas propuestas. Suele este evento repetirse con frecuencia en los últimos tiempos, y todas tienen una cosa en común: una teoría o idea panegírica y hagiográfica con intención pedagógica o ilustrativa de la más peregrina e inopinada especulación que la imaginación moderna pueda sustentar. Avalada por críticos y expertos de todo tipo, la argumentación es revelada con obras, de toda laya, época o condición, sin olvidar, el hecho de que la disponibilidad de dichas obras es un factor limitador, si bien la inserción de cualquier obra de un autor relevante para la demostración de la tesis, suele suplir esa falta de presencia de la obra significativa que nos aclararía a todos ese destello clarividente y numinoso, a decir de los cursis, nosotros incluidos, de verdades ocultas... Esto del arte es como el "I want to believe" de Fox Mulder, sólo es necesario querer creer y la mente y el espíritu se nos llenará de verdad, paz, sentimiento e inteligencia, para comprender el arte contemporáneo... la última muestra de este tipo de la que tenemos noticia es "La abstracción del paisaje, de la Fundación Juan March, en Madrid, reproducimos las notas de presentación: Inspirada en la propuesta del célebre historiador del arte Robert Rosenblum (1927-2006), La abstracción del paisaje. Del romanticismo nórdico al expresionismo abstracto reúne 124 obras sobre papel de 26 artistas europeos y norteamericanos desde Caspar David Friedrich hasta Mark Rothko, y también de algunos europeos contemporáneos como Anselm, Kiefer y Gerhard Richter, que mantienen en su obra una peculiar relación con la herencia romántica"
Es una recurrencia de la defensa del arte desde ¿vanguardia? la reiterada y simplona idea que sustenta la supuesta unión, o las hipotéticas raíces de los más modernos de los modernos con la tradición... o se está conmigo o contra mí... si odiamos la pintura de caballete no es de recibo buscar ancestros que seguramente el artista odiara, rehuyera o simplemente ignorara, por no ajustarse a cánones modernos. Es el mismo tema de Picasso y la tradición, otra reciente exposición con tesis. Si admitimos las ideas de fondo de todas estas muestras, el verdadero asunto radica, en desenmascarar qué han hecho estos artistas con la tradición. Tener cierta cultura visual del pasado no es materia que por si misma sustente y sobre todo garantice, el valor último de las obras de los creadores que por el mero hecho de haber vivido después son negociados y exhibidos como paradigmas de nuestro mundo y nuestra sensibilidad. Las peculiares relaciones tan prolijamente descritas no pasan de ser meras asociaciones... Pues con el mismo argumento se podría decir que el grafismo de la pintura románica inspira el comic moderno, y la policromía del mundo antiguo el abigarramiento de Disneyworld, por citar ejemplos al albur del imaginario moderno. Llamativa es desde luego, la insistente y aburrida manía de los nuevos vasaris en señalarnos a todos la validez de un arte y unos artistas que eligieron hacer lo que hicieron sin declarar las fuentes de su inspiración, más bien todo lo contrario, la originalidad era premisa obligada para todos.
Para muestra una cita de Robert Rosenblum "En Number 1, 1948, de Jackson Pollock, nos sumergimos en la furia divina tan inmediatamente como nos empapamos en el mar de Turner; en ninguno de los dos casos está provista nuestra mente de instrumentos de navegación" Pero ¿quién necesita brújula si tenemos la guía de un crítico que nos dice lo que tenemos que ver en una mancha? Curiosamente dicho especialista nos insinúa qué lo que vemos en la abstracción son cosas como lo "sublime" lo "infinito", pero nunca vemos a nuestro abuelo hastiado de su vaca, esperando que la diñe para comprarse otra. Una cita más: " Y a medida que estudiaba la historia del arte, empecé a observar similitudes entre la apariencia de estas obras -y las emociones que provocaban en espectadores como yo- y otro arte del pasado que conocía y que estaba empezando a estudiar a fondo" dice Rosenblum en una entrevista a propósito de cómo llegó a interesarse por el tema de las similitudes. La clave una vez más en la subjetividad. Emociones personales que aspiran a convertirse en las verdaderas "emociones" y sobre todo significados de las obras que por decirlo de una manera neutra no reclaman de nosotros precisamente un conocimiento de la historia antigua para identificar su tema, y cuyo significado, es en suma, una labor para el espectador...por mucho crítico que se empeñe en decirnos lo que tenemos que ver y sobre todo, sentir, delante de las manchas de Rothko & company. En fin, como no queremos repetirnos, que dios reparta suerte para todos ellos, con la ayuda de los santos críticos e historiadores y especialistas conocedores, quien no llega al cielo de la gloria es porque no quiere.

Saludos, anónimo, (esto cada vez es menos verdad, pues es de todos conocido quien lee este blog, dos personas a lo sumo), Lector.

Estrellas en los ojos

2008-05-06T23:48:00.002-12:00

Al levantar la vista en una noche estrellada en mitad de la nada, lugar éste, sin duda alejado de toda contaminación lumínica y civilizadora, el ojo humano recibe la información de un pasado que es parte de la historia de cada uno de los átomos de que está compuesto tanto el órgano como el medio en que se capta dicha información. La luz de nuestra estrella, oculta por unas horas es el pasado más cercano, el resto es pasmosamente anterior. El tiempo humano no se comprende en términos astronómicos, es ridículamente terrestre, una hora, un día, un año... Cuando miramos al cielo, la humildad debiera ser la primera de nuestras reacciones, el asombro, lógico y sin embargo elaborado, viene por la reflexión inevitable.
Algo similar debiera sucedernos ante las obras de arte.
Saludos anónimo Lector.

De muertes y Silencios

2008-05-06T23:45:00.001-12:00

El siguiente texto es una aportación a un debate establecido en el Foro Cultura, de elpais.com, y si viene a este blog, es por la claridad meridiana con la que se expresa un sentimiento, que parte de un juicio tan válido como cualquier otro, respecto de la distancia establecida entre el mundillo solipsista del arte y un gran número de personas guión espectadores, que son y han sido, la conciencia no sobornada de la modernidad triunfante, que como la Bestia, proyecta su siniestra sombra sobre la verdadera naturaleza de las cosas. No creemos que a su autor, lestatbcn, pueda molestar la cita de sus palabras.
«Yo soy un amante del buen arte( Leonardo, Rafael, El Bosco, Petrus Christus...) y me imagino a cualquiera de ellos pensando así:
- Qué maravillas deparará la evolución del arte dentro de siglos. Cómo me gustaría viajar en el tiempo y llegar más allá del Siglo XX para contemplar las maravillosas construcciones, pinturas, esculturas... que se habrán creado gracias a los avances artísticos.
Para a posterior llegar a cualquier museo donde expongan arte contemporáneo, se desmaya al instante del shock. ¿Es que en realidad hay gente a la que le gusten los cuadros que ni los niños saben hacer a propósito peor?¿o solo los compran por su revalorización promovida por unos cuantos interesados? Mi padre dejó en un museo un zapato y la gente lo miraba y pensaba que formaba parte de la exposición, y en serio que no desentonaba. Y allí se quedó días sin que nadie se diera cuenta.»
Reproducimos la respuesta a dicha reflexión, producto de la espontaneidad del momento, a buen seguro apresurada. A todos aquellos que ya apartan su nariz de connoisseur, pueden respirar tranquilos, este no es lugar para ellos, tan felices en su nube de dulce algodón, etérea y pegajosa, empalagosa vianda de feria trashumante a la caza de su victima en forma de beato asentimiento, en el gesto y en el recogimiento de juicio.
«Grosso modo: Aceptando arte como concepto utilitario, y compendio del conjunto de manifestaciones que engloban su acepción. En esencia la pregunta ¿Ha muerto el arte?, es una paráfrasis de la cuestión ¿Ha muerto el Hombre?. Para demarcar más, ¿ha muerto alguna de las capacidades o habilidades que una vez se definieron como artísticas de los seres humanos? Todo ello, encuadrado en el horizonte del ciudadano occidental, de lo contrario, los cerros no acabarían nunca. Antes de apresurar una respuesta, deberíamos ser capaces de contestar a otra, mucho más sencilla, ¿Ha muerto, o queda algo de la capacidad de empatía del público ante la obra de los artistas?
En realidad, deberíamos circunscribir aún más la cuestión: ¿qué es exactamente aquello que compramos a un artista? Cuando, como es el caso, cada vez más frecuente, en los últimos tiempos, una institución pública compra una obra que nadie quiere, y jamás compraría, ¿ante quién debe dar explicaciones? Si es un particular, la cosa es muy simple, quien paga mucho por algo que los demás consideran de un dudoso valor artístico, se debe sin duda a que es dueño de un excedente tan material, como efímero, el dinero; por tanto, compra un valor "extrínseco" a la obra pero no artístico: la capacidad que proporciona el placer de poseer un status, que le garantiza su posición, pero que debe estar acompañado por el gusto estético, que lo confirme ante los demás. Este valor añadido, que en nada tiene que ver con el arte, es el reconocimiento por parte de los críticos y el mercado de que la obra contiene en sí más de lo que los demás vemos. La institución pública, no es un ente, y por ende, no es ajena a las mismas pasiones, bajas especialmente, que el resto de los mortales.
La política de adquisición es en suma, una cuestión de grado. ¿Cómo se ha llegado a esta situación? Por cobardía. Si alguien nos quiere vender un gato muerto y lo "compramos", como si fuera una obra de arte semejante en valor e importancia a la piedad de Miguel Ángel, el artista es un caradura, y nosotros unos cobardes. Ahora bien, la cobardía es perdonable, no así la estupidez. Si una institución encarga una obra pública, y nos quieren vender un calcetín de proporciones colosales, solo cabe deducir que en efecto, estamos ante algo descomunal. A saber, la Estupidez Humana, en alguna de estas tres variantes: Una, la primera, por hacerla, la segunda, pero no inocente, por admirarla; y por último, aquella que se nos antoja la más incomprensible, por ser incapaz de denunciar a las dos anteriores.
Dentro de mil años, alguien se preguntará si el «arte» del Siglo XX, fue la reacción, y su consecuencia, de una serie de cambios producidos por la radiación nuclear y la contaminación ambiental en los organismos humanos. De lo contrario no encontrará, una explicación
El «arte» sólo está vivo para quien vive de la estupidez humana, a través del mismo. »
Por descontado, añadir que este tema de debate en el Foro, no ha suscitado más que dos comentarios, publicidad gratuita, por otro lado, por lo que cabe deducir, que si los interesados no responden, se debe a que viven en otro mundo.
Saludos, amable como anónimo Lector.

El to be, or not to be del arte.

2007-05-24T04:53:00.000-12:00

La siguiente observación pertenece a una lectora de este blog, su propuesta merece ser rescatada del submundo de los comentarios.
«Uh!!..llevo días devanándome los sesos..tuve que hacer defender el valor artístico de un audiovisual que hice...el 1 por lo demás, y los argumentos iban y venían al final decidí que el valor artístico se mide con tres escalas diferentes que interactúan entre si pero que no siempre están de acuerdo.
.1 La del creador que legitima su obra como arte y que es el primero en ser conmovido por los valores que ve en ella.
.2 Los de la sociedad, concepto que ha ido evolucionando en el tiempo desde la belleza, pasando por la materia y el concepto.
.3 Los de los agentes legitimadores, los representantes de la institución del arte los que manejan conceptos y moderan el mercado del arte.
Ya hice mi discurso, pero ahora que vine se me ocurrió que me encantaría tu opinión...puede ser?... Besottes Cata. »
Cuestiones muy arduas de dilucidar, querida Cata. Pero, un reto de significados en los que es tan fácil perderse como un niño sin brújula ni miedo, en los bosques de los cuentos. Dice el maestro Gombrich algo que debe hacernos reflexionar y que ya hemos mencionado anteriormente, pero que resulta muy útil, para demarcar la cuestión en torno al «valor artístico» En su conferencia titulada Experiencia y experimento en las artes, habla de la fractura del Consenso, de uno muy singular que ha pertenecido a la esencia de la cultura occidental hasta ayer, como quien dice. En dicho texto, se expresa muy claramente una idea que está en el origen de las dudas que tanta polvaredas levantan, al intentar definir algo como arte y nombrarlo como tal, el consenso roto «en torno a los objetivos y las funciones de la creación de imágenes en nuestra cultura», es ya una realidad. Por «creación de imágenes» podemos sustituir «arte» y tendremos una paisaje de polémicas igual de válido. Las estéticas nacientes durante el siglo XX, han intentado suplir el consenso con leyes que no son atendidas por nadie, incluido los artistas que supuestamente las sustentan, y el público, cada vez más perdido y desorientado vaga por las salas de una virtualidad semántica que impide hasta la más remota duda, no ya la simple por inocente, la alternativa a un pensamiento sensible disyuntivo es imposible, también es desoída, y la solución propuesta siempre es de una índole narcisista, y monólogos varios de corte «el arte soy yo», como el absolutismo, imperantes en las soflamas de artistas y los corifeos de críticos amables por naturaleza. Tanto ir hacia delante ha conseguido no llegar a ningún lado, y en la tierra de nadie, los listos se hacen de oro, subastando los despojos de una guerra que no ha tenido más víctimas que el mismo concepto de arte. Pero el arte no lo hacen los artistas, sólo lo proponen.
El tiempo es más sabio porque en sus cansados hombros no sólo descansa la titánica fuerza de los siglos, también lleva de la mano a un futuro que sonríe maliciosamente hacia adelante. El presente se supone fuerte, por que no cree estar en deuda con nadie y ante nada responde, y en su orgullo está agazapado su destino, ser un paso más de la larga marcha hacia el mañana, que nunca llega. A la gran pregunta «¿ es esto arte?», sólo cabe una respuesta inicial, de la misma forma en cuestión: ¿ para quien es arte? Si el objeto de la respuesta es el «legitimador», las preguntas se multiplican, con la exuberancia de la celda colmenar, donde cada respuesta sólo permite hablar de una construcción para el poder. Una autoridad que se sustenta en la imagen del conocedor virgiliano que nos guía. Pero el espectador es un ente invitado a formar parte cada vez más palpable de una representación eudólica y carente de anamnesis crítica. Cada aspiración a la recreación de un mundo donde el arte sea parte de la vida, en la figura de eterna interrogación ¿ ha muerto el arte?, que tantas veces se desliza ante en el imaginario común, no es sino el reflejo de la distancia que media entre los artistas y el observador esclavizado por la imagen de una caverna que hoy más que nunca, es símbolo de servidumbre.
No hay nada nuevo bajo el sol, pero el afán deicida de recreación de la historia artística ex nihilo, que tanto esfuerzo ha exigido a los creadores y artistas, desde las Vanguardias, siempre ha sido una fuerza de beneficios más que dudosos, inclusive para los mismos cultivadores de dicha formula. Pues es en lo que se convierte todo evangelio artístico de cuatro líneas y tres frases con dos ideas deslavazadas de por medio, trufando el interior de una receta, asaz tranquilizadora, si bien sabrosa en beneficios pecuniarios, mucho mas indigesta en el apetito voraz de la historia del arte. No debemos olvidar que la historia del arte, sigue existiendo y vivirá, «a pesar de la muerte y de la envidia». Más allá de una mera reminiscencia de un saber compartimentado, la historia del arte, con su alguien corporativo, decidirá qué sobrevive al fragor cotidiano del día a día del mercado, tumultuoso como tumbas expoliadas, mucho escándalo «tacito e nascoto», pero con el aparente sigilo de los saqueadores de la antigüedad, en ese qué salvar y a quién, tal vez, no se dejen seducir por la quincalla del muladar mediático. La postmodernidad asumida o no, se encuentra ante el reto de su vida, sobrevirse a sí misma. Nadie puede sustraerse al decurso, ni siquiera armado con el discurso del eterno révival de lo nuevo, de la marcha hacia delante. Y en esa trayectoria, el arte sea o no parte de la vida, naufraga cada día, como el ceniciento sol de medianoche, para nacer de nuevo con su destino, iluminar a quien esté dispuesto a ello.
Son muchas, las posibles especulaciones en torno al gran debate, pero el que esto escribe, tiene por seguro qué es arte para uno mismo, y más claro aún, qué no es arte; no por seguridad pretenciosa, más bien por falta de entusiasmo, esa carencia de significado, no ya de emoción, que la gran parte del arte coetáneo y contemporáneo, desde ya casi más de un siglo, suscita en nosotros, seamos pocos o muchos, en el número no está incluido la verdad, pues ella no está en el signo, ni el lenguaje, debe encontrase agazapada en la costra de un amargo molusco, entre miles de ellos, esta perla rara espera ser descubierta.

Saludos, Cata, y amable como anónimo Lector.

El Nuevo Prado a Las Puertas.

2007-05-10T20:12:00.000-12:00

El nuevo Prado a las puertas, de un paraíso por llegar.
El Museo del Prado ya ha comenzado con la Tarea de convencernos de verdades que están lejos de ser demostradas. Como poco debemos esperar al tiempo de la espera. Ese que inevitablemente siempre nos aguarda, en las interminables colas a paso de morrenas que los visitantes del museo deben guardar como rito inexcusable para acceder al templo. El objetivo de todo ello es aumentar claramente el número de visitas. No sabemos muy bien por qué el número de visitas de un lugar es sinónimo de algo, salvo de entradas y de personas que puede nunca más visiten el mismo. Entradas y salidas, pero revisitar es otra cosa, es salir siempre con la esperanza de volver, como a una patria de la que temporalmente se nos desgaja, y aún así, nunca dejará de esperarnos. Es ese algo del Prado, que a modo de venia, quien la ha conocido, puede confesar haber sentido el dulce aguijón, del pozo inagotable de gozo, en que se convierte cada visita al Prado, y la creciente tensión, al traspasar sus puertas, de que nuevamente deberemos volver, para ver aquello que sabemos sólo hemos mirado. Puede que la nueva ampliación, no es la primera, y no será la última, sea un necesidad de logística interna, y las necesidades de este tipo serán cubiertas con tecnologías de principios de milenio, su parafernalia interna no será rebatida, pero Moneo, de quien nadie duda, se enfrenta a un reto que va más allá de la discusión circunstancial sobre su obra. Ha puesto sus manos en un Entorno del que sólo se sale indemne con las armas de la humildad o de la arrogancia. Moneo se ha decantado por los de la humildad, y sin embargo hay quien se pregunta con la ingenuidad del niño inocente que lanza manzanas, si realmente era necesaria la ampliación.
La mejora de los servicios del museo era ineludible, y como tal debía ser acometida, en gran parte no solo con medios técnicos, también con la buena voluntad de quienes trabajan en sus instalaciones. Todo el mundo ha sufrido los malos modos de unos vigilantes que se comportan como cancerberos de una empresa privada de seguridad y no como servidores públicos, al fin y al cabo, ser vigilante del museo del Prado debiera ser considerada como una profesión preñada de inquietudes y no como el castigo bíblico reflejado en las caras de aquellos que encorsetados en un azul de resignada desidia, nos vigilan. La técnica sin lo humano se quedaría en luz, piedra y estuco, materiales que van de lo visible a lo táctil, pasando por lo tenaz, pero un museo es algo más, es además, las personas y los seres que lo visitan y que lo habitan, a modo de un cielo en la tierra, con unas puertas sin san pedros quisquillosos y enojados. Moneo, superará la prueba en la parte que le toca. Otra cosa será lo que a partir de ahora se hará con su obra. Las nuevas salas, tal vez acojan ese treinta por ciento más que será rescatado de los fondos del «sótano» del museo, y a buen seguro, las exposiciones temporales aligeraran las antiguas salas, pero aún es mucho lo que todavía queda en el anaquel invisible de los fondos abisales del piélago de todo museo.
En realidad tanto metro cuadrado para tan poco, es una oportunidad perdida. Si la calidad de lo guardado no supera la frontera de lo exigible a un Prado que se done en préstamo, pero que no se guarde como un vergonzante secreto, ya encontrará la obra quien la admire, sin las expensas del juicio sumario de quien decide su exposición. Pero con los precedentes de las exposiciones diálogo, es de temer que las nuevas salas del museo se dediquen a las exposiciones con más gancho promocional o esa será la pretensión, de las ya tan manidas, como poco sorprendentes muestras de mistificación postmoderna. Un poco de aquí y de allá, para acometer ensaladas de pinturas, obras y supuestas visiones nuevas de viejos maestros, como reza el título de un famoso libro de Gombrich, cuya estela se deja sentir, no como un serio esfuerzo, sino como un señuelo, se ha convertido, más que en una afortunada expresión, en una suerte de principio axiológico desde contemplar la obra de los artistas que no pueden defenderse, por estar muertos, principalmente. El tiempo nos aclarará el destino de las nuevas salas, tal vez, el olor de lo nuevo sea capaz de atraer a nuevos visitantes, como una carnívora hace lo propio con sus víctimas, todo sea, entonces, intentar aspirar el polvo que nos quede de las galerías que cuidan de las telas viejas y hermosas en su añeja presencia.
Para saber que nos depara el futuro deberemos atravesar las puertas de Cristina Iglesias. Ya comentamos en otra entrada la trama de las puertas. Ahora que ya son visibles, nos queda la constatación de una consideración absolutamente personal, a saber: nada sorprendentes. Motivo vegetal, que más parecen propias de un botánico, mucho bronce patinado, y poca sustancia, por muy escultóricas que nos las quieran vender. Hacen juego con el bosquecillo de boj enano de la Toscana, pero el sentido último de las mismas es un misterio. Telón lo definen algunos, o paños de vegetal aspecto para no decir nada, en su cuadriculada simetría. Una escultura moderna... prescindible, y sólo justificable por el renombre de la autora. Ya no quedan Ghibertis.
El Museo del Prado es un milagro histórico, un inmenso poso del tiempo detenido, sólo posible, por la rara acción del mismo. Su destino, está en las manos de un pequeño grupo de personas, es deseable que el buen sentido de juicio los guíe, de aquí a la eternidad.
Saludos, anónimo, y amable Lector.

El Misterio de Judas

2007-05-10T20:08:00.000-12:00

El Misterio de Judas: « Dos únicos seres en el mudo han sabido el secreto de Judas: Cristo y el Traidor » Giovanni Papini. Historia de Cristo. 1921.
Cada uno de Nosotros sabe su propio secreto: por qué traicionamos. No así, a quién.

Breve Ensayo: La Diurética Alibi de una Boulé Improvisé

2007-03-21T05:21:00.000-12:00

En la entrada anterior, Picasso nos servía de excusa para reflexionar cómo, entre tanta modernidad establecida, cabría darse la pregunta que subyace de la posibilidad de inferir la cuantía que supuso la pérdida de hecho y sus consecuencias, entre lo pretendidamente artístico, tras la desviación de las vanguardias y el hipotético resultado de las mismas. Desconocemos el motivo de casi todo, en torno al arte de convertir la estupidez en arte, sin embargo, rastrear las pistas de tales peripecias no es difícil, si se sabe donde buscar. La prensa recogió en su día una noticia, que escandalizó a pocos, pero para la Cizaña Estética, resultaría ser una más en de las manifestaciones, que en su falta de pudor, surten alguna de las claves de cómo y porqué se ha entronizado la bagatela conceptual en las salas pulcramente vacías de la gravedad expresada en las formas de la artisticidad plástica de la esteticista irrelevancia.
Sucintamente, alguien decidió que ya había llegado la hora de proclamar que M. Duchamp, ha sido lo mejor que le ha pasado al arte en el siglo XX. La canonización, fue servida en forma de encuesta para logra un ranking, en el que el milagro necesario, prueba irrefutable del portento del beato, se obtuvo mediante votación, dato no muy ceñido al derecho canónico, pero muy democrático, lo justo para salvar y cuidar las formas. Y así, con un con sesenta y siete por ciento de los votos, «El urinario de Marcel Duchamp ha sido elegida la pieza de arte más influyente del siglo XX» leemos en un recorte de hemeroteca. ¿Quiénes fueron los participantes de semejante tribunal? Una improvisada Boulé de 500 críticos, galeristas y artistas ingleses, mediante una encuesta realizada a los mismos. El motivo de la elección: «Los votantes han justificado su elección destacando que la obra de Duchamp refleja la naturaleza dinámica del arte de hoy y expresa que una obra artística se puede hacer a partir de cualquier objeto cotidiano» Para rematar, no sabemos si cosecha del periodista o de los jurados: «la obra y su autor iniciaron el movimiento artístico conocido como Arte Conceptual» El abogado del diablo en esta ocasión no fue invitado. Hay que admitir la coherencia de la elección, por mucho que a algunos el hecho de que Las señoritas D’Avignon, obtuvieran un segundo puesto, les parezca una aberración.
La coherencia es el resultado de la realidad. No administraban justicia, aseguraban su puesto en el cielo, como críticos, artistas y galeristas. No podían elegir una pintura en concreto, pues ninguna es definitiva, y elegir una obra pictórica sería reclamar un lugar a un genero dentro de las Bellas Artes que es una reliquia para la modernidad de la postmodernidad. ¿Una Escultura? Más problemática aún, su supuesta elección, ni siquiera se habría considerado como posibilidad, puesto que la escultura ha perdido toda función social, y en el mejor de los casos, ha sido ocasión de divertimento menor para los mismos artistas. Por lo que cabe deducir que en el concilio sui generis, los implicados, se comportaron como interpretes de una gran pantomima, pues el elevado grado de unanimidad, es más significativa de lo que ecuménicamente por previsible cabría esperar, entre tanto prelado avispado de las artes. La Fuente, era una apuesta segura y sin riesgos. Desde el primer momento, sin embargo, necesitó de las palabras para ser, es decir, para existir.
Nos gustaría reproducir un fragmento del propio M. Duchamp, quien anónimamente defendió su obra en un editorial, publicado en la revista The Blind Man, núm. 2, mayo, 1917: «Si el señor Mutt hizo o no la fuente con sus propias manos carece de importancia. Él la ELIGIÓ. Cogió un artículo ordinario de la vida y lo colocó de tal manera que su significado habitual desapareció bajo el nuevo título y punto de vista creó un nuevo pensamiento para ese objeto-» No hubo “un apartir de”, sólo lo firmó: R Mutt. 1917. Este ready-made, del artista, no fue ni el primero ni el último, en sus conversaciones con P. Cavanne, hablando de la dificultad de la elección del objeto: «Se debe llegar a una especie de indiferencia tal, que uno no posea emoción estética. La elección de los ready-made, está siempre basada en la indiferencia así como en una falta total de buen o mal gusto» Por tanto, para Duchamp, la elección del urinario, y firmarlo, debió ser como una encuentro con el ángel de Tobías. Hasta aquí Duchamp... Los que le imitarían después y tendrán siempre presente en sus oraciones, no han hecho sino repetir el mismo tipo de soflama, y ejercicio espiritual, la elección del artista, supone un nuevo significado para el objeto, aquí recordaremos las inestimables palabras del artista conceptual, Ibon Aranberri que protagonizó una entrada anterior: «Parece que si no te declaras por los medios, ni por la fotografía, ni vídeo, ni pintura o escultura, lo que haces tiene que justificarse en términos de significado. Y ésa es una trampa» Pero ¿significarse cómo? Justificarse, nadie se lo pide.
Si los ready-made son el origen del arte conceptual y La Fuente es el reflejo del dinamismo del arte de hoy, se nos antoja que en el fondo todos padecen de un complejo de inferioridad. Pero sofisticadamente, ya no existe el objeto (ready)-made, ahora es un could -be –made. Para ello se han construido un muro de cristal, un túnel sabatiano, desde donde el resto de los mortales les vemos pero a quienes no comprendemos. Los participantes de la encuesta, no eligieron el Gran Vidrio: la Novia puesta al desnudo por sus solteros (1915-1923),por motivos que sólo ellos conocen; o tal vez porque no deja de ser una especulación de la vida interior de un Duchamp más concreto, necesariamente, más delimitado, cuyo contorno de significados posibles, no daba lugar a la obra abierta. Esto recuerda el famoso libro de Umberto Eco del mismo título. Su mención no es aleatoria.
No es algo obligado a ser advertido, pero sugerente como poco es que, de los muchos andamiajes para el arte conceptual, nada como la semiología, por no confundirla con la Semiótica lingüística, ha ayudado tanto a dar carta de naturaleza, con su armazón semántico, al descomunal esfuerzo que supone, el descubrimiento de querer convertir en artista al espectador. No sólo partícipe, todo acto estético, necesita de la percepción, y, por ende, de un referente humano. El arte animal, es debate para etólogos, y si bien no carece de interés, no es lugar para tratarlo aquí.
Detengámonos un momento para citar a Eco: «No obstante, hay un camino por el que los objetos reales, que no tienen ninguna utilidad para comprobar el valor semiótico de un signo, caen de nuevo dentro del campo de interés de la semiótica» Citado de: La vida social como un sistema de signos. En, Introducción al Estructuralismo. VV AA. Alianza Editorial. Eco, haciendo uso del código compartido, como es el inglés, (la conferencia se pronuncio originalmente en esta lengua), pasa seguidamente, a definir el “signo” como entidad semiótica en palabras de Peirce: Es «algo que tiene de algún modo la capacidad de representar algo(diferente) para alguien» y por si caben dudas, Peirce añade por boca de Eco: «un signo es cualquier cosa que determina que otra diferente( su «interpretante» [interpretant] se refiera a un objeto al que ella misma se refiere( su objeto [object] ) en el mismo sentido, de forma que el «interpretante» se convierta a su vez en un signo y así sucesivamente hasta el infinito» ¿Semiótica? No. Cultura. Al convertir al interpretante en signo, resumiendo mucho, la semiosis deviene en trasformación continua todo a su vez en signo que traduce, analiza, aclara, etc,. «Comunicarse es usar el mundo entero como un aparato semiótico. Efectivamente, yo creo que la cultura no es más que eso» Esto lo cree Eco, y nosotros creemos que lo creen muchos más de los que pareciera. Para quien ya se haya perdido una nota más de la propia intervención de Eco: «La tarea de la semiótica consiste en aislar diferentes sistemas de significación regulado cada uno de ellos mediante normas específicas, y demostrar que existe una significación y que existen unas normas»
Extrapolemos. La tarea del artista seguidor fiel del conceptual sentido de la existencia artística de Duchamp, bien en la elección, o en la intervención, es la de demostrar que existe una reconversión del observador (interprete no artista), y que éste, se convierte a su vez en un significante más del signo originado por el giro conceptual que el artista propone. ¿Galimatías? O ¿Perogrulladas? Eco reconoce más adelante que «mi intención es de índole más básica: ante todo tengo que demostrar que cualquier fenómeno cultural es también un fenómeno semiótico» La intención del artista y del crítico o historiador del arte del siglo XX, va a ser la de demostrar que más allá de la cultura de carácter manifiestamente semiótico, se encuentra una forma de arte que no apele al Símbolo, al Índice o al Icono( según tambien en catalogación de C. S. Peirce, y al decir forma, nos referimos a una práctica del arte que no apele a una sorprendente, para nosotros cuestión: la entidad del referente o la «falacia referencial», y que no es otra que para el propósito semiótico, el objeto real al que corresponde el vehículo -del –signo (signo más significado, entendido éste como agrupación de componentes sémico, etc.) es absolutamente irrelevante. En cierto modo con la Lógica y la semiótica uno acaba por tropezar en las sendas transidas por la misma acuciante necesidad de pura manifestación feérica. Algo así pasa, paralela, sincrónica y curiosamente de manera muy sospechosa, con el objeto artístico, la obra o la manifestación. No necesitan de un vulgar referente, para ser consideradas, como La fuente de M. Duchamp, la obra más influyente del siglo XX. El objeto real desaparece y el ser real que lo contempla también.
Otra vez un abracadabra de artista mago, pero semiólogo, por una vez, o por siempre jamás. Recordémoslo. «No obstante, hay un camino por el que los objetos reales, que no tienen ninguna utilidad para comprobar el valor semiótico de un signo, caen de nuevo dentro del campo del interés de la semiótica» ¿Cómo es ello posible? Por la misma razón por la que un urinario firmado, que es una réplica, pues el original se perdió, se ha convertido de signo en Símbolo del despropósito de quienes de veras creen en tales cuestiones, no artísticas, sino de la más pura mercadería, sin llorar no se mama, y sin alabar el urinario no se es, ni se está, ni se perpetúa la existencia del impacto de lo nuevo...(Sic)
Es verdad, es la obra más influyente de un siglo, en donde la muerte se paseó por la Tierra, como si, ningún dios, hubiera querido de haber podido, intervenir.
Saludos Anónimo, paciente y amable, Lector.

Picasso: Analogías de Siringa y Almagato.

2007-03-11T09:39:00.000-12:00

«Unas cosas se empeñan en llegar a ser, otras se empeñan en mantener su ser, pero de lo que llega a ser ya se ha extinguido algo». Marco Aurelio. Meditaciones. Libro VI ,15.

La Cizaña Estética, tiene más de estado emocional, que de discurso. Al revisar el otro lado del espejo de nuestras propias palabras hemos recuperado una entrada de nuestra memoria. Relectura, y asombro: un sentimiento de disgusto autocrítico, descendió por la llaga abierta de nuestro carácter. La cólera, no es buena consejera, pero el olvido es aún más pernicioso. Falta de reflexión, a buen seguro, pero la exposición Picasso Tradición y Vanguardia, hizo ceder el débil resorte que comprime la esclusa de nuestra prevención. Estimamos en su momento y hoy nos lo sigue pareciendo, que la exposición y su trasfondo, eran de un interesado sentido patrio y un didactismo fuera de lugar. Ni el Prado necesita de Picasso, ni Picasso necesita del Prado. Si el Reina Sofía necesita clientela, es un asunto que no puede ventilarse con intercambios temporales de telas. Al repasar la exposición, las analogías que se quisieron vender, sin ningún método, y todo el resto de parafernalia expositiva, sirven hoy para meditar, sobre la necesidad de sostener un cadáver, al modo del Pasmo de Sicilia, de una idea que debe desesperar a quien tanto admira a Picasso, pero aún más a quien más ama al museo de El Prado, no como continente, sino como resguardo de La Rosa, pues si continúa el manoseo, pronto, sus pétalos serán abono de los insectos de Mausolo.
El Prado, debe mantener vivo su legado, pero no deambulándolo doquier toca, y su política expositiva, va camino de ser un nuevo parque temático. La ampliación de sus instalaciones, servirá a tales fines, pero El Museo del Prado, no puede convertirse en un negocio, y su financiación, debería ser asunto de Estado. Una de las peores pesadillas que puede sufrir un museo es su desmembración, y no podemos estar seguros de que nadie no nos pida su parte, de un legado, que pertenece por derecho a los que no toca más remedio que ser lo que los demás no quieren ser. Retomamos la senda inicial, pues este sendero sólo conduce a posiciones que mercadean con las obras de arte al modo de estandartes, y provocan sentimientos de vergüenza ajena, por su hipocresía. El espíritu inicial, la idea promotora, el discurso que quería proyectar la Doble y magna exposición de El Prado y el Reina Sofía, ha sido una constante de la bibliografía picassiana, y del imaginario colectivo de muchos historiadores del arte, que seducidos por la amplitud de la misma obra del artista, no han podido sustraerse a la tentación del parangón. Su puesta en escena sin embargo, resulta del todo imposible en una exposición, por razones de carácter práctico, los mejores ejemplos de las fuentes del pintor, están por todas partes y las que más luz, arrojarían, sobre supuestos antecedentes, no se «prestan».
Pudiera ser, y es fácil, imaginar un libro donde ejemplificar la idea de la influencia, el estudio y pamplinas parecidas para un Picasso reloaded, pero, nunca se conseguirá la ilustración efectiva de este estudio en una exposición en un Museo, o en dos, o en tres. La exposición, sólo es posible en un holístico ejercicio, en la mente y en los libros del espectador verdaderamente interesado en el estudio de un Picasso «conectado» a la historia del arte. Los estudios pormenorizados, sobre tal o cual cuadro, y su relación filial, en el mejor de los supuestos, respecto de la tradición, se enfrentan en la mayoría de los casos con la imposibilidad de reunir gráficamente, obras del propio Picasso que son poco conocidas, de difícil acceso, o son usurpadas al estudio. Hemos mencionado, ya en otra entrada, cómo, es posible estudiar la génesis y ejecución, del Guernica, por R. Arnheim, a partir única y exclusivamente de los estudios previos del propio Picasso, pero su traslación a una recapitulación rigurosa del acerbo genético pictórico, del propio cuadro, en la mente del pintor, sigue pendiente. Existen intentos, pero, es imposible, en realidad, aislar el estudio del Guernica del resto de la obra de un Picasso, anterior a sí mismo, y precursor de éste, a través de la larga historia del arte.
Un siroco azuza el preponderante lugar de Picasso y su continuidad o permanencia, detrás de tanta alharaca, y para muchos, Picasso es el «redentor mundi» del Siglo XX, sin su obra, la imagen de un arte sin cotos, se expandiría en el vacío deglutidor y generalizado, que los implicados se niegan a reconocer, en lo más profundo de su retina, pero que sus estómagos necesitan, como un antiácido de cal. Picasso o del almagato del ardor estomacal de quienes se han atiborrado ya con todo. Hubo voces, a pesar de las crónicas oficiales, de los propios artistas durante la doble exposición, que elevaron con cierto elegíaco cinismo una afirmación sobre el tópico de las querellas: los antiguos, nunca habían quedado mejor parados que ahora, precisamente, con la manifiesta confrontación.
Para ejemplificar aún más el problema, debería aclarase que las supuestas analogías que suscitaban las obras de Picasso con los de sus maestros en el Prado, a muchos les parecían traída de los pelos como el joven inocente en la Calumnia de Botticelli, pero, era imposible para El Prado suministrar en rigor los mejores ejemplos de inspiración del pasado para la obra del Malagueño, barcelonés, parisino, etc, pintor y artista. Sin necesidad de acudir a las catacumbas de la iconografía, un observador cualquiera hubiera sugerido un cuadro no precisamente difícil o recóndito para la analogía de la tela de Picasso, La Flauta de Pan, del Museo Picasso en París, nos estamos refiriendo al Apolo Y Marsias, de Perugino, (Circa 1506), que guarda el Louvre, por un motivo tan curioso que Francis Haskell, le dedica un breve y jugoso, como todos los suyos, ensayo a la historia del infortunio de Morris Moore, y su supuesto Rafael, su último propietario privado. Recomendamos su lectura, pues en ella se mezcla erudición con el justo tinte literario de novela de misterio, que se agradece en este tipo de escritos. Por curiosidades del destino, el ensayo, Un mártir del atribucionismo: Morris Moore y el Apolo y Marsias del Louvre, está contenido en el volumen titulado Pasado y Presente en el arte y en el gusto. Alianza Forma. Madrid .1987. Entre la selección de ensayos, se recoge el titulado, El payaso triste, notas sobre un mito del siglo XIX. No debemos irnos muy lejos para recordar la influencia de la iconografía de la «Commedia dell’arte» en la obra de Picasso, y, sin embargo, en la exposición doble no se invitó al Arlequín con espejo, del Museo Thyssen-Bornemisza. Este cuadro de 1923, ya ha sido relacionado a través de dibujos con la Flauta de Pan, también de1923, ambos pertenecen a ese último estertor para algunos, del llamado neoclasicismo en la pintura del propio Picasso, y por extensión de las vanguardias, ( los demás no existen), y los dibujos parecen demostrar que el espejo estaba en la mente de las composiciones que dieron origen a ambos cuadros. Pues bien, no sabemos cómo, pero el cuadro de la Thyssen-Bornemisza, podría haberse «parangonado» con uno de esas raras joyas, que daría como fruto su propia temática en la historia de la pintura, nos referimos a un cuadro tan hermoso como esquivo. Mujer desnuda con espejo, de Giovanni Bellini, 1515, hoy guardado por el Kunsthistorisches Musseum, en Viena. Sólo es necesario travestir e «inverti» especularmente, (ver imagen en link) la posición de la mujer y el Arlequín, aparece desde los abismos de un lapso de 400 años.
No era necesario para Picasso tener en mente este cuadro de Bellini, ya desde Giorgione tal vez, pero sin duda, Tiziano y Rubens, y tantos otros después, habían utilizado el motivo, que ahondaba sus raíces en la misma representación de Afrodita-Venus, con las variantes de significado y sentido, así como formales, para el interludio entre el olvido del mundo Clásico y el Renacimiento. Podría seguirse el hilo, pero daría para mucho más de la propuesta inicial. Somos conscientes de la implicación de estas afirmaciones, pero el destino de las mismas nos lleva a especular, como no, sobre la obra, que sí formó parte de la aclamada doble exposición. Si comparamos, La flauta de Pan, con el Apolo y Marsias, de Perugino, que quiso ser un Rafael, y que, no obstante, sigue siendo una obra admirable en todos los sentidos, observaremos, una nueva inversión de las figuras, y a pesar de los muchos y buenos ejemplos de interpretación del tipo: «el lienzo muestra a un artista conscientemente incardinado en una gran tradición pictórica», podría surgir un sentimiento de pérdida, de esos que tanto gusta a la disidencia cizañosa, pues tal vez sea demasiado, lo que se ha abandonado desde que Apolo apareció de nuevo, para acabar siendo un mozalbete encajonado en un escenario de reposición tonal. Si el Apolo de Perugino, es despellejado por sus miembros ahusados, el sólido soliloquio volumétrico de la parodia picassiana, no puede dejar de acecharnos en la idea absurda, por su excentricidad, de que tal vez, hubiera sido mejor para Picasso no haber sentido la «influenza» del arte clásico.
Su valentía es hoy una prueba que debe superar los rigores del general invierno que se avecina a lomos de la bestia triunfante, este evoé, evoé diluido en mediática trementina, para el nombre de Picasso, no afectará a sus maestros, los que ya nada enseñan; se quedarán como un arquitrabe sin friso posible, donde colocar una inmensa cornisa, para elevarnos todos al futuro, y esto en el mejor de los supuestos. Sobre el entablamento, las heces de palomas, abonarán sin duda, como ya lo han hecho, la herencia de las intertextulticiatualizantes, del discurso tan caro a aquellos que nos quieren vender el invisible traje.
Picasso, no necesita de estas exposiciones, necesita de sí mismo, pues con el tiempo y una caña, al son de una siringa, hasta la fama más duradera desaparece, o se conserva.
Saludos anónimo y paciente, Lector.

Much Ado About Nothing. O De la Espuma de Nuez de Macadamia.

2007-03-06T07:50:00.000-12:00

«Y ésa es una trampa »...

Extracto de la entrevista publicada por el Diario El País, y accesible en su versión digital, a Ibon Aranberri: «Llegó al arte desde el rock radical vasco y las vanguardias históricas y creció en contacto con el mundo underground de Nueva York. Ibon Aranberri (Itziar-Deba, Guipúzcoa, 1969), creador conceptual presente en el Artium y el Reina Sofía, es el único español seleccionado para participar en la Documenta de Kassel a partir del 16 de junio. Cuando los niños de su generación jugaban al fútbol, él seguía con los prismáticos el vuelo de los pájaros; cuando esos mismos niños -ya adolescentes en los años ochenta- hacían planes con la cuadrilla, él se empapaba de rock local y se dejaba contaminar por las vanguardias históricas. Ibon Aranberri estudió Arquitectura, Bellas Artes y Diseño y se hizo artista casi sin quererlo. Por carácter y sensibilidad. Pero también porque le tocó crecer en un entorno rural e industrial que ofrecía pocas alternativas a quienes no llevaban una vida de carril. Hoy este creador, que ya participó en la Manifesta de Francfort, prepara su cita de Kassel.

P. Hoy, que parece que todo vale, ¿qué es para usted el arte?

R. El arte ya no existe, existe la experiencia estética. El arte no existe en tanto que objeto, porque los objetos han de ser transicionales. Aunque ya se encarga el mercado de fetichizar y convertir el objeto en algo ensimismado y autónomo.

P. En sus trabajos huye precisamente de eso. ¿Le preocupa que no le entiendan?

R. Me da igual. Es decir, el espectador seguramente participa de una mirada educada, pero tampoco pretendo llegar a las masas. En todo caso, es un lastre que cuando uno trabaja más allá de la convención tenga que estar siempre explicando su trabajo. Parece que si no te declaras por los medios, ni por la fotografía, ni vídeo, ni pintura o escultura, lo que haces tiene que justificarse en términos de significado. Y ésa es una trampa.»

MARIBEL MARÍN - Madrid - 04/03/2007.

La Cizaña Estética ni siquiera tiene que molestarse en rebuscar en los arrabales mediáticos, todo lo contrario, el secreto de la conspiración para participar en The Great Parade del Arte, que nos toca sufrir, se encuentra en el sancta sanctorum de las Bienales y Documenta o Manifesta. El hecho de que sólo dos españoles, hasta donde alcanza nuestra vista, se presenten en Kassel, es motivo suficiente para ser noticia. El otro es Ferran Adrià, calificado como «el español más inteligente de su generación», en palabras del director de la Documenta. Cada lustro, desde 1955, la Documenta de Kassel, se pone en marcha para... si hemos de ser sinceros, no sabemos para qué... Siempre es un orgullo participar en alguna de estas cumbres, pero sólo si se es invitado, seleccionado o elegido, pues todo depende de alguien a quien debes conocer. Si no es el caso, a buen seguro ese año el evento será despiadadamente descalificado por parcial y arbitrario, y por enésima vez, se repetirá el juego de hoy digo esto pero mañana me toca a mí el turno. Las alianzas y las estrategias de supervivencia son tan escabrosas al entendimiento y conocimiento de las masas, que bien podría el Señor Brown, dedicarle una de sus futuras novelas, pues, si de misterios se trata, la política cultural que hace posible todos estos acontecimientos, es sin duda más obscura aún, que la practicada por los servicios secretos más famosos del mundo. Para abrir apetito, y como entrante para la necesaria polémica, se han alzado las farisaicas voces de los que niegan el pan y la sal al Cocinero más famoso del momento, y su presencia en la Documenta. Paradójico. ¿Quién se atreverá a elevar su voz contra la Documenta en sí misma, como una manifestación del Nuevo Salón decimonónico en el que se han convertido todas y cada una de estos macro eventos de supuesto carácter artístico y cultural? Cultural, desde luego, todo es cultura, hasta los nazis, tuvieron su propia cultura, pero no la consideramos un ejemplo a seguir.
No vamos a desglosar las palabras del Creador Artista Conceptual. Sabe muy bien de lo que habla. A lo largo de la entrevista trasluce discurso elaborado, y llega incluso a ejercer de historiador, cuando salen a relucir los nombres de Chillida y Oteiza, aclara: «es importante integrar esta generación en un contexto global histórico de la modernidad. Si no, se crea una perniciosa relación edípica en el círculo local. Son casi figuras de sometimiento. De todas formas, veo una diferencia entre ellos. Chillida es un grandísimo artista pero sólo es un artista. Y Oteiza no sólo es artista, la idea de proyecto estuvo integrada en todas las facetas de su vida» Es evidente para quien tenga un mínimo sentido histórico, la razón última de sus palabras. El artista conceptual es el ejemplo de déjà vu más sorprendente de las manifestaciones artísticas del siglo que aún agoniza en un cavernoso aliento de pútrido hedor a rancia novedad. Los artistas conceptuales creen de veras que el arte anterior a ellos no trasmite conceptos, que las diferentes habilidades técnicas que permitieron el desarrollo de las mismas, carecen de contenido, creen o quieren hacernos creer que sus intervenciones, donde la obra es inexistente son capaces de conjurar las fuerzas de la naturaleza, social y moral, o política y éticamente, dependiendo de la esfera sobre la que teóricamente intervienen. Pero ignoran a las masas por carecer de una mirada educada, tal vez no la desprecien, simplemente las ignoran. ¡La experiencia estética! ¿Cómo han llegado a esta conclusión?
Al principio de los tiempos, antes de la religión, el mundo estaba habitado por la magia, era el esquema mental más elemental, que no primitivo, que regía sobre las aspiraciones de los humanos. Cuando la magia, por ineficaz, quedó reducida a integrar los aspectos más confusos de los rituales religiosos, se convirtieron en ingrediente de costumbre y con variantes, se mistificaron y a la vez se fusionaron con el ceremonial propiamente cultual. Los seres humanos, desde la antigüedad, y no todos, han alcanzado este estadio, para la eficaz trasmisión de la concepción del mundo, todo un corpus de celebraciones y rituales, pasaron de integrar el pensamiento mágico, a ser utilizado con fines particulares en el pensamiento religioso. Para recrear y trasmitir, (dar vida de nuevo), desarrollaron, junto a las habilidades técnicas, que derivarían en las artes, un complejo mapa de significaciones, que formaban parte de la cultura y de la organización social de aquellos hombres; difundían, por tanto, el acerbo cultural por medio de lo que hoy, conocemos en su herencia, la Literatura, el Teatro, la Música, las Artes visuales y en definitiva, pero no menos importante, La Liturgia, heredera maltratada de un mundo donde la representación era tan importante como la realidad misma. Cuando las técnicas artísticas, así como los diferentes frutos del impulso original del ritual, la celebración, el festival, o simplemente la festividad, acabaron desarrollando sus propias reglas y ámbitos, (hoy diríamos, lenguajes), comenzó la diferenciación tanto de formas y de contenidos apropiados para las distintas artes.
Se dio el paso a las categorías funcionales. Pero, aún así no perdieron la capacidad de trasmitir la diferente modalidad del concepto, que la vida evolucionada conlleva, ni obviaron la intención de influir, reflejar o hacer reflexionar y criticar, mediante la producción artística, tanto a participantes, como a espectadores, observadores o simples viandantes. Por mucho que la Religión, fuera el vehículo principal de la trasmisión, pronto una sustancial autonomía estética se apoderaría de las mismas fuerzas que lo crearon y mantuvieron, podríamos trazar, si tomamos como prototipo el origen del Teatro en Grecia, (la historia de este espectáculo, por usar terminología moderna), como ejemplo del progresivo afianzamiento, de lo que después se desglosaría en aquello que hasta Dada, era un modo de entender las diferencias que, al menos en la teoría, delimitaba las fronteras, entre las variadas disciplinas artísticas. Siempre hemos considerado curioso, que la combinación de géneros que dio como resultado« la invenzione dell’Opera», (entendido como un espectáculo total e integrador de la mayor cantidad posible de disciplinas artísticas) no sea en sí género exclusivamente europeo. No se trata de argüir diferencias entre Ópera Occidental y las demás, es decir, las no europeas, para rechazar el argumento, es mas, la intención es señalar cómo, por ejemplo en nuestros días, entre los aborígenes, en el sentido de descendientes de los primeros pobladores, de la Australia Central, todavía se practican rituales conceptuales, no sólo simbólicos en una constreñida definición, sino de trasmisión de un universo conceptual, objetivo y percibido, por todo un conjunto de ideas-conceptos, que se resisten a morir en el olvido de la modernidad. En ellos se utilizan todas las habilidades artísticas de las que pueden presumir los pueblos que mantienen así su identidad. Celebran, pero también verifican, como cuando desean pedir la lluvia, la validez de sus conceptos. No se trata de ser indulgentemente relativistas con ellos, la práctica de esa magia, pues no se puede hablar propiamente de sacerdotes entre los participantes, y por tanto pertenecerían al sustrato anterior a la era global de la religión, es una forma de vida que mantiene los lazos de sus integrantes, unidos a sus conocimientos sobre el mundo y acerca de ellos mismos.
Al hombre corriente, desde las Vanguardias se la exigido la comunión con la nueva fe religiosa en que se ha convertido el arte. Un inmenso telón pintarrajeado es mostrado como el Icono sagrado de la Nueva Buena, y se le dice: «aquí esta vuestro nuevo dios, adorarlo sin ver», y el templo de todo este festín es el Museo Contemporáneo. Todos los artistas quieren hacernos creer que han sido invitados a la cena de Emaús. Santo Tomás, calla, y se avergüenza en silencio, por haber dudado. Los San Pablos, se frotan las manos con la fe de un converso, que sabe que pegando hebra fina conseguirá su propia fama de apóstol de la fe en el arte. El artista conceptual, en cambio, no necesita de la fe en las Obras, pues para ellos los formalistas, son como los Iconodulas, necesitan de la realidad física de la obra, y por ello rehúsan cualquier soporte perdurable o de conexión con la historicidad antes de las Vanguardias, si bien, necesitan del video o de la fotografía, por utilitarismo, y confían en la magia de sus ideas, no en su expresión poética, en la literal. Da un paso atrás, y mediante su conjuro, que el artista del concepto define como intervención, espera invocar las misteriosa fuerzas mágicas que obraran el fenómeno místico de la experiencia estética o la revolución social, en esto del propósito no hay medida posible. «...lo que haces tiene que justificarse en términos de significado. Y ésa es una trampa». Dice el Artista Creador Conceptual. Remisos en explicaciones, pero llenos de Ideas. La trampa es el significado. Más allá de la convención duchampniana vergonzante, de las grandes manifestaciones «pour épater le bourgeois», está la propia convención, de que el arte conceptual, no es en sí mismo una forma más del convencionalismo moderno; contextualizada o no, pues ya ni siquiera, escandalizar es propósito, ya nadie se sorprende de nada, pero no están tan dispuestos a que le tomen el pelo, como los artistas creen en su Torre de Marfil, de las documentas.
El artista sacerdote, el artista mago, el artista científico... Curiosa tipología. ¿Existe el artista científico? Podría ser aquel que intenta mantener una hipótesis sobre el mundo en cada una de sus obras y a lo largo de todas ellas, con reajustes o retoques, pero con una humildad sobre como interpreta la ley que desea verificar en su propia visión. La ley del Feedback, o de la retroalimentación negativa de Gombrich, es un ejemplo de que tal vez sí exista un artista científico, o al menos su remedo. Pero el arte conceptual en el que concepto es un labil uso del «giro lingüístico», «...lo que haces tiene que justificarse en términos de significado. Y ésa es una trampa». Repetimos, el artista del encantamiento infuso no tiene necesidad de justificar y menos dar soporte a un, supuesto por volitivo, como convencional, significado, Significarse sería descubrir que tras el conjuro mágico, quien maneja los hilos en la sombra es la misma esterilidad, o incapacidad para decir, nombrar o dar sentido a una patraña que sólo existe en la intención. «Rara vez el estado de ánimo del artista es interesante», decía Gombrich. Rara vez los conceptos de un artista son apreciables, en estos tiempos que ya duran demasiado, de tanto Much Ado About Nothing.

Saludos, como siempre, anónimo y amable Lector.

D'Avignon 1907/ 2007

2007-02-28T11:22:00.000-12:00

La Herencia

Relinchos de hipocampos y coletazos de sirenas.

2007-02-28T11:09:00.000-12:00

Intentando alejar nuestra mente del martilleo mediático del camaleónico ARCO, con su mimética astucia para vender la misma fábula, con tapas nuevas, y acrobáticas plusvalías, derivamos hacia los Centauros; en ello estábamos, cuando se paseó, por breves momentos, la Parca, desvelada al dejar su huella burlona, (abandonándonos al Dante), cabría pensar que su efecto balsámico conseguiría mantenernos inmunes, por un tiempo, del tumulto aquejado de letanía, con su vago murmullo de cigarras, y creíamos sentir la paz, para al fin comprobar, como el frufrú almidonado de la Feria persistía aún, palmoteando pomposamente agónico, en la acuosidad de la prensa local que tanta ayuda nos presta... en la limpieza de cristales.
Las salpicaduras de las mismas según tamaño y cercanía al terruño, obligarán al rotativo de turno, a mencionar y dar fe de los éxitos tras la figura de tipos grandes y marcos de coloreada esquela, en la pretensión de descargar de las crónicas regionales su gravoso estado, forzosamente tediosas, tanto en su forma como en su fondo, confiriendo a la superficie de los pliegos adornados con ventanas de maquetación exótica, un aire de crónica del porvenir jubiloso, más por paliar la esterilidad solariega y congénita, que por interés en la verdad.
No es lo que pasó, sino ¿por qué pasa?, aquello que debería revelarse, rescatando lo poco de verdad que la licencia de no ser un canalla les permita, redimiéndose de ser los responsables de solsticio invernal de la razón, acortando aún si se cupiera el tiempo para tan mísero fruto, que origina al receloso natural que con procesional paso, de la asumida indiferencia, necesitó una media de tres tiempos, el de leer, el de mirar y el de doblar. Los dos últimos, ejecutados con devoción de robótico fraseo salivoso y exorcizante, con el sencillo acto de indulgencia hacia quien se asemeja por las barbas, por deseo propio, se abandonará el periódico local, gacetilla de las cuencas vacías, pero de barriga plena, o ancha panza, sobre el mostrador de cualquier parte, y en ello se devela el arcano contumaz desasosiego del hombre encerrado de por vida en las mentiras de los otros.
Pasa la retina por los surcos como las sangre cenicienta atraviesa las rúas, tendiendo en las acristaladas balconadas los efímeros estandartes de una fama raptada a la inteligencia de la sabia terrosa, de un lar, todo piedras y bellotas, cuyos carrascos mas notables sobresalen con la complicidad porcina del azar dirigido en secreto, la ciega hambre del palúdico vengar que la historia acallará entre hojarasca de chopera por voceros afectados, predicando la paz de los muertos y la sed de las cloacas, que sepulta subterránea la poca consolación estipulada por decreto y bando. Un resto de muralla se erige en la puerta a la otra orilla, antes de atravesarla, no olvidamos la intención, dejando así aviso, de haber leído los necrológicos fastos recién publicados, destino final del paladear interesado y familia.
Constatar que un elegido de las musas ha tenido como sagrada ocurrencia, no achacable a las mismas, sino a su prisa por atender a tantas solícitas demandas, de pasear a un mendigo por la Feria recogiendo monedas, es pasarse por el arco del triunfo la supuesta novedad, pues la memoria, no rota, recordará que ya hubo quien a un parado contrató para pasear por una galería, notoria falta de ideas es crasa recurrencia de la ausencia innata del divino éxtasis, dichoso aquél a quien los dioses no envidian. Advertir, así mismo que el presbítero oficiante del gasto peculiar para la despensa del Musac, con los óbolos incautos de la impuesta indulgencia otrora posibles caminos o jardines, pero ahora escombros sigilosos del apetito museal, decidió adquirir obra, a quien ya exponía sus retales de remedos en la Domus Amicorum, como obtuvo ya prebenda no se entiende el refuerzo de la obtenida venta, pero paso previo es la domus a la feria gloriosa donde rubicones fantasmones pasearon su ostentación hidropésica de reluctancia inane.
Para terminar, la reseña de la pucelana caracola mecánica que acompañará en su viaje tantas stultiae operae vacui artium, sin precepto ni concierto, porque el hueco oceánico llamado espacio reclama deglutir migajas de la patria invisible y despojada de la marca a fuego malograda al secular socaire de graznidos alfabéticos en orden sin rastro de sentido. Sin anhelo de cambio, se perpetúa la miseria, tras el adobe falto de legámico aliento, sin rastrojo de honra alguna, el olvidado insuflo, agotaría al mismo Padre de los cielos, pues no se puede secar el sudor de la derrota consentida. Una vez más la cinegética humana cumple en el calendario su enésima fiesta de rigor, nada cabe, sino acudir al amparo del alambique de piedra que destila cada tarde el oro viejo, reconvertido en quincalla por la programática dulzaina de la testa tamborilera de la novedad impróvida.

Saludos anónimo, hoy más que nunca, e incierto, Lector.

Centauro Orando

2007-02-23T09:40:00.000-12:00

De Centauros, travesía del desierto.

2007-02-23T09:18:00.000-12:00

Cuando el ruido de cascos de los Centauros, y sus ecos se desvanecieron en el silencioso marchar hacia la Historia, pues siempre llegamos después de ella, y ella nos alcanza, cuando la abandonamos, un inmenso tropel de seres les acompañaban. Todo un mundo de Dioses, seres y formas, de una entidad sólo perceptible, por la creencia en los mismos, fue postergado, por la juventud de un Dios, que renegando o no, de su Padre Hebreo, había decidido conquistar el mundo de los hombres, y éstos para granjearse su bondad y la recompensa dudosa de la vida eterna, con el perdón terrenal, decidieron extinguir el recuerdo por completo de todo aquello que en un tiempo, no tan lejano, había llenado los corazones de los hombres, imbuido su imaginación, e inspirado sus manos y sus lenguas, para dotar al mundo de la representación de unos seres que nacían de la piedad o de la oscura naturaleza que acompañará siempre a los hombres. Honrar a sus antepasados les ennoblecía a ellos mismos, y por mucho que los primeros cristianos se valieran de los escépticos paganos, como excusa de su verdad, la piedad, y no la superstición, era un patrimonio espiritual de una civilización, que nunca pretendió arrasar el cielo ajeno, considerándolo tan hospitalario, que los propios emperadores podían ocupar un lugar en el mismo. No debemos olvidar que las guerras entre Dioses son siempre inventadas por los hombres, ejecutadas en su nombre y bendecidas con la sangre de los creyentes vencidos.
Hubo un tiempo en que los Centauros, adornaban uno de los más excelsos edificios que la imaginación humana haya creado. Es curioso que el mismo Pausanias, no los mencione, pero seguramente el estilo un tanto arcaico de su ejecución, hizo que el, en otras ocasiones, minucioso cicerone, no se percatara de su elocuencia artística. Las metopas del Partenón, que representan el combate entre los Centauros y Lapitas, tras la boda de Pirítoo e Hipodamía, (tema central del Frontón del templo de Zeus en Olimpia), son una escuela de actitudes y cualidades, que pese a su desigual valor, consiguen retornar al observador, a un mundo donde el heroísmo era algo más que hojarasca marmórea de épica trasnochada. No obstante, no han llegado hasta nosotros todas las metopas por lo que cualquier juicio es aproximativo. La elección por parte del taller de Fidias, pudiera deberse al hecho de que Teseo, héroe nacional de Las Atenas y del Ática, había ayudado su gran amigo, Pirítoo en tan desafortunado lance, y entre ambos, habían conseguido vencer a los lascivos Centauros. Si lo que se pretendía era propagar un mensaje nacional o de advertencia a los visitantes, no es seguro que el efecto fuera el deseado, pues no en todas las metopas vence la parte humana. Se acostumbra con frecuencia a subrayar que las metopas representan el triunfo de la razón sobre la barbarie. Pero, como todo, el Logos supuestamente racionalista es un foco de diacrónica distorsión del arte griego. Y los Centauros, si bien se presentan como una tribu de feroces y brutales especímenes, algunos de ellos, llegarían, por méritos propios, o de los poetas, a representar la virtud del educador sereno, dentro de la paideia. Con el tiempo, el Helenismo, con su preocupación literaria por la expresión de los afectos, encontró en el Centauro, un modelo ideal de sumisión a la fuerza arrolladora del Amor, y la figura del Centauro con un cupido en el lomo, florecería, siendo el alado Eros, el que al final todo lo domeñaría. Aún así, los Centauros, antes de perderse en la memoria artística, volverían en la forma de sujetos jubilosos y amables, en la villa de Adriano en Tívoli, tal vez por un último y arcádico esfuerzo de deseo de permanencia y anclaje, en la imaginación de los hombres.
Todo pasa y todo retorna. Y por ello tal vez, solamente, la bóveda celeste custodiaba en la constelación de Sagitario el presagio del regreso. El hijo de una monja y un fraile pintor, estaba destinado a recuperar la figura del Centauro, hijo a su vez de Ixión y una nube, engaño asaz usado del Zeus más inconfundible, que gracias a las yeguas magnesias perpetuaría la estirpe tan poco legítima, del Gigante. Tal vez no fuera el primero, En 1482/4, Sandro Botticelli, encarnó a Palas Atenea y a un Centauro, en una Tabla, que acompañaba a la famosa Primavera, para su mecenas Lorenzo de Pierfrancesco de Medici, y quien fuera su discípulo, Filipino Lippi, llamado así por su padre, el también Pintor, Fra Filippo Lippi, recogería el espíritu de las invenciones alegóricas para su propia versión del Centauro. Se trata de una tabla hoy guardada en la Galería Christ Church de Oxford, Inglaterra, conocida como el Centauro Herido, (The Wounded Centaur) La tabla mantiene muchas de las concomitantes discusiones acerca del sentido último de lo representado, como sucede con casi todas las obras que tomaron como asunto, la representación de los remotos moradores del mundo de la antigüedad grecolatina, bien en forma de representación ad hoc, o de mimesis de literaria estirpe. Para entonces, a finales del Quattrocento, Apolo y Dafne, habían reaparecido ya en Pollauiollo, por citar un ejemplo que no pertenezca a Botticeli, y el lento resurgir desde la teatralidad hasta el serio intento de "rinascita dell’ antichità", sea esta cuestión entendida como se quiera, pues el debate sigue abierto, comenzaba a dar sus frutos. En definitiva, los mitos y sus protagonistas, dejaron de ser miniaturas con cota de malla para interpretar un papel más importante en el arte. A ello debemos esta obra, de la que se desconoce su fecha exacta de ejecución, si surgió por correspondencias con la de Botticelli, en un mismo ámbito o de una lectura estimulada de Ovidio, es tema para doctores.
El espectador, a poco que conozca la historia de Heracles, el Centauro Neso y Deyanira, se percatará de la mezcla de elementos que concurren en la tabla de Lippi. El Centauro que lleva arco y carcaj, (a diferencia del representado en la tabla de Botticelli), está desarmado. Sostiene en sus manos la aljaba, del juguetón Eros, que se esconde tras una roca, a la entrada de la gruta, donde unas pinceladas insinúan la presencia de una Centauresa con dos crías. La flecha del amor ha herido al Centauro justo encima de su casco izquierdo, y le obliga a mantenerla arqueada, pero es su expresión, de asombro, inusitado, como si fuera a dar paso a la resignación, propia de la madurez o de la experiencia de la edad, la que parece dominar el rostro del Centauro, al que no resta humanidad, precisamente la presencia de las orejas puntiagudas, más propias de un sátiro, compañero de Pan, o de Dionisos, que de los Centauros. Recalcando así la naturaleza, mítica y de quimera, del mismo Centauro, en contraposición con el semblante humano de dolor, no ante el deseo, sino ante un designio fatal que subyuga a todos los seres por igual, el Amor. Intento de explicación de cómo los peligros de jugar con el amor, a cierta edad, acarrean funestas consecuencias, en fin, moralidad por todas partes, y más allá, el paisaje, se abre al fondo, en un azul traslucido, que solo habitan las nubes; un cúmulo, recuerdo del origen lejano del mismo Centauro y el mar, enmarcan el dramático destino del mismo: no morirá de la herida, pero tampoco sanará.
Esta reaparición del Centauro, como la ya mencionada de Botticelli, quien, además, los utilizaría en los relieves simulados de La Calumnia, tuvo una no menos singular compañera, en una obra más oscura si cabe, La Alegoría Sacra o Alegoría del Purgatorio de Giovanni Bellini, obra de Cir. 1486, donde aparece un centauro entre las almas de los que no han podido conocer la verdad revelada. El Centauro, en las manos de Miguel Ángel, daría como consecuencia su Centauromaquia, que tanto amaba el escultor, pintor y arquitecto.
Nuestro admirado Carlos García Gual, en su personal DICCINARIO DE MITOS, en Diccionarios de Autor de la Editorial Planeta, Barcelona, 1997 concluye su artículo dedicado a los Centauros asi: « Es una pena que los centauros fueran nacidos de una nube y se hayan esfumado con el mundo pagano, sin llegar en sus alegres trotes hasta nuestros días. » Pág. 107. No obstante, no han desaparecido del todo. En la red se encuentran innumerables admiradores de los mismos. Un detalle curioso: Gracias a los efectos digitales, en la ridícula serie televisiva, que nadie sabe por que se tituló, "Hércules", los centauros hacen una aparición que tiene un interés añadido, pues los autores de los efectos, se enfrentaron a un reto desconocido, el auténtico movimiento de los Centauros, un problema al que no tenían que enfrentarse, los artistas anteriores, pero el resultado, a pesar de los esfuerzos no son verosímiles, no por falta de pericia, sino más bien, por imposibilidad física, el centro de gravedad de dos animales tan distintos, no puede convivir.
Saludos, amable, paciente, y espero que esta vez no muy severo Lector.

Addenda: Miscelánea sobre la entrada De Centauros.
El título de la película, de J. Ford, de 1956, Centauros del Desierto, es uno de los ejemplos, donde la manía española de cambiar títulos, ha dado una muestra de finura estilística, rara vez admirada. Originalmente era “The Searchers”
En primer lugar, la mezcla de animal y ser humano es constante en la tradición figurativa desde el origen de la civilización, pero en el caso del naturalismo griego, los ejemplos de los mismos son quizás los mas fascinantes por su versatilidad artística. La esfinge egipcia puede resultar grandiosa en su misterio, pero a lal arga aburre. La etimología del centauro es desconocida, no parece ser de origen griego.
Para Robert Graves, con su particular y refinada visión de la mitología griega es razonable pensar que existió una Tribu cuyo Tótem, era con toda seguridad el Caballo, y ello podría dar origen al Mito. Tesalia, era famosa por sus caballos y era de paso obligado hacia el sur de la península Balcánica. Las yeguas magnesias, se mencionan en Píndaro, y el monte Pelión, en muchas de las versiones mitográficas. La llegada de los nuevos pobladores, montando a caballo, daría la imagen del Centauro, hecho que según se cuenta, se repitió durante la conquista de los españoles ante las poblaciones, que no habían visto un caballo en su vida...Los creyeron un solo ser.
Las Centauras o Centauresas, se deben al ingenio de los artistas helenísticos, tan dados a la excitación de la imaginación.
Piero Di Cosimo, a principios del XVI, también se ocupó del tema de Los Centauros y Lapitas, hoy en la National Gallery. Contrasta la Tabla de Lippi, al tomar al Centauro como protagonista de una alegoría no literaria.
El rapto de la novia es un rito perpetuado en diversos relatos, y han sido símbolo permanentes en la representación del despertar de un pueblo, ejemplo, el de Pirítoo, y el de las Sabinas. Las Bodas de Cadmo y Harmonía fueron la última ocasión en que los dioses del Olimpo se sentaron a la mesa con los hombres para una fiesta, cuenta Calaos en su magnífico libro, como vemos las bodas siempre taren problemas.
Curiosamente Teseo y Pirítoo compartieron bajada al Hades, pero sólo Teseo consiguió regresar. Los ejemplos en pintura sin fértiles y pródigos, ver: Rubens, David, y muchos más... Piero Di Cosimo, a principios del XVI, también se ocupó del tema de Los Centauros y Lapitas, hoy en la National Gallery. Un siglo antes el centauro aparecía en una ilustración de La Divina Comedia, un anómimo florentino, hoy conservado en el Vaticano. Una vez más Dante.
Existe, por cierto una constelación que es la del Centauro, no zodiacal, como la de Sagitario, pero que alberga el sistema solar más cercano a nuestra estrella, es la llamada alfa centauri, a 4, 36 años luz de distancia... y para colmo es un sistema doble, de esos donde de haber un planeta, uno es incapaz de imaginar cuando es de noche...Además, se tardarían mas de 4.000 años en llegar a ellas.
Respecto a los esqueletos compuestos, como el de la imagen que acompaña a la entrada, son famosos los fósiles falsificados que pretendían dar validez a algunas teorías, o simplemente otorgar prestigio a sus descubridores. Como el hombre de Piltdown, o el de Archaeoraptor liaoningensis. Que se pretendía eslabón entre aves y dinosaurios.
Particularmente me horroriza uno: el narrado por Curcio Malaparte, en su novela, La Pelle, y en su versión Cavalli, insoportable, donde se "cena" una sirena, supuestamente compuesta por el cadáver de un pez y el resto de una niña.
Opuestamente divertido, el Ángel que aparece en un capítulo de la serie televisiva los Simpsom.
La sirena sobrevive en la Edad Media como el Hada Melusina, la cual curiosamente recuerda a la representación para una eva, la de la Catedral de Autum, en Francia, del S. XII. Esto es sólo una apreciación. El hada mezcla a las sirenas con las serpientes.
El simbolista Arnold Böcklin gravó nuestra moderna imagen de las sirenas, pero Flaxman, las representaría algo más conforme a la versión de la Odisea, con garras, pero sin alas. La imagen de la cerámica antigua y de las esculturas que perviven, no parece seducir a nadie...son como gallinas con cabecita de muñeca.Por cierto y como curiosidad sobre el movimiento digital de los Centauros: Cuando la fotografía se propuso determinar el estudio del los seres en movimiento, el caballo fue objeto de estudio de inmediato. Resultó que el movimiento de un caballo al galope no había sido interpretado correctamente por los artistas y las diferentes opiniones sólo fueron dilucidadas gracias a Eadweard Muybridge, y a su famoso experimento “ El Caballo en Movimiento.

ARCO 2007: "La feria ya está vendida".

2007-02-14T11:37:00.000-12:00

«Hay una absoluta falta de debate en el arte contemporáneo»
No son palabras de la Cizaña Estética. Son un extracto de la entrevista concedida a Ángela Molina, por Lourdes Fernández, la nueva Directora de ARCO, y publicada en el El País, el 13 de Febrero de 2007. Leemos la respuesta a esta pregunta: «¿ y dónde cree que debe estar la ética del crítico en el marco de la industria cultural, las bienales, las grandes muestras? » Se obtiene la siguiente respuesta: «Para mí, no es lo mismo hacer una crítica de una bienal que de una feria. Una bienal tiene un discurso, un proyecto determinado y un objetivo claro. Los parámetros de una feria son diferentes. El problema de este país es que no hay crítica, como la puede haber en otros ámbitos de la cultura, como el cine, que también es una industria que mueve muchísimo dinero. Una película realizada por un gran director puede hundirse por una crítica nefasta. Esto es lo que yo echo en falta en el arte contemporáneo. Hay una absoluta falta de debate. »
Debate. ¿Pero eso no es cosa del pasado? Hoy todo es arte. TODO es una profunda reflexión. El relativismo estético es el nuevo Reino de la Felicidad. Por tanto, no puede haber debate de ninguna especie. O tal vez, sólo tal vez, sí existe debate, pero su voz ha sido expulsada del orbe del arte. Inaudible, y menospreciada la voz de la disidencia, es un púlsar lejano, otrora fuente de luz, de una estrella que agotada por la edad, se ha convertido en una emisión, solamente detectable por los espectros peor situados en el margen del Universo artístico. Este blog, ha sido testigo de cómo la más leve inclinación respecto del discurso panteísta de los cielos artísticos, es inmediatamente menospreciada, por cometer el crimen inefable, que se resume en tres palabras. NO ME GUSTA. Pero puede que ello sea debido a una razón que se desliza antes del final de la citada entrevista «P. ¿Le interesan a ARCO las audiencias no iniciadas? » Pregunta, con posible malicia, sin duda. A lo que Lourdes Fernández responde: «Las audiencias no iniciadas nos tienen que interesar a todos, no sólo a Arco. Me niego a aceptar que solamente ese mundo de expertos ha de tener acceso a la información. Otra cosa es cómo segmentamos a ese público. Arco está dirigida a todas las audiencias, pues se trata de crear conocimiento futuro.»
Nos encontramos, pues, entre las audiencias no iniciadas. Todo esto tiene un aire de mistérico esotérismo. ¿Iniciados en qué? En La Nueva Religión. Asistimos, pues, a un Concilio ecuménico, pero sin herejías. La Feria es un pacto de Caballeros. Los excomulgados o sujetos a interdicto, no pueden ejercer su derecho a réplica. El debate silente se refugia en las alternativas de unas pocas revistas especializadas en perpetuar un evangelio, que no seducen por su glosolálico mensaje del todo vale; al contrario, ejercen una pírrica batalla intramuros, defendiendo una Troya, que incauta, ignora la artimaña que se abate sobre la historia de quien defendía un mundo capaz de resistir hasta la muerte, sin renunciar a la posesión de la belleza, esa Helena, que tanto sufrimiento acarrearía, y cuya tenencia paliaba todo mal, pues era parte de una conducta en el vivir. Con los dioses o sin ellos, la belleza, no salvó a nadie. Y los perros siguen comiendo los huesos descarnados de un cadáver que se exhibe, cada año en ARCO. Del Hades descienden y ascienden, al vaivén del mercado, las cotizaciones. Los expertos, concurren todos, armados con la panoplia del discurso reiterado con saña, inmisericorde en su ortodoxia; los no iniciados, pagaran treinta euros, y otro tanto por un catálogo, que se convertirá en el vademécum de las siguientes generaciones de estudiantes de BBAA, triunfando Odiseo, frente a la nobleza suicida del Pélida Aquileo, se cumplen, así los auspicios de un Futuro, con conocimiento... ¿Pero de qué tipo?
Doscientas mil almas, se calcula, visitarán esta entrega de Arco, y «ya se ha vendido todo». Por tanto, se verá lo que otros ya poseen, pero nos educaran en el gusto. Pues quiere el rito que el profano necesita que le guíen, hacia el centro de esa verdad que contiene el centro del laberinto, el hilo es hoy un billete para asistir al Tabernáculo. No es cierto que no haya debate. Aquellos que supuestamente están capacitados para hacerlo han decidido que los dados mostraran siempre la jugada de Venus, pues Nadie, vendrá a vengar al Polifemo. Con las consecuencias consabidas. La postrera esperanza, de un ciego, es que un tuerto lo conduzca de la mano. Los iniciados, se bañaran en las aguas del Estigia, con hedor a papel moneda, y un barquero institucional, por cicerone. Ya hemos mencionado, que toda crítica, al quehacer artístico se encuentra con un muro, de intereses subrepticiamente obtusos, y cómo nadie se da por aludido, y los que lo hacen, utilizan la pataleta y la agresión personalizada, como si esto fuera una riña de patio de colegio. Con tales armas, el arte no puede seguir en manos del Ejército de Salvación de las Bienales, las Ferias, o las Grandes Galerías, y Museos programáticos. El pecado original, de todos nosotros, es olvidar que es el gusto del Público, y su conciencia, el que al final debiera poder decidir el rumbo del Arte; pero si necesitamos que nos inicien, por qué no se construyen catedrales, hermosas, en su comunión con las gentes que las hicieron posibles. ¿Debemos conformarnos con las Ferias, subvencionadas, y además, que nos tomen por idiotas, o como poco, necesitados de catequesis estética? Una última afirmación de Lourdes Fernández: « El mercado no sólo valida económicamente; también da un estatus al artista, al igual que un museo o una bienal. » ¿Quién validará a los que no profesan la religión de ARCO? La posteridad al instante, en forma de sobrecito. Consagrados por ARCO, erijamos un túmulo para una verdadera Hecatombe. La de nuestra libertad, pues si es gremial y bovina, por no iniciada, no merece la pena ser salvada. Condenados a vagar otros cuarenta años, el maná del éxodo de los apátridas del arte oficial, es hoy más que nunca un ficción azarosa. La Feria, en palabras de su Directora, ya está toda vendida, ¿acaso no lo estuvo ya, antes de ser inaugurada?
Saludos, anónimo, paciente y amable Lector.

Cuento breve: Retrato del artista, no ya tan adolescente.

2007-02-10T06:14:00.000-12:00

El efecto Grünewald.
Hacía tiempo que el artista, no ya tan adolescente, cumplía con la misión de asistir a la Feria, y cada año, la romería de la vanidad llamada ARCO contaba con su presencia. Para representar las nuevas tendencias de su Galería, en esta edición, su marchante, se había decantado por él. Consciente de su papel, se vistió con su parsimonia acostumbrada, y se contempló de arriba a abajo: toda su indumentaria era negra, como era natural, dada su condición de artista amante de las imágenes de una violencia tan realista, como explícita, que le habían abierto hueco en el laberinto de nombres propios del mercado de arte más internacional, así como alguna que otra polémica mediática. Todo comenzó con una instalación que le encumbró rápidamente, aquel éxito, inesperado, había convertido su obra en una repetición de sí mismo, pero esto no era cosa que le preocupara, tenía un lenguaje y un estilo propios, y eso era bastante singular para su edad. Recordó su primera instalación en medio de los viandantes de ARCO, a los que despreciaba, con abierta pasión, y este orgullo se cubría tras un par de gafas negras, de marca, obviamente. En una sala oscura un video proyectaba sobre la pared desconchada las imágenes de una ejecución pública de un país de los que todavía la practican, mientras una canción de Judy Garland, de su última época, atronaba en los oídos de los pobre visitantes, una corriente de aire frío helaba la nuca del espectador acongojado. Las imágenes del macabro linchamiento, mezcladas con una voz donde los estragos del abuso hacían visibles la huella de la desgracia personal, el frío soplo de la muerte, le parecían al artista, no ya tan adolescente, una combinación difícil de superar, y por ello siempre buscaba nuevas formas para la expresión de sus ideas.
En esta edición, se presentaba con una obra más sencilla en su concepto, pero más ambiciosa en su poética, y al llegar a la Galería la presencia de su obra dominaba el centro de la misma. Una inmensa bola de alambre de espino oxidada acogía en su inmensa maraña los miembros desencajados de unos maniquíes de fibra de vidrio ensangrentados. En el corazón del macabro enredo, una luz parpadeante contribuía aún más a la morbosa alucinación de la obra. Su galerista confiaba en que alguna institución bancaria decidiera, por fin, adquirir la obra del artista, no ya tan adolescente. O en su defecto, una Fundación, con director liberal, que con dinero ajeno, sufragara la transacción. Y así, asegurar el papel del artista, no ya tan adolescente, en el mundillo del coleccionismo institucional. Unos periodistas de su pequeña ciudad natal, le harían una entrevista, y el artista no ya tan adolescente, desplegaba un discurso, que le aburría, pero que no podía evitar, pues empleó años de afianzamiento de una perorata que denunciaba supuestamente la presencia de la violencia en los medios, mezclada con ardides de conceptualismo ramplón, eficaces, y fatuos, por igual. Sonoramente esqueléticas a cualquier disección del pensamiento, pero con la rara virtud de impresionar a los mediocres de una prensa, que tan pronto cubría un partido de fútbol, como un evento cultural, las monsergas pseudoestéticas del adoctrinamiento personalista, aparecían de su boca con el deje cansino que fingía, como si fuera uno más de sus accesorios en negro, y que él, tenía mucho cuidado no descuidar, en sus declaraciones públicas. Habló de sus inicios en la Facultad, de su interés por un mundo en decadencia, y de cómo el arte ya no era para colgar en las chimeneas, de la muerte del arte que conocían en el siglo XX, y de cómo él, sólo pretendía mostrar la miseria del mundo, etc, y etc. Mientras arengaba a la jovencita periodista local, su mirada se cruzó por un momento con los de la condesa de Bérgamo y la de su amiga, la Señora de Colluejos. Las Damas, so chics, aparecieron de pronto, y saludándolo con un ademán de complicidad, lanzaron un beso al aire acondicionado del inmenso Stand. Espió como se alejaban, mientras notaba un súbito requerimiento.

Todo aquello, incomodaba, al artista, no ya tan adolescente, pero con un estoicismo elogiable, soportó de pie todas y cada una de las situaciones habituales en tales citas. Al concluir, tras una agotadora tarde, un sabor amargo le vino a la boca y nada más abandonar la feria, un cigarrillo le auxilió en medio de una procesión de gentes que lentamente se desgranaba hacia la gran ciudad. En su ánimo, un vago desasosiego, en el decir de un poeta amigo suyo, irrumpía siempre al acabar los actos de ARCO, que para él suponía el comienzo del año. La pregunta, «¿cuál será la próxima obra? », se abatía sobre su frente prominente, con entradas, de viejo prematuro, y comenzaba el escrutinio inquisitivo del siguiente proyecto... y de repente con el fulgor del fósforo que acababa de extinguir para encender otro cigarrillo, imaginó un patíbulo de ahorcamiento, donde situaría a las damas coleccionistas, colgadas, y entre ellas, un par de obras de un mercadillo de antigüedades, un paisaje y un bodegón, también colgadas por una esquina, acompañando en su triste destino a las pobres mujeres. A los pies de ambas un anónimo marchante, con un indiferente gesto de autoridad, firmaría la hora de su defunción. Sonrió bajo sus gafas oscuras, y una vez más se enorgullecía de su febril imaginación. Y en este trance de autocomplacencia se encontraba el artista, no ya tan adolescente, cuando al salir del Metro, un trozo de cartón se pegó a sus zapatos de cuero negro embetunados con la pez carísima de una marca inglesa. Se dobló par recogerla, creyéndolo un flyer, entre sus manos tenía una reproducción, una postal seguramente, de un tríptico que no desconocía por completo, pero al que nunca había prestado atención de ningún tipo.
La historia del arte no era una asignatura necesaria en la facultad, después de todo. Y así el Retablo de Isenheim, de Grünewald, surgido del mudadal de la cultura moderna de la reproducción masiva, caía en sus manos. Con un gesto de supersticiosa naturaleza, decidió observarlo al llegar a su casa. Pero durante el trayecto no dejó de rememorar el fugaz vistazo, y sin soportar más la espera, se sentó para poder mirar la reproducción. Según pasaba los ojos por la superficie de la tarjeta, un aire de vergüenza y de bochorno, inundaba los pantanos de su confianza, y supo entonces, lo poco que sabía él, el artista, no ya tan adolescente, del dolor humano. ¿Alguien, unos cientos de años antes, se había adelantado a sus obras? ¿Alguien ya tenía por patrimonio, sus figuraciones? Alguien en suma, le había ganado la partida. En su ingenuidad olvidada, por entero, la historia del arte, el artista, no ya tan adolescente, creía que el arte había nacido con Duchamp, y Beuys, era su último profeta. Nuca imaginó, que el horror hubiera sido ya tan explícitamente descrito. Se quedó más silencioso que de costumbre dentro de sí mismo, y con pies ligeros, más propios de un insecto asustado, que de un ser humano, alcanzó su destino. Nada más llegar llamó a unos amigos para salir. El efecto Grünewald, había pasado, por fortuna, para el artista, no ya tan adolescente, y para el resto del mundo.
Saludos, anónimo, y amable Lector.

Cuento breve:El precio del arco peraltado.

2007-02-06T01:38:00.000-12:00

La Condesa de Bérgamo, más conocida por La Bergamota, por sus antiguas compañeras de Colegio, se encontraba frente a un dilema sin precedentes en la historia de sus incursiones a Arco. Plantada cual instalación, delante de La Obra que su amigo y reputadísimo periodista especializado, le había sugerido adquirir, no sabía qué pensar.
La Obra en cuestión era una serie de cuadros de pequeño formato, cada uno de un tamaño, y un contenido y composición diferentes, que colocados de forma aparentemente casual, desplegaban una composición más ambiciosa sobre la pared neutra de la galería. «Pero esto no va a quedar bien en mi paño nada neutro...» Pensaba, rumiando, al decir de su marido, pues la expresión bovina era el recurso visual, que el conde solía usar al referirse al supuesto pensamiento de su segunda mujer. El conde aparte del ingenio para el insulto fino, no destacaba tampoco por nada que le hiciera pasar a la posteridad nacional. Pero la vida no les había tratado nada mal, y el negocio de pieles, reconvertido en firma para élites sin apuros ecologistas había sido una bendición, por la que daba gracias a Dios, todas las noches la Condesa. Generalmente había adquirido, ella jamás compraba, todas las obras que el reputadísimo había ya seleccionado previamente. Pero aquel infausto año, un aire de no se sabe muy bien qué, había sustraído la cabecita de la Condesa, y esta había puesto como condición, ver en persona, las obras, antes de dar su aprobación definitiva de la adquisición artística de invierno, como gustaba decir a sus amigas. Comenzaba a arrepentirse, unas piojosas se había interpuesto entre su persona y Su Obra y no dejaban ver a la Condesa. Aquella impertinencia de tamaño mal gusto sólo podía sucederle a ella, por intentar ser como todo el mundo, y no negarse los sencillos placeres de la calle, pero aquello era demasiado, incluso para una condesa democrática como era el caso, y no pudiéndose resistirse, le espetó al pequeño ser que la había recibido unos minutos antes: Disculpe, ¿ es, irremediable, la presencia de esta gente aquí? Esto le pasa por no tener puertas en su galería... El galerista, contratado por El Galerista, no sabía donde meter su spanish shame, y una risa nerviosa inundó el aire entre la Condesa y las piojosas, quienes no se habían enterado de nada. La Condesa, disimulaba siempre su malestar con una sonrisa, que ella imaginaba leonardesca, pero que no pasaba de ser una expresión gatuna, muy propia de su clase, y acariciando su abrigo de visón sin corte visible, con su guante de piel brillante, tras su maquillaje, el sudor de la humillación hubiera hecho aparición, de no hacer lo propio, su amiga del alma, La Señora de Colluejos, esposa de banquero y expolítico, madre de tres intrépidos ejecutivos con un pie en consejos y futura suegra del soltero mediático más impopular, pero con más caché del Hola.
Se Saludaron con la máscara de la casualidad premeditada por agendas con semanas de antelación, y al pronto, estaban chachareando, como dos expertas sobre La Obra: ¿Esta es La última propuesta, de tu experto? Si cielo, Y tú ¿ Qué opinas? Silbó la Condesa. Es Interesante, pero no entiendo como no te ha sugerido esa otra con ese azul tan clein, quedaría de miedo en tu nuevo loft. Para la Señora de Colluejos, todos los azules eran Klein, no sabía muy bien porqué. Y nadie la había corregido, acontecimiento tan raro como el sol en una película de Angelopoulos. Ambas profesaban una envidia secreta y honda, como el amor, por la Baronesa, que daba título a su propio Museo, y cada vez que se topaban con un ascensor de igual firma, sonreían, como si hubieran descubierto una metáfora de la vida, en su poética del subir y bajar, tras el elevador de tan nobiliario nombre. Si a alguna de ellas se les hubiera ocurrido pensar así, habrían sufrido jaqueca, por lo que rara vez decían nada que no hubiera sido refrendado por algunos de sus amigos, entendidos, en todos los campos que pululaban en su entorno, y a los que, por fin, les parecía a ambas, que habían obtenido un lugar donde ser soportables, en sus peroratas sobre arte y tendencias...Cosechaban los frutos merecidos de las insufribles tardes con la miríada de diletantes de toda laya, que como el cava nacional, no faltaba en toda reunión social, y que como el espumoso, ser nacional, era sinónimo, de un faltarle un lle ne se cua...al decir de La de Colluejos, que recordaba un poco de francés del colegio y simulaba sentir un aprecio por todo lo galo, ya trasnochado para nuestra época. La Señora de Colluejos a pesar de todo, consideró siempre de buen tono, por no decir imprescindible, poseer un toque demodé, si se quería aspirar a la eternidad. Esto último lo había leído en un anuncio de parfam, al que era adicta, como a los somníferos.
Dis is ouver, oyó La de Colluejos suspirar a la Condesa, que había tenido doncella búlgara, y que debía saber mucho inglés, a su juicio, y ambas, como autómatas del dieciocho, con inmensos ojos muertos, decidieron pasar lo que quedaba del día, en una cafetería tan sobria como elegante y discreta, que descubrieron junto a Agustín de Foxá. Llegadas al sofá, ambas pidieron una copa, y con la complicidad de un camarero tan profesional, estas eran repuestas, sin el menor asomo de existencia previa. Las damas, estaban tan abstraídas que no repararon en quien podía ser testigo de su conversa conversación. Sólo una década atrás, no hubieran puesto sus ojos en nada que no tuviera al menos doscientos años de antigüedad, si de llevarlo a casa se trataba, sin soportar a la carcoma, claro, lo antiguo, no debía estar reñido con la buena conservación, y el aire de museo diocesano había dejado paso al de gran coleccionista privado, que provocaba estragos entre las correligionarias de la de Colluejos y la Condesa. Pero mantenerse al día era ya una tarea tan ardua para las sufridas señoras, que empezaban a estar hasta el moño veneciano que jamás habían llevado, de la obligación de comprar aquellas Obras...
La verdad, querida, no puedo dejar de pensar que nos vampirizan, entre los conoseus y los artists, esto cada día es más agotador. Y que lo digas, mon cherí, si he de serte sincera, cada vez que me tropiezo con la obra del tal son no se qué, me dan ganas de decirle a mi marido, el pobre, que la trasplante a su oficina. No lo hago, por que ya soporta mis otra debilidades, tú sabes y el despacho de la sede está ya un poco recargado, ¿no crees? Replicó la de Colluejos a la queja primera y espontánea de La Condesa. Ni me lo recuerdes, la verdad, no sé como te dejaste convencer... Cada día la encuentro menos soportable, creo que deberías hacerla circular. Si, pero tú tampoco te has lucido mucho, querida mía, la estatua de plástico es de un error monumental, como tirar la sevres, y no quiero ahondar en el recuerdo. Espetó la de Colluejos con mala fe. Si, pero lo realmente humillante, es tener que comprar con todos los demás, ¿no crees?. Si yo, quisiera hacer eso, los hipermercados entrarían en mi agenda. Arco, desde luego será una Feria, pero tiene que serlo tan literal...Soltó una risa silbante, desagradable y rotunda, queriéndose simular brithis, resultaba mediterránea, por no ser cruel, pero las bebidas no eran agua de vichí precisamente.
La dos mujeres habían encontrado un último esplendor mundano en el mundo del arte y si otras se derrumbaban ante el falso glamour de las aspirantes a damas del couché mas abigarrado, ellas se resistían y ejerciendo de damas de la caridad de una cadena de cínifes sanguinolentos, a su miras, pero inconfesable, a la postre, ante sí mismas, y ante los demás. Por eso de vez en cuando despotricaban en su reservada cafetería sobre su más pública afición, origen de su aflicción y sin embargo, estación central de sus últimas apariciones en la gaceta de la ociosa sociedad, por ellas mismas, y no por sus maridos hijos o servidores infieles. Sufrían del mal que nace de un briíllo que no por espurio, podía dejar de seducirlas. Pasados los tiempos de la gloria de la belleza, empeñadas en ser de su tiempo, la lectura de una biografía de Peggy (Guggengheim), las había trastornado, y la relumbrona Baronesa, si bien les había abierto el camino, no dejaba de recordarles un detalle de su horrible fracaso, en el fondo hubieran debido coleccionar arte impresionista, o al menos de la vanguardia, la que fuera, pues tampoco se defendían entre tanta jerga, y su decisión de ser modernas a toda costa empezaba a hastiar, no sólo a su vista, sino a sus ánimos. Sumergidas en la concatenada sucesión de copas, y con el aire, cada vez más tibio, de dos honradas matronas, decidieron verse a más tardar en la nueva inauguración de esa galería con nombre de güisqui escocés, ja ja ja, nunca recuerdo como se llama ¿ y tú? No, ¿y sabes a quién lleva esta temporada? No, pero seguro que es de su cuadra....JA JA JA, Se les oía reír, con la inocencia de haber hecho un chiste sin querer.
Saludos anónimo, como paciente y amable lector. Cata, para ti.
Buscando El Liceus. El Portal de Las Humanidades: « La 26ª edición de ARCO contará también con la presencia de prestigiosas revistas de todo el mundo especializadas en arte contemporáneo. Las instituciones seguirán constituyéndose como importantes exhibidores y coleccionistas en ARCO'07. La Feria dará también los primeros pasos para reforzar su papel como plataforma de negocio y punto de encuentro del mercado internacional del arte contemporáneo, dedicando una especial atención a los coleccionistas tanto privados como institucionales y corporativos. Alrededor de 200 coleccionistas de todo el mundo llegarán a Madrid en una edición renovada del programa de Coleccionistas Invitados. La apertura exclusiva de la Feria para profesionales durante el miércoles 14 y jueves 15 de febrero pretende proporcionarles el entorno más adecuado para contemplar en primicia la totalidad de las obras y realizar sus adquisiciones en un ambiente más exclusivo y absolutamente profesional. El coleccionismo corporativo cobra en esta edición una nueva dimensión. Ejemplo de ello es el patrocinio de la firma automotriz Hyundai, del grupo Bergé, que se hará cargo de la Sala VIP durante la feria. El grupo cuenta con una gran colección de arte contemporáneo que podrá contemplarse en dicha esa sala; la marca Hyundai es además coreana, lo que refuerza la presencia del país invitado de ARCO'07 »

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2007-01-27T02:20:00.000-12:00

«Con la Ciencia moderna, con el Derecho positivo y la Ética profana fundamentada en principios, con un arte que se ha hecho autónomo y una crítica artística institucionalizada, han cristalizado tres momentos en la evolución de la razón, sin ayuda siquiera de la Filosofía.» Pág. 26 Jürgen Habermas, LA FILOSOFÍA COMO VIGILANTE( PLATZHALTER) E INTERPRETE, ponencia publicada como el primer artículo del libro: CONCIENCIA MORAL Y ACCIÓN COMUNICATIVA. Planeta Agostini. Barcelona.1994 Traducción de Ramón García Cotarelo. «Incluso sin haberse visto inducidos a ello por la crítica de la razón, los hijos e hijas de los modernos aprenden a ver como se ha dividido y se ha construido la tradición cultural bajo alguno de estos aspectos de racionalidad en cuestiones de verdad, de justicia o de gusto. » Pág. 26.
Estas palabras del filósofo alemán fueron pronunciadas en 1981, en Stuggart, a tenor de lo escrito en su primera nota. Su primera frase dice así: «Los grandes pensadores han caído en descrédito. » Es un principio tentador y sugerente, que invita a proseguir su lectura. Téngase en cuenta la rara ocasión, tratándose de filosofía, y contra la común opinión de que los textos de tal disciplina son arduos e impenetrables, con su filosa obsidiana de pétrea semántica, y la coralina inmovilidad del inabarcable campo de significaciones virtuales, que es el estatismo del arrecife inmenso en que se convierte todo cementerio de las ideas posibles, acabaría con la intención, de ser leídos, antes de haber nacido siquiera. La intención de comprensión, claro. Sarcasmos aparte, y marginando el supuesto tono de postmodernidad, ocioso, para nuestro propósito, debemos aclarar que el texto de este breve ensayo, describe unos síntomas que están lejos de haber desparecido del horizonte de sucesos en que se mueve el pensamiento occidental. Todo a derivado a intentar vencer el mal, con su obsesiva omnipresencia mediática, que no somos capaces de enjuiciarnos sin perdonarnos casi todo. Y casi nadie se pregunta cómo hemos arribado a esta orilla del mundo y sobre todo a lomos de quién o qué testuz, alumbraba los caminos con su sirénido canto de luz y pan. Habermas, tras un comienzo tan conciso, desenmascaraba esa tendencia del descrédito, en la filogenia del crepúsculo de los dioses del pensamiento, y tras Hegel, a manos de Popper, nos aclara la caída de Marx, y el mismo destino para Kant, como a Nietzsche, otro que siempre está en una picota de marfil.
No vamos ni podemos resumir el ensayo, pues cada frase daría para una entrada si apuramos la intención, cosa que no es el caso. Sólo decir, que en respuesta a la Crítica de la Filosofía, de Richard Rorty, o con excusa y dispensa, o sin ella, Habermas se propone descubrir cómo puede dudarse de la validez de la teoría del conocimiento trascendental, y de su fundamentación por parte de Kant, y lo que por necesidad provoca tal cuestión, el papel de la Filosofía como juez supremo que separe la capacidad de la razón práctica y del juicio del conocimiento teórico, dotándolos de sus respectivos fundamentos, (así como de acomodadora de las ciencias y) y tras su afirmación, «En el concepto de Kant de una razón formal y diferenciada en sí misma, se encuentra una teoría de la modernidad», el autor se pregunta: «¿acaso este concepto de la modernidad u otro análogo ha de consolidarse o hundirse verdaderamente con las exigencias fundamentalistas de la teoría del conocimiento? » Pág. 14. Pues para Habermas, si Rorty, pedía una abjuración por parte de la Filosofía como protectora de la racionalidad, «con la extinción de la Filosofía, también debe desaparecer la idea de que el poder trascendental que suponemos unido a la idea de la verdad o de la libertad sea una condición necesaria para establecer formas humanas de convivencia. » Pág. 13.
Una vez más el fantasma que pide la abolición de la Filosofía, atacaba de nuevo, con sus cadenas de reo estridente, esta vez de la mano, o del tobillo de un americano. Las críticas de Habermas contestaban alguna de las ideas del libro de R. Rorty, LA FILOSOFÍA Y EL ESPEJO DE LA NATURALEZA. Pero debemos escuchar al propio autor americano en unas palabras del prólogo a su edición de 1994 de CONSECUENCIAS DEL PRAGMATISMO: «Como intento establecer en CONTINGENCIA, IRONÍA Y SOLIDARIDAD, la reflexión filosófica debería centrarse principalmente en la solidaridad humana, y no en un género de objetividad más allá de la intersubjetividad», en su versión castellana, Tecnos, Madrid, 1996. Por tanto, la solidaridad humana de Rorty y las formas de convivencia humanas de Habermas, ¿ deberían basarse en lo que suponíamos como «idea» de verdad o de libertad? Rorty sabía de lo que hablaba y tal vez su pecado es el de ser sólo Profesor de Humanidades, léase con cursivas, o baste leer su último ensayo en el citado libro, La Filosofía hoy en América, para comprobar, la distancia que media entre ambos autores. Por tanto, no puede dejar de extrañarnos la posición de Habermas, como supuesto defensor de una “división del trabajo existencialista” como simple sustento de la Filosofía... Y todo por que la Filosofía, desde el pragmatismo y la hermenéutica, debía ceder su puesto de acomodadora o su función de tal, por la de vigilante, «para la las teorías empíricas con grandes pretensiones universalistas, que es a lo que siempre han aspirado las cabezas más productivas en las distintas disciplinas.» Resumiéndolo, las ciencias y la filosofía «trabajan con la conciencia humilde de que aquello que la Filosofía pretendía conseguir antaño sola, hoy sólo puede esperarse de la armonía feliz de diversos fragmentos teóricos. » Pág. 25. Humildad, escasa, la verdad. Pues, hasta Rorty, recuerda como los mismo pensadores del momento, en la orilla continental, se creían lideres de la polis total, y por tanto unos faros del peligro amenazador que sólo ellos , parece ser, podían presagiar o ver. Hasta aquí y saltándonos evidentes razones, y argumentos, puntos y renglones de peso o sin él, puede simular una de las interminables y farragosas discusiones sobre la Filosofía y su razón de ser en los tiempos de las dos últimas décadas del pasado siglo.
Pero debemos retomar el principio de la cita, que de excusa nos servía, y llegamos al preludio de algo que nos asombra por la naturalidad de la expresión: « Si hoy prescinde( la filosofía) de su función de juez en lo relativo a la cultura, como lo hizo respecto a la Ciencia, ¿ acaso no renuncia a la referencia a la totalidad, sobre la que hubiera podido apoyarse en su condición de protectora de la racionalidad» Pág. 26. Juez de la cultura y renuncia, a la totaliadad de una Atenea racionalista... ¿cómo encaja esto con el Mundo de la Vida?, es algo que rebasa nuestra intención. « Ahora bien, con la totalidad de la cultura sucede lo mismo que con las ciencias, no precisa fundamentación ni justificación jerárquica alguna. » Pág. 26. Porque la Modernidad, con sus estructuras de racionalidad, se convierten en esferas de valores culturales, como descubren Weber y Lask, en palabras de Habermas. Y todo por un proceso de desintegración observable: « Las ciencias van despedazando las imágenes del mundo y se niegan a hacer una interpretación de la totalidad de la naturaleza y de la historia. Las éticas cognitivas prescinden de los problemas de la vida buena y se concentran en los aspectos estrictamente deónticos, susceptibles de generalización, de forma que del bien sólo queda lo justo. » Pág. 26.Nos asalta la intriga: si en todo esto la Modernidad ha sido la madre de todas las derrotas, de los estertores agónicos en torno al papel de cada cual en el mundo del pensamiento, cómo saber si fue primero la gallina o el huevo.
Para Habermas, «Las grandes simplificaciones de que caracterizan a la modernidad no precisan de fundamentación o de justificación.» No se asuste nadie, que lo que suscitan, son: « ...problemas de mediación.» Pág. 27. Y se plantean en las esferas de la Ciencia, la Moral y el Arte. «Y un arte que se ha hecho autónomo trata de conseguir la configuración, cada vez más pura de la experiencia estética fundamental, que tiene consigo misma la subjetividad desconcentrada, liberada de las estructuras espacio-temporales de la vida cotidiana; la subjetividad se independiza de las convenciones de la percepción cotidiana y de la actividad utilitaria de los imperativos del trabajo y el beneficio.» Habermas apreciaba así, suponemos, la situación del arte de finales de los setenta, porque dice para la mediación en torna a la esfera del arte: «el arte de posvanguardia se caracteriza por la extraña simultaneidad de las corrientes realistas y políticamente comprometidas con la auténtica prosecución de la modernidad clásica, la cual explica el mantenimiento del gusto.» Pág. 27. y como no quedándose a gusto del todo añade: «Pero con el arte realista y comprometido se manifiestan también en el ámbito de la riqueza formal, liberado por la vanguardia, elementos cognitivos y práctico-morales.» Una vez más, los juicios de valor aparecen como descriptivos y el arte sucumbe a una más de las manidas defensas de lo necesariamente demostrable para la justificación de las ideas que nos despejaran el camino de la verdad, al final del cual, debe figurar la Estética, de lo contrario, la visión totalizadora y por tanto válida, o como poco, mantenedora del atisbo de racionalidad pergeñable, quedaría alejada de las esferas de los que buscan el equilibrio entre una razón separada de la praxis de la comunicación cotidiana... de, dejémoslo.
«Los fundamentos están hechos de un material especial, y nos obligan a pronunciarnos sobre ellos con un simple sí o no» Pág. 29. Pues sí y no, y ¿ qué significa esto? Si un artista joven descubriera las afirmaciones de Habermas en torno al arte, podría pensar: Et Voilà, puedo intentar ser un ejemplo de auténtica prosecución de la modernidad clásica Sic. Y puede no renunciar al ámbito de la riqueza formal, liberado por la vanguardia, con sus elementos cognitivos y práctico-morales. Y así podrá ayudar al mantenimiento del gusto. Y, todo ello con las armas de la subjetividad que se independiza de las convenciones de la percepción cotidiana y de la actividad utilitaria de los imperativos del trabajo y el beneficio. Pero ¿podrá renunciar a vivir de su arte, este desprendido artista?
Puede que si...Pero, es que todo esto nos recuerda a un clásico de este blog, « El arte es la filosofía que refleja un pensamiento » Antoni Tàpies, claro que Tàpies no vende cuadros, ni arte, cobra por sus brillantes creaciones filosóficas, y quien no lo ve así es que no tiene gusto estético, ni sabe de filosofía y encima es un envidioso.
Otras posibles preguntas ¿El descrédito de los grandes pensadores, es un producto de la Modernidad? Entre pensadores «científicos» y «literarios», ¿ qué papel juega el mundo? Los procesos de entendimiento del mundo vital, de los que habla Habermas, y la distinción entre «apariencia» y «realidad» y sus descripciones en términos de utilidad, de Rorty, ¿cómo encaja toda posible validez de nuestras, en apariencia meras prácticas de justificación? En definitiva¿ qué nos hace más humanos, pensar o procurar que nuestro pensamiento se encamine al bien común?
Saludos, anónimo como amable y paciente Lector.

De argumentum ad verecumdiam. Kant y la Realidad.

2007-01-18T04:43:00.000-12:00

Uno, no el único, de los logros a los que aspiró el Renacimiento fue sin duda el de proporcionar Imágenes verosímiles del Pasado. Pero no de cualquier pasado. De un pasado muy delimitado, no sólo en el tiempo sino también en el espacio, al que comúnmente se conoce como L’Antichità, y al que los especialistas han prestado particular atención. Para algunos historiadores de Arte esta Antigüedad Grecolatina, fue tanto motivo de inspiración, como de lastre y a veces, se ha considerado un simple tópico, proporcionado por la historiografía vasariana. Tópico o no, el caso es que los artistas Flamencos del Norte del siglo XV, cuando querían proporcionar un marco antiguo, recuperaban el Románico, frente a su Gótico contemporáneo, y puede que sin los impulsos de los artistas Italianos, la recuperación, de los modelos antiguos, no se hubiera extendido tanto a la Pintura, como en Arquitectura, con el consiguiente éxito que, desde, Brunelleschi o Alberti, comenzarían pronto a «resurgir» en las obras del Quattrocento. Puede que los artistas, y arquitectos equivocaran sus fuentes y no acertaran siempre en la elección de los modelos, pero en lo que no se engañaban era en el ansia de recuperar para su propio tiempo, los modos y maneras de un tiempo pasado, que comenzaba a ser de nuevo valorado como la esencia de su pasado, y de la que ellos querían ser una muestra viva de una herencia, y que, para muchos, nunca debía haberse olvidado.
El esfuerzo de un Mantegna, al que se acusaría, modernamente, de arqueologizante, debe ser comprendido como la respuesta artística de una demanda que sus propios contemporáneos reclamaban. Los Humanistas habían abierto la puerta al gusto por lo antiguo y pronto, se pasó de coleccionar y apreciar, tan sólo manuscritos, y monedas, al atesoramiento de otras manifestaciones antiguas, con escaso valor epigráfico, pero prometedor. El nacimiento del gusto por el coleccionismo de obras antiguas, dio origen a las incipientes falsificaciones, y es muy revelador que se cotizaran más que las obras de artistas vivos. Es natural pues que los artistas quisieran dar una Imagen del Pasado que no sólo fuera evocadora, sino también lo más fiel posible al modelo y proyectara la misma perfección de un paradigma que se pretendía recuperar, recrear o simplemente imitar. Pero además tenían que resolver un problema más acuciante, la obtención de la capacidad de situar al espectador en un punto tal, que la obra pareciera una ventana o sección del cono visual que la nueva ciencia de la Perspectiva suscitaba, y añadir a este punto la mayor perfección posible en la ejecución de los detalles, así como de la apariencia en anatomías, de Hombres y animales y las cualidades específicas de cada objeto y su materia. Qué no es poco. Desde un Mantegna, muerto en 1506, hasta llegar a Poussin, muerto en 1665, por citar a un artista especialmente capacitado para evocar la antigüedad, transitarían muchas obras, con mayor o meno grado de logro del citado problema. Y no se extinguió del todo... Hasta que llegó el cine.
Curiosamente las primeras grandes producciones cinematográficas del temprano Hollywood al buscar ideas para el diseño de producción del pasado se inspiraron en las pinturas de L. Alma – Tadema. El pintor neerlandés, (1832-1912) catalogado como neoclasicista, dentro de las corrientes del siglo XIX, hoy muy poco apreciado, y sin embargo exprimido y explotado por el cine, suministró una imagen general del mundo antiguo que D. Griffith, o Cecil B. De Mille, encontraron muy adecuada como marco para su propia visión. Especialmente en los orígenes de las grandes epopeyas filmadas encontramos ese carácter un tanto victoriano de la imagen del pasado, especialmente apreciable en el tipo, o imagen ideal del rostro femenino, con ese aire de familiaridad con la fotografía de retratos de la estampa victoriana y decimonónica. Desde casi sus inicios, la relación del Cine, es decir de los directores de fotografía y los diseñadores de producción, como tales o ejerciendo dicha función, con La Pintura, como fuente de ilustración de las imágenes del pasado, ha sido fecunda y veces contradictoria, y los experimentos o logros efectivos para dar con una imagen solvente de las diferentes épocas de la civilización humana siempre se han concentrado en la verosimilitud. Aquí la ciencia auxiliar de la arqueología, no debe despreciarse, pero la fría y neutral arqueología no puede competir con la fascinación de la pintura. Pero es que los pintores, también son proclives al uso imaginativo de la pura ciencia arqueológica. La dependencia o su interacción, entre cine y arte, ha dado más al cine que este arte al de la Pintura. Los esfuerzos por filmar con la simple luminosidad aportada por las velas en los interiores de E. Kubrick en Barry Lyndon, (1975) son un ejemplo de intento de reconstrucción visual de una época, el S. XVIII, donde las pintura tuvo un papel principal, pero donde la tecnología moderna tendría una importancia indispensable, para la obtención del efecto pretendido. Ejemplos de similar naturaleza, o de la contraria, es decir la ausencia de evocación creíble, se multiplican en la historia del Cine, pero no es aquí donde nos extenderemos. Solamente destacar un fenómeno que es una de las Fantasía más comunes de la consideración general de la Historia del Arte del Siglo XX. No es otro que el ya conocido y mencionado en este blog, en más de una ocasión, que aquel que presupone que la representación de la realidad o de la apariencia real no era objeto del arte y no lo sería nunca más.
Era como si ya se hubiera llegado al fin del "fenoménico" arte de la apariencia para dar paso al supuesto logro dela autoexpresión total del artista por encima de cualquier otra consideración. Sin embargo, el público, tan inocente, no ha hecho otra cosa que reclamar más y más realidad en las manifestaciones de las que gusta, y disfruta. Puede que en el Museo, las manchas de cuatro por seis metros sean muy apreciadas, pero desde el primer video juego, hasta los últimos, la diferencia es bastante significativa. El hiperrealismo, no es tal, es sólo realismo, o verosimilitud, o apariencia creíble y asumible para el jugador, aquí cada quien puede sugerir un término para el de representación efectiva de la realidad exterior. El Cómic y la Ilustración gráfica, ha pasado por etapas alternas, y coexisten muchas tendencias, pero desde The Yellow Kid, hasta el Manga, o el clásico cómic de la Marvel, pasando por el fancine o la impresionante muestra de Anime de Experiments Lain, la realidad ha tenido su parcela de evidente peso, y desde luego, con una función y una finalidad muy concretas. Aunque no siempre manifiestas o explícitas. Grosso modo, claro está. Tan sólo quisiéramos poner de manifiesto cómo, por ejemplo, desde la aparición de la tecnología digital que permite reproducir casi cualquier cosa que la fantasía o la imaginación humana produzca, puede ser llevado a un soporte, con una capacidad de engaño o Mímesis, que ya no hay marcha atrás. Apreciable, el hecho, de que uno de los grandes impulsos, que iniciaron los efectos especiales, pero sobre todo la digitalización, fue la recuperación de los mundos perdidos de la paleontología más efectista, es decir, los dinosaurios, su aparición supuso un logro del que el público no parece querer desengancharse, exigiendo cada vez un mayor y más explícito realismo en las criaturas, reales o imaginadas que el cine suministra dosificando los avances con las intenciones.
La necesidad de realidad de los humanos del Siglo que ha comenzado, no tiene visos de decaer, a pesar de los nostálgicos quejidos de los gráficos 2 D. Como, tampoco, detuvo este avance, la persistencia de cine en Blanco y Negro, desde las muestras de la serie B, o, el llamado Cine Negro; y sin ir más lejos, un ejemplo excelente, el de un Julio César, (1953) de J. L. Mankiewicz, cuyo intención era expresiva, tanto en el fondo como en la forma, una sobriedad que suplía la falta de “espectáculo”, con la fuerza del texto de Shakespeare, y que se debía en gran parte al uso de la citada fotografía. El siglo XX, ha dado como resultado, en los avances en el uso de la Tecnología para la representación del Mundo, y de los mundos factibles o increíbles, un “universo”, donde casi todo es posible. Desdeñar, como se suele hacer, desde el sacrosanto cenotafio del Arte, la necesidad de satisfacer este gusto, es uno más de los estertores finales de la agónica presunción de la existencia del Gran Arte.
Podemos empaquetar edificios, en un alarde de ingenio, podemos creer que esa mancha en la pared del museo es un mundo impelido por un arte que nos desarme, podemos sentir escalofríos en una habitación donde nos sacudan con los chirridos de una cámara de tortura simulada y creer que el arte es eso. Pero para la gran mayoría de los consumidores, el estremecimiento inefable se produce ante la visión de una creación, que se presenta con todas las características y funciones de un ser REAL. O al menos la percepción es casi real, lo virtual, es ya una frontera muy fina, a estas alturas del partido. Pero si nos caben objeciones, la inmediata: un monstruo de cine no es real, tampoco lo es el asesino que el actor recrea para nosotros, pero así lo percibimos, y la cruel realidad es que nadie reconoce al asesino hasta que cae, nunca, cuando pasa a nuestro lado. La ficción no es la realidad, pero se mezclan. Y según la ley de entropía, cada vez más, hasta llegar a un final, que no por menos conocido o previsible, ese oscuro y frío silencio calmo de la nada absoluta, ello, no nos impide seguir avanzando hacia el caos...¿Qué o quién, puede obligarnos a callar? ¿ El Gran Kant?
Saludos anónimo como paciente Lector.

El Pasado sin Imágenes es campo fértil para la Fantasía.

2007-01-04T09:03:00.000-12:00

¿Ha existido alguna vez el consenso en torno al objetivo y la función de la creación de imágenes en nuestra cultura?
Primero tal vez deberíamos poder preguntarnos qué entendemos por imagen, puesto que una imagen puede ser el acto mismo de la visión de algo concreto, como su traslación física, mediante un soporte, externo al objeto mismo. No hace falta que la imagen reproduzca un objeto, puede representar un momento determinado de una acción, o fenómeno del que seamos testigos, la imagen, puede ser entonces una simple fijación de un instante... Aquí todos imaginamos la fotografía como el medio idóneo para la obtención del momento concreto qué deseamos guardar... Es decir, la imagen, en un primer estado nos permite guardar, conservar algo que sabemos no volverá a suceder. Si queremos conservar una serie de imágenes existen los medios para tal cometido, y ellos han ido evolucionando con el discurrir del tiempo.
Si se nos pidiera reconstruir un detalle sobre un acontecimiento pasado, como el color de un coche, cuando sufrimos un accidente, seguramente, recordaríamos su imagen, y si el traumatismo de la escena, no se impone a nuestra capacidad de recuerdo, seremos capaces de proporcionar información, qué, aún siendo singularmente visual, necesariamente deberemos traducir al lenguaje oral. La capacidad humana para guardar información de un mismo suceso, mediante diferentes estructuras del mismo, ha sido quizás una de nuestras ventajas evolutivas. Decimos estructuras y no componentes, por que consideramos que la parte de información que desglosa la memoria, se estructura mediante recursos que forman unidades complejas, y no datos aislados, que se perderían sin un orden conectivo previo. Este orden, son las misteriosas formas en que nuestras neuronas asocian diferentes partes de un todo para después reconstruir un dato, convirtiéndolo en «recuerdo».
Seguramente estas consideraciones no se ajustan al modelo que los estudiosos sobre la memoria humana utilizan para su explicación, pero debemos darnos un margen para poder trabajar sobre tales asuntos. Los estudios de la pura fisiología del cerebro, tienen en las enfermedades del mismo, un camino por el que vislumbrar el origen de las disfunciones mentales, pero si nos detenemos a considerarlo, nos sorprendería a todos que este procedimiento fuera usado por ejemplo, en la corrección de exámenes académicos: por los errores, hallar la causa de la puntuación; sólo nos cabe deducir de todo ello, que no existe un método fiable para investigar un cerebro normal. Creemos saber por las lesiones del cerebro enfermo donde se localizan las áreas específicas de un proceso cerebral. La localización de tales zonas no ha conseguido establecer un mapa donde situar, concretamente, las complejas acciones que un cerebro pone en funcionamiento para el acto de la memoria. La memoria y el recuerdo son todavía pantanos que la ciencia debe drenar si quiere obtener una imagen clara de nuestra mente.
Aquí, como vemos, la palabra «imagen» se ha introducido de manera arbitraria, y, sin embargo, es un lugar común de la especulación filosófica el uso de la palabra Imagen par describir en parte, el proceso mediante el cual el ser humano es capaz de tener un pasado continuo y un presente anticipatorio, o lo que es lo mismo, una constancia de su ser, con una capacidad sorprendente: la de imaginar lo que no existe, así como lo que vendrá. Es decir, la memoria es al mismo tiempo el sustento de nuestro yo, y el acto de memorizar una victoria contra el tiempo. Al utilizar la memoria, las relaciones que se establecen entre las diferentes estructuras que maneja nuestro cerebro, podemos jugar con las condiciones normales por las que establecemos, por ejemplo, las causas y los efectos, y al alterarlas, podríamos decir, que la Imaginación nace de un uso diferente de la Memoria. Como vemos, en la misma palabra, Imaginación, surge el problema de la Imagen. Es como si no pudiéramos hablar de nada sin imágenes, pero uno no imagina las palabras escritas que describen aquello que uno dice. No pensamos con palabras... Pero¿ Imaginamos sin Imágenes?
La percepción, o simplificando, la interacción permanente de «nuestro yo» corpóreo y mental, activa constantemente el uso de la memoria, bien para anticipar una posible solución a un problema, bien para considerar, por comparación, un análisis de la realidad de lo que acontece en ese singular momento. Se ha distinguido la Memoria a largo plazo, con aquella que, por contraposición, usamos para la comunicación constante con el exterior, la que todos conocemos por Memoria a corto plazo, y su relación con el aprendizaje humano; se considera normalmente, de vital importancia para la fijación permanente de los datos trasferidos, es decir, la conversión de los estímulos en recuerdos. El acceso a estos datos, en el acto de recordar, nos trasmite la falsa idea del armario de la memoria, con clasificaciones por relevancia y otras especulaciones de carácter biológico. Es factible creer que recordar un animal, puede salvarnos la vida, pues el aviso que nuestro cerebro manda en forma de respuesta, sea sudor o temblor o de cualquier otro tipo, asociados al Peligro, son adquisiciones evolutivas. El peligro, sin embargo, o mejor dicho, la «sensación» de peligro, es una respuesta que compartimos todos los replicadores genéticos de origen animal. El miedo, a lo desconocido, es sin duda un claro ejemplo, de lo que tal vez sea la ausencia de imágenes para tal sentimiento. El «miedo irracional», o Fobias, pueden ser el síntoma de una enfermedad mental, pero el miedo incomprensible, por nuevo, que todos hemos sentido alguna vez, ante una situación anómala en nuestra vida cotidiana, es una pista de la necesidad de tener recuerdos y por tanto de tener Memoria, para salir al paso de tales situaciones. Cuando nos decimos a nosotros mismos “ – esto no es real, y no puede estar pasando”, ejercemos la función de negación de nuestra memoria. No recordamos nada parecido por lo que deducimos que no es real. Que todo es producto de nuestra imaginación. Pero puede que simplemente tengamos bloqueada la memoria, por una razón más sencilla, la respuesta de neurotransmisores y moléculas que nos dictan: “No hay tiempo para recordar...ni tan siquiera para pensar...Sólo para actuar”. Y a velocidades de nano segundo, exagerando, encendemos la luz de la habitación. En seguida recordamos el susto, por lo que nos reímos, considerándolo infantil, y tal vez, no pasa a nuestra Memoria a largo plazo. Porque no haya nada que pueda ser codificado como imagen del miedo irracional. En nuestro entorno, las imágenes de Terror, son especialmente proporcionadas por el cine, curiosamente, y no, por las imágenes de los sucesos reales que son gráficamente documentados por el mundo de la comunicación de masas. Es tal vez la falta de contexto de una imagen aislada de un accidente de coche, la que no llega a pasar de nuestros sentidos a nuestra memoria. Un anuncio con gritos, chirridos estridentes y música ”sobrecogedora” con una lagrima final en primer plano, nos “tocan” más, por usar un término, que comunica un sentido más, a los ya colegidos de la vista y el oído. Pero al re-cordar, es decir, al sentir de nuevo etimológico, nuestro corazón, no se paraliza de miedo.
Nuestras emociones son vivificadas de nuevo, al recordar la publicidad, y no la imagen de un accidente, a lo sumo, exclamamos: ¡cómo quedó el coche!, sin querer, nos impedimos llegar a percatarnos a través de la imagen, de algo más terrible, qué fue de las víctimas. Pero, llegamos a una conclusión que debería ser una aberración de nuestra capacidad biológica de percepción de la imagen. ¿ No debería ser más eficaz una imagen real que una reconstrucción de un accidente, para activar nuestra memoria? Acaso, la realidad y su reflejo, han llegado a un estado de degradación tal que no somos capaces de reconocer y, por tanto, asimilar el «valor real» de una imagen, para nuestra conciencia? ¿Es ese mismo valor, o significado, en su más amplio sentido, el que debería, en última instancia, prevalecer, o en su defecto, debería ser la imagen del mismo, la que pudiéramos ser capaces de recordar?
El objetivo de una imagen, es decir, el propósito inicial de la misma, y su función, no son una comunión de valencias invariables. La «función» es a menudo inseparable de su intención, la finalidad de quien la crea, es por lo general, mucho más concreta de lo que parece, a primera vista. Incluso quien hace una fotografía de «algo» sin premeditación previa alguna, suele tener un motivo claro, la permanencia de lo visto, y una finalidad sencilla, su conservación, o al menos un remedo de ambos. Cuando damos significados aleatorios a “eso” que tan curioso nos parece, ejercitamos la imaginación comparativa, o la Memoria, pues una memoria que establece relaciones inconscientes, es muy parecida a lo que comúnmente solemos llamar «Fantasía». Las relaciones no deben entenderse como meras formas de cambiar el significado, o la simple facultad de no encontrarlas, lo que es aún más raro; más bien, la inconsciencia de las mismas relaciones sea el producto de una cadena de eslabones sueltos que nuestra memoria no es capaz de extender, a lo largo de la historia neuronal de la imagen y su significado, dejando solamente asomar a un tiempo, los retazos de una serie incompleta de pequeños bits de información. Un bit aislado, y otro, y otro que componen la Imagen de lo que no comprendemos a primera vista.
Hubo un tiempo en que las imágenes, especialmente las artísticas, tenían un objetivo y una función. El trabajo de los artistas era el producto de un consenso. La imagen era la satisfacción o su tentativa, de una necesidad, de un esfuerzo por suplir, mediante las obras, la carencia de “ilustración” sobre el mundo, fuera dicho mundo, real o imaginado y deseado, como es el caso de las imágenes de carácter fantástico. Las obras de arte no permanecían en manos de los artistas, salvo en muy contadas ocasiones, pues enseguida pasaban a su destino. Cuando el coleccionismo privado de mecenas y patronos, decidió guardar algunas obras, se dio paso a una nueva alternativa funcional de satisfacción. En algunos casos, no era otra que la de obtener prestigio social, o una forma de diletantismo, pero la condición de la obra sufrió una permutación, que con el transcurrir del tiempo, se convirtió, en el origen del arte por el arte. La exposición pública del producto artístico, que ya sucedió en la Antigüedad era una forma de representación o traducción a imágenes de la concepción del mundo que, tenían y deseaban ver, los propios contemporáneos de las mismas, y la capacidad para reflejar dicho microcosmos, era en definitiva una función derivada del objetivo primario, es decir, el de la representación del mundo del que participaban los miembros de una cultura dada. Las siguientes formas de exposición, como es el caso del Museo Contemporáneo, que conocemos todos, no es sino una forma de cenotafio arbitrario del pasado que catalogamos como verdadero. Hay un regusto arqueológico en torno a las Imágenes visuales que se dan por válidas y coherentes con el sueño de un mundo en cambios permanentes, pero con un continuum fijo. No es un espejo. Es un documental de lo que deseamos perpetuar. Pero ¿quién decide la vinculación de la Imagen a nuestra Imagen y Semejanza? Todos tenemos un Museo Ideal, pero rara vez coincide con el oficial, este desajuste es la base de algo que está en la basa de la historia del Arte.
La Memoria, al considerarla Colectiva, acaba siendo una más de las actividades panfletarias de la visión interesada de una historia que está lejos de ser un expediente cerrado. Un ejemplo banal en apariencia, pero muy significativo: Es casi imposible acceder a la historia visual de la Pintura Francesa Académica de «Salón» de la primera mitad del Siglo XIX, sin embargo, su supuesta continuación es detallada, hasta ser farragosa sin límites. El intento del Orsay, adolece de un exceso de autodisculpa en la mayoría de sus exposiciones. Escatimar la Imagen de todo un período de la Pintura, es escamotearnos a todos una parte de nuestro pasado. Y un Pasado sin Imagen, es campo fértil para la Fantasía.
El Consenso, ahora, no es el producto de un acuerdo, más pareciera una de estas conspiraciones de las que tanto abundan hoy en día. Sin consenso, la Creación de la Imagen que nos damos deriva en un calidoscopio sin sentido, porque no vemos, sólo somos los convidados de piedra de un espectáculo de sombras chinescas, condenados a vagar por un álbum Familiar de desconocidos, sonrientes o afligidos, pero irreconocibles para nuestra mirada, sin memoria compartida, sólo se nos permite mirar, sin reconocimiento posible, luego sin recuerdo.
Saludos anónimo, como paciente, Lector.

Código ISBN

2006-12-29T08:44:00.000-12:00

Technorati

2006-12-29T08:22:00.000-12:00

Technorati Profile

El Naufragio. Segunda parte

2006-12-29T01:27:00.000-12:00

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